Daniel Innerarity y algunas implicaciones de la IA

Daniel Innerarity, filósofo español nacido en 1967, ha explorado las implicaciones de la inteligencia artificial generativa en el arte, cuestionando su verdadera creatividad. Argumenta que el arte generado por IA no es verdaderamente creativo, sino una recombinación de patrones extraídos de obras pasadas, como imitar estilos de Rembrandt o Beethoven mediante algoritmos estadísticos. Esta "creación artificial" produce resultados convincentes pero predecibles, incapaces de rupturas imprevisibles que definen la originalidad humana, como las fases tardías de Beethoven.

​No obstante, él considera válido el rol auxiliar de la IA, cuando actúa como herramienta auxiliar para artistas, descargando tareas repetitivas como transposiciones musicales o instrumentación, democratizando el acceso a la experimentación creativa. Así, libera a los humanos para enfocarse en lo inimitable, revelando el núcleo auténtico del arte humano.

​De alguna forma, Innerarity compara esto con la fotografía, que impulsó el impresionismo al desplazar la descripción realista en pintura; la IA podría redefinir el arte hacia la expresión única humana. En entrevistas recientes, reitera que la IA capta patrones pero su "originalidad" es combinatoria, no intensa. Pasa entonces a tratar una teoría crítica de la inteligencia artificial que va más allá de enfoques éticos, morales o estéticos, analizando las condiciones estructurales que permiten o impiden una IA responsable en las sociedades democráticas.

Así identifica como núcleo el problema de la externalización creciente de decisiones humanas a sistemas algorítmicos, que automatizan desde lo cotidiano hasta lo político, pasando por lo artístico, desplazando la capacidad decisoria humana. Esto no es mera instrumentalización, sino un reemplazo que cuestiona el lugar de la voluntad popular en la vida común y la democracia.

Innerarity aboga por una filosofía política de la IA que democratice el entorno algorítmico, garantizando igualdad y reflexión humana frente a la automaticidad, sin renunciar a sus beneficios. Esto incluye interrogantes sobre si los agregadores algorítmicos podrían suplir urnas electorales, por ejemplo, rechazando tal idea por ignorar el "yo aspiracional" democrático.

El cine, el espectador, la multimedialidad y la interactividad

La relación entre el espectador y las imágenes en movimiento no es fija ni natural, sino profundamente histórica, técnica y política. El cine nació como estética de la multitud, un arte pensado para ser vivido en colectivo, donde la masa era a la vez tema y destinataria. Sin embargo, esa misma potencia agregadora derivó rápidamente en la figura del espectador pasivo, un sujeto inmovilizado ante el espectáculo, consumidor acrítico de narrativas cerradas y emociones prefabricadas.

Frente a esa pasividad, surge la necesidad de formar espectadores audiovisuales críticos, capaces de desmontar el dispositivo cinematográfico, reconocer sus tramas ideológicas y resistir la interpelación directa del medio. Esta figura alcanzó su madurez en la segunda mitad del siglo XX, especialmente en ámbitos educativos, cinéfilos y activistas.

Pero la revolución digital, la multiplicación de pantallas y la expansión de lo interactivo han traído una nueva figura: el espectador interactivo, propio de entornos multimedia y multimodales. Este espectador ya no solo mira o analiza, sino que elige, comenta, remezcla y participa. Su relación con las imágenes es más activa, pero también más fragmentada, y no necesariamente más crítica.

Esta idea se ubica en el entorno digital y poscinematográfico. Ya no hablamos solo de cine, sino de pantallas múltiples, plataformas y formatos híbridos. Son sus características la multimedia, un mismo contenido integra texto, imagen fija, imagen en movimiento, sonido, animación, hipervínculos (ej. documental interactivo, videoensayo); la multimodalidad, el espectador no solo recibe un modo (el visual narrativo), sino que combina modos de percepción: leer, mirar, escuchar, tocar (pantallas táctiles), elegir rutas; la interactividad, pues el espectador ya no es pasivo ni meramente crítico; actúa sobre el contenido y elige caminos narrativos (cine interactivo, Bandersnatch), comenta, remezcla, sube reacciones (YouTube, TikTok), participa en la creación colectiva (wikis, fandubs, memes) y hasta decide tiempos, ritmos y repeticiones (streaming, pausa, rebobinado).

Tenemos también la hipermediación, y ahora el espectador es consciente de la interfaz y la manipula. Rompe la ilusión de transparencia clásica del cine. Esto tiene que ver con la atención dividida y multitarea, pues ya no hay una pantalla sagrada y una sala oscura; el público interactivo mira el celular mientras ve una serie. Así, este espectador puede ser más libre o más disperso, pero ciertamente ha roto con la figura pasiva y monolítica del cine tradicional.

No asistimos a una sustitución lineal de un tipo de espectador por otro. Más bien, conviven hoy distintas modalidades de recepción: el espectador pasivo sigue existiendo en el consumo rápido de entretenimiento industrial; el crítico se refugia en la cinefilia y la academia; el interactivo navega entre plataformas; y la multitud ha migrado a las redes sociales y los eventos de streaming masivo.

Un extraño objeto flotante en un GIF de arte pixelado

Esta curiosa imagen que pongo hoy aquí, una colorida figura flotante, está realizada en Pixel Art, el arte que toma al pixel gráfico como fundamento, pero que además se mueve con la técnica GIF, Graphic Intechange Format, un formato digital de animación reiterativo. Hallada en la Web, esta es otra muestra de ciberarte por internet.  

Los espacios liminales en el ciberespacio

En los últimos tiempos dentro el campo de la internet y el ciberespacio, se han popularizado las aplicaciones e interacciones ligadas a la ide de "espacios liminares". En términos simples, un espacio liminal es un lugar de transición o umbral. La palabra viene del latín limen (umbral). Son espacios que deberían estar llenos de actividad pero que se muestran vacíos, inquietantes o suspendidos en el tiempo. Ejemplos característicos son los pasillos de hoteles o colegios de noche, los centros comerciales después del cierre, los aeropuertos a altas horas de la madrugada, los estacionamientos subterráneos vacíos y las salas de espera o vestíbulos abandonados. 

Lo interesante ahora es que vemos nuevas tendencias en el espacio liminal dentro del digitalismo, pues este ha adoptado y transformado el concepto. Un modelo notable es el de los Backrooms y el "lore de niveles". Lo que empezó como una imagen viral (un pasillo de moqueta amarilla) se ha convertido en un enorme universo colaborativo. Ahora existen "niveles" del Backrooms, cada uno con reglas, entidades y estéticas liminales específicas. Es un fenómeno de narrativa colectiva en foros, wikis y YouTube. 

De ahí pasamos al Dreamcore y Weirdcore. Estos son estilos visuales que llevan la liminalidad a lo onírico. El dreamcore usa imágenes borrosas, nostalgia artificial y texturas suaves; el weirdcore añade elementos surrealistas y mensajes crípticos. Son muy populares en TikTok, Instagram y Pinterest.

Igualmente, los videojuegos liminales han puesto de moda esta tendencia. Títulos como The Backrooms Game, Anemoiapolis, Pooll o The Complex: Found Footage están diseñados íntegramente para explorar espacios vacíos y la ansiedad que generan. También mods de juegos como Garry's Mod o Minecraft crean mapas liminales.

La generación de imágenes por inteligencia artificial también ha tenido que ver con este auge. Herramientas como Midjourney o DALL-E 3 han potenciado muchísimo la creación de espacios liminales. Los prompts específicos ("liminal space", "abandoned mall", "VHS aesthetic") producen imágenes hiperrealistas que antes requerían horas de edición.

En YouTube y Spotify hay canales dedicados a ambientes sonoros de espacios liminales: el zumbido de un aeropuerto vacío, el eco en un centro comercial cerrado, la lluvia en un estacionamiento. Se mezcla con lo nostálgico y lo perturbador suave. Así mismo, en sitios como VRChat o Meta Horizons, ya hay mundos diseñados como espacios liminales explorables. La tendencia actual es crear experiencias multijugador donde la rareza viene de encontrarse con otro usuario en un lugar que "debería" estar vacío.

La pesencia de estas formas audiovisuales es tan marcada, que hashtags como #liminalspaces, #backrooms, #dreamcore y #poolrooms tienen miles de millones de vistas. La tendencia actual es el "liminal horror de bajo presupuesto": videos caseros con efectos VHS, recorridos por lugares reales vacíos (como centros comerciales en decadencia) y ediciones que juegan con el "glitch". Autores contemporáneos (en ensayos, newsletters y canales de YouTube como Solar Sands o Nexpo) analizan cómo los espacios liminales reflejan la soledad digital: vivimos conectados pero físicamente aislados. Los centros comerciales vacíos se leen como metáforas del consumo sin comunidad, y los pasillos infinitos como la experiencia de navegar sin rumbo por internet.

¿Por qué está tan de moda ahora? Porque el espacio liminal captura una ansiedad muy actual: la de vivir en transición permanente (entre pantallas, entre trabajos, entre lugares, entre pandemias...). Además, la nostalgia por los 90 y 2000 (los espacios liminales suelen tener esa estética) conecta con el deseo de tiempos más sólidos.

"Quack!", un corto en animación CGI 3D

"Quack!" es un cortometraje realizado por la promoción 2024 de alumnos del ESMA, Ecole Supérieure des Métiers Artistiques, que ya muchas otras veces he referido aquì en el blog por sus muy creativas producciones con estética digial. En este film, un gran huevo aparece cerca del arroyo donde viven dos pequeños espíritus del bosque. De él sale un patito, y ellos deciden emprender una aventura para devolverlo a su madre. Trabajaron en la dirección y producción Jeanne Audounet, Léa Burkart, Louis Herrero, Elio Humbert, Ariane Moulard, Marie-Lou Peyre, Maëlys Sabuco, y Julien Vannet. La música es de Arthur Troch y el sonido de Sébastien Fournier y Tristan Le Bozec. El estilo está muy bien logrado y en particular la representación del agua es excelente, porque además es un protagonista imporante de la historia. El sitio Web de ESMA: https://www.esma-3d.fr/.

Hay dos palabras...

Es una una conocida y graciosa frase la que pongo aquí hoy, en una viñeta hallada en la Web, para alegrar la tarde (y reflexionar con una filosofía jocosa). 

Otros aspectos sobre la gobernanza digital en relación con las imágenes sintetizadas por IA

Ya en varias publicaciones anteriores, algunas bastante recientes, he abordado este tema, pero dado que tiene cada vez más relevancia lo sigo tratando. La gobernanza digital sobre las imágenes sintetizadas por inteligencia artificial ha cobrado un nuevo aspecto, porque hace unos pocos días se hicieron públicas estadísticas que muestran el cada vez más indiscriminado uso de imágenes falsas y deepfakes en el campo de la comunicación, lo cual amenaza la credibilidad de todo mensaje visual. 

Con anterioridad he señalado que la gobernanza digital de las imágenes sintéticas generadas por IA se refiere al conjunto de principios, políticas, normas técnicas y marcos legales que buscan regular el ciclo de vida de estas imágenes (creación, distribución, detección y uso) para maximizar sus beneficios y mitigar riesgos.

Los principales desafíos que la gobernanza busca abordar incluyen, justamente, la desinformación y deepfakes, las imágenes hiperrealistas de eventos que nunca ocurrieron o personas diciendo o haciendo cosas falsas, con potencial para manipular elecciones, generar pánico financiero o dañar reputaciones. Esto es fraude y suplantación de identidad con el uso en estafas de verificación biométrica, creación de perfiles falsos creíbles o ingeniería social. Ello incluye problemas con la privacidad y la honorabilidad. La generación de desnudos no consentidos (deepnudes) o imágenes de personas en situaciones comprometedoras sin su permiso, es tremendamente perjudicial.

Otro reto es la vulneración de derechos de autor y propiedad intelectual. Modelos de IA entrenados con millones de imágenes extraídas de internet sin consentimiento ni compensación a los autores originales, violentan todos los derechos y registros. 

Un aspecto que ya he nombrado, que se aplica a los programas de conversación con IA pero que ahora se ha notado mucho en los programas de creación de imágenes, es el tema de los sesgos y la discriminación. Los modelos pueden perpetuar o amplificar estereotipos dañinos (raciales, de género, etc.) en las imágenes generadas.

Como vemos, hay mucho que enfrentar, discutir y establecer, siempre con el riesgo de pasar de una regulación a un control y de este a una censura. En próximas publicaciones seguiré abordando este tópico que es de total actualidad y globalidad. 

Gata celosa en humor gráfico Web

Pongo hoy esta imagen humorístca hallada en la Web, que parodia las redes sociales y las relaciones entre gatos y humanos. ¿Gata tóxica, intensa? O puros celos gatunos... 😆

Ética y lenguaje por C. L. Stevenson (2/2)

En la publicación anterior comenté sobre algunas de las ideas que el filósofo estadounidense Charles L. Stevenson propuso al respecto de la ética y su relación con el uso del lenguaje. Él señala dos significados en el lenguaje ético, el descriptivo y emotivo, que vienen de las creencias y las actitudes de cada sociedad. Esta es la base de su estructura mental para definir la ética y sus manifestaciones a través de los lenguajes.  

Plantea entonces dos métodos del discurso moral. Dado que el desacuerdo moral es, fundamentalmente, un desacuerdo de actitudes, ¿cómo se resuelve? No mediante la razón pura o la demostración lógica (como en ciencia), sino mediante dos métodos:

a) Métodos descriptivos de la razón, que se usan para resolver desacuerdos en creencia. Se discuten hechos, causas, consecuencias. Si dos personas discrepan sobre si la eutanasia causa sufrimiento, pueden apelar a datos. Esto es útil, pero secundario. Si tras acordar los hechos siguen discrepando en su actitud (uno la aprueba y otro la rechaza), la razón pura no puede resolverlo.

b) Métodos persuasivos dinámicos, que son la forma genuina de resolver desacuerdos de actitud. Estos incluyen:

• Apelaciones emocionales: usar un lenguaje vívido, ejemplos conmovedores, metáforas.
• Persuasión "psicológica": reestructurar la percepción de la situación, resaltar ciertos valores olvidados.
• Persuasión "lógica" (aparente): mostrar cómo la actitud del otro lleva a consecuencias que él mismo no aprueba (tratando de generar una inconsistencia en su sistema de actitudes).
• Influencia no racional: repetición, autoridad, retórica.

En esencia, para Stevenson, la discusión moral no es una búsqueda de una verdad objetiva, sino un intento de influir en las actitudes del otro para lograr un acuerdo o un acercamiento. Por otro lado, él habla del papel de la definición persuasiva, que es una de sus ideas más originales. Una definición persuasiva es una estrategia retórica que cambia el significado descriptivo de un término (para hacerlo más favorable o desfavorable) sin alterar su significado emotivo (su carga de aprobación/desaprobación). Por ejemplo: decir que "el verdadero socialismo" no es el de los estados totalitarios, sino el de las comunidades libres y solidarias. Se conserva la palabra emotivamente positiva "socialismo", pero se redefine su contenido descriptivo para ajustarlo a la ideología del hablante. Esto muestra cómo el lenguaje ético se puede manipular para ganar aprobación hacia nuevas ideas.

En resumen, es innegable la importancia de Stevenson, porque rompe con el objetivismo moral tradicional. Niega que existan propiedades morales objetivas en el mundo. Asi mismo, supera el emotivismo radical de otros moralistas, como A.J. Ayer. Mientras Ayer decía que los juicios éticos son meras exclamaciones emocionales ("¡Bien!" o "¡Puaj!"), Stevenson añade el componente dinámico de influencia y reconoce el papel complejo de las creencias y la persuasión racional. Es un emotivismo más sofisticado.

Ofrece así una explicación plausible del desacuerdo moral. Explica por qué discutimos tan apasionadamente sobre valores sin llegar a una "prueba" concluyente. Conecta igualmente ética con retórica y psicología. Muestra que hacer ética es también usar el lenguaje de manera persuasiva.

Claro que hay otras cíticas frecuentes. Muchos filósofos (como Alasdair MacIntyre) dicen que su teoría reduce la razón moral a mera manipulación emocional, y que no puede explicar por qué usamos términos como "deber" con una fuerza que parece más que una simple preferencia personal. Tampoco explica cómo podemos debatir racionalmente sobre qué actitudes deberíamos tener. Son temas de debate que aún hoy se discuten. En definitiva, Stevenson lleva a escuchar el lenguaje moral no como un informe sobre el mundo, sino como una partitura emocional que expresa nuestros sentimientos más profundos y busca hacer que los demás bailen al mismo ritmo.

Ética y lenguaje por C. L. Stevenson (1/2)

Charles Leslie Stevenson (1908-1979) fue un filósofo estadounidense, figura clave del emotivismo, teoría ética "Metaética" que floreció en el siglo XX como reacción contra las teorías éticas que veían los juicios morales como hechos objetivos. Esto significa que para Stevenson, la función principal del lenguaje ético no es describir hechos del mundo, sino expresar emociones e influir en las actitudes de los demás. Su obra más importante es "Ética y lenguaje" (1944), donde desarrolla su teoría de forma detallada y matizada. Veamos algunas de las ideas centrales de su pensamiento. 

Para entender a Stevenson, hay que distinguir dos aspectos de la psicología moral, las creencias y las actitudes. Las creencias son nuestras ideas sobre cómo es el mundo (hechos). Por ejemplo, "Este medicamento alivia el dolor de cabeza". Son descriptivas y pueden ser verdaderas o falsas. Por otro lado, las actitudes son nuestras preferencias, gustos, deseos y disposiciones emocionales. Así por ejemplo, se dice "¡Me gusta que se alivie el dolor!" o "Quiero que se usen medicamentos efectivos". No son verdaderas ni falsas, sino que se tienen o no se tienen. Los desacuerdos morales, según Stevenson, suelen ser una mezcla compleja de desacuerdo en creencia (sobre los hechos) y desacuerdo en actitud (sobre lo que debemos preferir). El error clásico es pensar que todo desacuerdo moral es solo un desacuerdo en creencia.

Eso le lleva a hablar de dos significados en el lenguaje ético, el descriptivo y emotivo. Stevenson propone que términos como "bueno", "malo", "correcto", "deber", tienen dos tipos de significado, descriptivo y emotivo. El significado descriptivo se refiere a las propiedades empíricas o definibles del objeto. Por ejemplo, al decir "Juan es bueno", podría describirse que "Juan es honesto y ayuda a los demás". Este significado es secundario y variable entre diferentes personas y contextos.

En cambio, el significado emotivo (o dinámico) es la función principal del lenguaje. Es la capacidad de la palabra para expresar las actitudes del hablante y para provocar o reforzar actitudes similares en el oyente. Es como una "carga emocional" que tiene la palabra. Decir "bueno" es como decir "¡Lo apruebo! ¡Sigue esa línea de conducta!". Por ejemplo, si digo "La eutanasia es buena", no estoy diciendo un hecho objetivo sobre la eutanasia, estoy expresando mi actitud (aprobación, sentimiento favorable hacia la eutanasia, pero también estoy enfluyendo en el otro, intentando que también apruebe la eutanasia. En cambio, con el significado descriptivo ("la eutanasia pone fin al sufrimiento"), se da la razón para apoyar esa actitud, pero la palabra "buena" añade el empuje emocional.

Estas propuestas sobre la relación entre la ética y el lenguaje de Stevenson tienen otras aspectos a cuestionar, que además reciben críticas, incluyendo las implicaciones morales pertinentes, que estudiaremos en la siguiente publicación. 

Sobre la información en una imagen, por Michio Kaku

"Cualquier imagen tridimensional contiene una enorme cantidad de información: un montón de veces, la información almacenada en una imagen bidimensional".

MICHIO KAKU, físico teórico estadounidense de origen japonés, reconocido divulgador de la ciencia, nacido en 1947, a quien ya he citado antes en este blog.

Desinformación médica con imágenes de IA

En la Web y las redes sociales circulan hoy decenas de imágenes, datos e informaciones que en realidad son una desinformación médica y tratamientos falsos. Circulan imágenes generadas por inteligencia artificial de supuestos pacientes curados milagrosamente (antes/después de tratamientos falsos), imágenes microscópicas inventadas de bacterias o células para vender suplementos, y hasta fotos de instalaciones médicas lujosas que nunca existieron para captar pacientes en turismo de salud. 

Lo casos más comunes hoy son los "deepfake doctors", videos generados por IA que muestran a falsos profesionales médicos dando consejos o vendiendo productos. Estos avatares pueden ser facsímiles de médicos reales (usando su imagen sin consentimiento), o figuras ficticias generadas completamente por IA.

El mecanismo combina modelos de difusión (como DALL-E, Midjourney) que crean el vídeo realista, modelos de lenguaje (LLMs) que generan el guión coherente y convincente y medios de difusión viral como las redes sociales. El resultado es tan creíble que incluso los familiares de los médicos reales suelen ser engañados. 

Por otro lado, existen modelos generativos capaces de crear radiografías, resonancias o tomografías falsas que son indistinguibles de las reales para un ojo no entrenado. El estudio MedForensics ha documentado generación de imágenes falsas en seis modalidades médicas diferentes usando doce modelos generativos diferentes. 

En todos estos casos, el riesgo es siempre grande. Personas que abandonan tratamientos reales por falsas promesas respaldadas por imágenes visualmente convincentes. Este es un asunto bien delicado y complicado, que se hace cada vez más difícil de enfrentar y resolver.

El arte como experiencia para John Dewey

El aporte del psicólogo y pedagogo estadounidense, John Dewey (1859-1952), al estudio del arte es profundo y transformador, aunque opera desde una perspectiva filosófica diferente. No nos dio un método para clasificar el arte, sino una teoría sobre qué es la experiencia estética y cómo ocurre. Su obra fundamental en este campo es El arte como experiencia (1934), basada en sus conferencias en Harvard. Ya en publicaciones anteriores he hecho referencia a sus ideas, que aquí sigo desarrollando. 

En primer término, rompe con la visión de museo como pedestal del arte. Dewey critica la tendencia a aislar el arte de la vida cotidiana; para él, el problema surge cuando guardamos una pintura en un museo o una sinfonía en una sala de conciertos, separándola de las experiencias vitales que la originaron. Su propuesta es reconectar la experiencia estética con los procesos de la vida diaria.

Así mismo, define la experiencia estética como una "experiencia consumatoria" y distingue entre el flujo caótico de experiencias cotidianas y una "experiencia consumatoria, que es aquella que tiene un inicio, un desarrollo y un clímax que nos llena de sentido. Por ejemplo, resolver un problema difícil, tener una conversación profunda o presenciar una obra de arte. Por esto él habla del arte como experiencia. La obra de arte no es el lienzo o la partitura, sino la interacción entre el objeto (estímulo) y el espectador (sujeto activo). La experiencia estética no es un lujo. Es la culminación exitosa de cualquier interacción organismo y su entorno. Ver una puesta de sol o escuchar una historia pueden ser arte si se viven plenamente.

Para Dewey, el arte no es solo expresión emocional ni solo técnica fría. Es un acto de construcción. Por ello, la emoción guía el hacer. El artista siente una cualidad emocional global (alegría, melancolía, tensión) que actúa como un "imán" que selecciona los materiales y las formas de su obra. El hacer tiene que ver con la creación y la producción. El artista trabaja los materiales (piedra, sonido, color) transformándolos. No es una copia de la realidad, es una recreación.

Esto implica también una percepción activa. El espectador no es pasivo. Para tener una experiencia estética, debe realizar su propio acto de recreación, siguiendo las pistas que el artista dejó en la obra. Si no hay esa participación activa, solo hay reconocimiento (saber qué es), no percepción (vivir su significado). Dewey rechaza la idea de que el arte sea solo un adorno o un escape de la realidad. Lo ve como el modo de comunicación más profundo y completo. Mientras que el lenguaje ordinario puede ser abstracto o informativo, el arte comunica la cualidad sentida de una experiencia. Un cuadro no te dice "el guerrero está triste", te hace sentir esa tristeza a través de líneas, colores y formas.

John Dewey aporta al estudio del arte la idea de que este no es un objeto sagrado para contemplar, sino un modelo de cómo toda experiencia humana puede volverse plena, significativa y comunitaria.

Una imagen sintetizada con rostros y estética Glitch

Esta imagen nos muestra rostros que parecen totalmente reales, pero en realidad son generados por programas gráficos de inteligencia artificial, que además han sido tratados y modificados para dar la sensación de arte digital, con estética de Glitch Art. Es todo un reto ahora identificar el origen y la veracidad de estas obras de ciberarte sintetizado, que sin embargo, destacan por su originalidad.

Una idea de Descartes sobre las leyes y las costumbres

"La primera máxima de todo ciudadano ha de ser la de obedecer las leyes y costumbres de su país, y en todas las demás cosas gobernarse según las opiniones más moderadas y más alejadas del exceso".

RENÉ DESCARTES (1596-1650) Filósofo y matemático francés.