Derrida y el "Logocentrismo" (2/2)

En la entrada anterior cometé las ideas del filósofo francés Jacques Derrida respecto del uso del lenguaje, lo que él llama "logocentrismo" y su crítica a los conceptos de oralidad y escritura de la escuela estructuralista de Ferdinand de Saussure y Claude Lévi-Strauss. Vimos que si según las ideas de deconstrucción de Derrida, no hay razón para privilegiar el habla sobre la escritura. Esta es también es un sistema de "diferencias puras", en las que el significado está igual de cercano al pensamiento que en el lengauje oral.

Lo más revolucionario de las ideas de Derrida es que se invierte la jerarquía tradicional. Él propone el concepto de arqui-escritura (archi-écriture), que no es la escritura común (la literal, como tinta sobre papel); es una condición de posibilidad de todo lenguaje (oral y escrito). La arqui-escritura es la estructura de la diferencia, el espaciamiento, el rastro y la ausencia que permite que cualquier signo (sonoro o gráfico) funcione. Para que una palabra hablada signifique, debe poder repetirse sin la presencia de su emisor original (debe ser "iterable" o "citable"). Esa capacidad de funcionar en ausencia del referente y del destinatario es una característica escritural. Por tanto, el habla ya tiene en su núcleo la estructura de la escritura.

Habla también del "Suplemento Peligroso". Derrida analiza, sobre todo en los textos de Rousseau, a quien también critica, la figura del "suplemento". La escritura es vista como un suplemento externo que añade algo "extra" a la naturaleza pura del habla. Pero el suplemento tiene una lógica paradójica: Añade una ausencia. Es decir, añade algo que supuestamente falta en el origen (la presencia plena, natural, del sentido). A su vez, revela una falta originaria. Al tener que añadir la escritura para compensar algo, se demuestra que el "origen" (el habla pura, la presencia natural) nunca fue completo. El origen ya era un suplemento. Por lo tanto, la escritura no corrompe una inocencia original; más bien, revela que toda inocencia es un mito. La archi-escritura es el movimiento de esa suplementariedad.

En conclusión, ¿qué dice Derrida? No dice que debamos hablar por escrito o que el habla no exista. Su tesis es que el modelo de la escritura (entendido como diferencia, espaciamiento, rastro y ausencia) es más fundamental que el modelo de la voz. La escritura que él defiende no es la empírica, sino la arqui-escritura, que desmantela el sueño de una presencia plena e inmediata del sentido. El lenguaje, tanto hablado como escrito, está siempre ya marcado por esa diferencia originaria.

Derrida y el "Logocentrismo" (1/2)

Ya en otras publicaciones anteriores me he refrido a las interesantes teorías del pensador francés nacido en Argelia, Jacques Derrida (1930-2004), entre las que destaca la gramatología y la deconstrucción, y una de sus propuestas más destacadas, la crítica al "logocentrismo". En su famoso libro de 1967, De la gramatología, Derrida lleva a cabo una deconstrucción sistemática de lo que él llama el logocentrismo de la tradición filosófica occidental. Para entender su posición sobre el lenguaje escrito y el hablado, hay que partir de esta crítica.

En principio, destaca lo que es el "Logocentrismo" y el privilegio de la voz. Derrida sostiene que, desde Platón y Aristóteles hasta Saussure y Lévi-Strauss, la filosofía y la lingüística han privilegiado el habla (la voz) sobre la escritura. A esto lo llama logocentrismo (del griego logos: palabra, razón, pensamiento). Así, el habla se considera natural, inmediata, presente. Cuando hablo, mi pensamiento (el logos) parece expresarse directamente, sin un intermediario artificial. El oyente tiene acceso casi transparente a mi "intención de significar". Hay una presencia casi mágica del sentido. La escritura, en cambio, es vista como un derivado, una técnica externa, un simple suplemento peligroso. Es una representación del habla (que ya es una representación del pensamiento). Es artificial, diferida, y puede operar sin la presencia del autor, prestando lugar a malentendidos.

De aquí parte su crítica al lingüista Ferdinand de Saussure respecto al "ethos" de la escritura. Derrida toma como blanco central de su análisis al famoso texto Curso de lingüística general, donde Saussure afirma que el objeto de estudio de la lingüística es la lengua oral. La escritura es solo una "representación" secundaria que oscurece el habla. Saussure llega a decir que la escritura tiene una "existencia fingida" y que su tiranía corrompe el lenguaje. Derrida señala que en este gesto hay una profunda contradicción.

Saussure define el signo lingüístico (significante/significado) por su diferencia y oposición con otros signos. Una palabra no tiene sentido por sí misma, sino por su diferencia con otras ("el lenguaje es una forma, no una sustancia"). Pero al privilegiar el habla, Saussure introduce un "ethos" (un valor, una creencia) no científico: la idea de que el significante acústico (el sonido) está más cerca del pensamiento (el significado) que el significante gráfico (la letra). Esta es una afirmación hipotética que no puede demostrarse. 

Aquí es donde entra la deconstrucción de Derrida. Si el lenguaje se basa en la diferencia, entonces no hay razón para privilegiar el habla. La escritura también es un sistema de diferencias puras. De hecho, la escritura ejemplifica mejor ese principio de diferencia que el habla, porque en ella la ausencia del emisor es evidente. Esta propuesta es revolucionaria y será fuente de diversos debates en el último tercio del siglo XX. En la próxima publicación veremos más del desarrollo de estas ideas y cómo se entienden en el siglo XXI.

Los ángeles steampunk de Zarodas

Este es un artista italiano, de apodo Zarodas, con una amplia trayectoria en el arte y la ilustración digital, que posee una estética propia muy identificada con la fantasía y el cuerpo humano. Aquí pongo sus "Ángeles Steampunk", que son parte de una serie de imágenes con ese estilo dorado, metalizado y recargado. Está en DeviantArt: https://www.deviantart.com/zarodas/. 

Entender la ciberestética hoy

En la misma línea de diversas publicaciones en este blog, en las que he desarrollado la idea de ciberestética, hoy señalo que es importante entender que esta forma estética no reemplaza a las anteriores, sino que las habita de una nueva manera. Un paisaje al óleo puede tener una belleza romántica o impresionista; pero un entorno virtual inmersivo, una visualización de datos en tiempo real o una obra de net.art que se autodestruye al ser vista, tienen una belleza de segundo orden: su cualidad estética depende de que entendamos su funcionamiento interno (el algoritmo, el protocolo, el flujo de datos). En la ciberestética, la forma ya no sigue a la función, sino que la función es la forma. El "cómo" se construye y circula la obra determina el "qué" percibimos como bello o significativo. Por lo tanto, vemos que una ciberestética del arte se define mejor no por una visión clásica, sino por una triple condición operativa: la Red, el Protocolo y la Falla. 

Condición de Red (lo que conecta): la obra existe como nodo. Su significado no está en su interioridad (como un cuadro) sino en sus enlaces salientes y entrantes. Una obra con ciberestética es incompleta si se la aísla de su contexto de circulación, comentarios, remixes y ataques.

Condición de Protocolo (lo que gobierna): la experiencia estética ya no es la de un sujeto frente a un objeto, sino la de un usuario navegando un sistema regido por reglas invisibles (el algoritmo de recomendación, el código de la interfaz, la política de privacidad). La ciberestética nos vuelve sensibles a esas reglas; un hermoso interface puede ser atractivo, pero una obra ciberestética logra que sintamos el protocolo como si fuera una textura o un color.

Condición de Falla (lo que se desvía): paradójicamente, en un mundo que exige eficiencia, la ciberestética encuentra su momento más sublime en el error. El glitch, el retraso, el buffer, el virus, la saturación del servidor, el "404 Not Found": estos no son meros accidentes, sino alegorías negativas que revelan la materialidad oculta del ciberespacio. Nos recuerdan que lo virtual tiene cuerpo (de silicio, de electricidad, de latencia) y que ese cuerpo puede fallar. Esa fragilidad digital es su principal fuente de poesía.

En última instancia, definir una ciberestética es asumir una postura ética y epistemológica: el mundo ya no es algo que contemplamos, sino algo con lo que interactuamos y que procesamos. El arte con conciencia ciberestética nos enseña a habitar ese desajuste. Nos muestra que la belleza hoy puede ser un gráfico de tráfico de datos, la coreografía de un pulso cardíaco encendiendo luces en una sala oscura, o la elegante lentitud de una página web diseñada para colapsar. No es una estética del objeto acabado, sino una estética de la relación, del proceso y de la acción digital. Así, quien busque definirla no debe preguntarse "¿esto es bello?", sino más bien: "¿esta obra me hace sentir y pensar como un ser en red?" Y si la respuesta es afirmativa, habrá encontrado, aunque sea por un instante, el corazón de lo ciberestético.

Una frase sobre la imagen poética, por Bachelard

"La imagen poética ilumina con tal luz la conciencia que es del todo inútil buscarle antecedentes inconscientes".

Gastón Bachelard (1884-1962), filósofo, poeta, físico, profesor y crítico literario francés.

Algunas características definitorias de la Ciberestética actual

Como continuación a lo que publiqué ayer, sigo hoy con el tema de la estética del ciberarte y paso a señalar algunas de sus características. Si bien este es un tema recurrente por aquí, considero que está siempre en constante cambio, más aún con el crecimiento del uso de la inteligencia artifical gráfica, por lo que tiene sentido retomarlo. 

Se puede comprender la Ciberestética a través de sus principios operativos. Estas son las que podríamos llamar caracterísitcas difinitorias, que veremos a continuación:

• Lo procesual sobre lo objetual. La obra no es un objeto estático, sino un proceso, un sistema vivo que se actualiza en tiempo real. El arte es el algoritmo, no su resultado final.
• Interactividad y participación. El espectador deja de ser un observador pasivo para convertirse en un "usuario" o "prosumidor" (productor+consumidor). La obra se completa con su acción (clic, navegación, entrada de datos). La experiencia es performativa.
• Estética del Glitch y la Ruina Digital. Lo bello ya no es lo pulcro y perfecto. Se valora el error, la distorsión, la pixelación, la fecha de corte (datamoshing), el ruido de datos. El glitch es una firma de autenticidad digital.
• Modularidad y remezcla (Mashup). La obra es un agregado de fragmentos (muestras de audio, fragmentos de código, clips de vídeo) provenientes de diferentes fuentes. La originalidad reside en la recombinación y la contextualización.
• Virtualidad y simulación. Se explora la diferencia entre lo "real" y lo "virtual". Creación de mundos simulados (Second Life, videojuegos) que tienen su propia física, leyes y belleza interna. Lo virtual ya no es "falso", sino un nuevo territorio ontológico.
• Datalogía (la visualización de datos). Lo sublime contemporáneo es la enorme masa de datos invisible (big data). El arte ciberestético hace visible lo invisible: convierte tráfico de red, tuits, transacciones bancarias o tendencias de búsqueda en experiencias estéticas (sonoras o visuales).

Definir una ciberestética del arte no es, en el fondo, un ejercicio de catalogación académica, sino un acto de constatación histórica: estamos asistiendo al nacimiento de una nueva sensibilidad de época. Al igual que la estética barroca respondió a la tensión entre la Contrarreforma y el asombro científico, o la estética romántica surgió de la tormenta de la revolución y el yo, la ciberestética es el lenguaje sensible de la era de la información. Su definición no puede ser estática, porque su objeto de estudio -el ciberespacio- es un organismo vivo, en permanente reconfiguración.

Ciberestética del arte

Después de dos días de pausa tras la entrada cinco mil de este blog, regreso para retomar el tema que le dio origen: la Ciberestética. Durante estos casi 15 años, esta noción ha ido ampliando sus ámbitos, sobre todo con la llegada masiva de la inteligencia artificial y la creación de imágenes sintéticas. En pricnipio, no hay una única y cerrada definición ni es una escuela de pensamiento cerrada, sino más bien un campo de estudio emergente y en constante evolución. Durante este tiempo me he encontrado con diferentes aproximaciones, todas muy interesantes, en particular las que se relacionan con la idea de las artes contemporáneas. 

Se puede definir, en principio, como el estudio de los patrones de belleza, percepción y experiencia sensible que emergen de la interacción entre el arte, la tecnología digital y el ciberespacio. Más aún, tiene que ver con los estilos y expresiones ligadas al uso de las herramientas cibernéticas e informáticas. Si mantenemos el concepto que he establecido para la ESTÉTICA, como el estudio y caracterización de los movimientos artísticos y culturales, que son expresión de diferentes momentos y sociedades en el mundo, que abarca el conjunto de elementos estilísticos y temáticos que caracterizan a un determinado autor o movimiento artístico, en un tiempo y lugar específico, la CIBERESTÉTICA es aquella que se refiere al conjunto de elementos estilísticos y temáticos que se caracterizan por tener origen en el uso de la herramienta informática y en los programas de computación; aplicándose a las artes visuales y multimediáticas, así como a la comunicación y otras manifestaciones culturales.

Vemos que esto va más allá de la aprecación del gusto y la belleza, por lo que para definir una ciberestética del arte, podemos abordarla desde tres niveles interconectados: su esencia, sus características definitorias y sus manifestaciones prácticas. Esta realidad no se refiere simplemente al arte hecho con computadoras (arte digital). Es una estética de los sistemas y los flujos de información. Propone una nueva sensibilidad artística donde el objeto de contemplación ya no es solo la imagen o el sonido, sino el proceso, el protocolo, la interacción y la propagación de datos.

En esencia, una obra con ciberestética no busca la perfección de la forma (como en el clasicismo) ni la expresión del yo (como en el romanticismo), sino la exploración de la lógica del ciberespacio: redes, algoritmos, simulación, realidad virtual, inteligencia artificial, bases de datos, virus, glitches, y la cultura de la remezcla. Aquí es donde he establecido también una diferenciación entre estética digital y ciberestética, pues si bien ambas están ligadas a la computación, la informática y la multimedialidad, la primera puede encontrarse en plataformas no conectadas, en tanto la segunda está ligada a la internet y sus conexiones. La ciberestética es la estética digital que viaja por la red de redes.

Estas ideas se concetan con las creaciones artísticas que buscan explorar los nuevos recursos y posiblidades que la tecnología ofrece, incluyendo el uso de la inteligencia artificial. En todo caso esta versión que he porpuesto es una visión personal que busca explicar parte de la gran expresión comunicacional y artística de esta época digitalizada, pero que sin duda se adapta a las tendiencias contemporáneas de cibercultura. Es, en definitiva, la estética de la era de la información: una sensibilidad que nace de vivir, percibir y sentir a través de interfaces, algoritmos y flujos de datos.

CINCO MIL

Esta de hoy, jueves 23 de abril de 2026, es la publicación número cinco mil (5.000) de este blog. Cincomil entradas desde que comencé el primero de enero de 2011. ¡Increible! Coincide con el día del libro, el día del idioma español y de la lengua inglesa (por Cervantes y Shakespeare), que no tienen que ver con la ciberestética pero sí con el lenguaje, la cultura y la literatura, temas recurrentes por aquí. ¡Nada, no voy a decir mucho más! Es para mi un gusto y un orgullo haberme mantenido constante y mostrar durante casi 184 meses, contenidos que me gustan y parecen importantes y entretenidos, que dejan algo en el ciberespacio. ¡Y ahora... a seguir!

 

Daniel Innerarity y algunas implicaciones de la IA

Daniel Innerarity, filósofo español nacido en 1967, ha explorado las implicaciones de la inteligencia artificial generativa en el arte, cuestionando su verdadera creatividad. Argumenta que el arte generado por IA no es verdaderamente creativo, sino una recombinación de patrones extraídos de obras pasadas, como imitar estilos de Rembrandt o Beethoven mediante algoritmos estadísticos. Esta "creación artificial" produce resultados convincentes pero predecibles, incapaces de rupturas imprevisibles que definen la originalidad humana, como las fases tardías de Beethoven.

​No obstante, él considera válido el rol auxiliar de la IA, cuando actúa como herramienta auxiliar para artistas, descargando tareas repetitivas como transposiciones musicales o instrumentación, democratizando el acceso a la experimentación creativa. Así, libera a los humanos para enfocarse en lo inimitable, revelando el núcleo auténtico del arte humano.

​De alguna forma, Innerarity compara esto con la fotografía, que impulsó el impresionismo al desplazar la descripción realista en pintura; la IA podría redefinir el arte hacia la expresión única humana. En entrevistas recientes, reitera que la IA capta patrones pero su "originalidad" es combinatoria, no intensa. Pasa entonces a tratar una teoría crítica de la inteligencia artificial que va más allá de enfoques éticos, morales o estéticos, analizando las condiciones estructurales que permiten o impiden una IA responsable en las sociedades democráticas.

Así identifica como núcleo el problema de la externalización creciente de decisiones humanas a sistemas algorítmicos, que automatizan desde lo cotidiano hasta lo político, pasando por lo artístico, desplazando la capacidad decisoria humana. Esto no es mera instrumentalización, sino un reemplazo que cuestiona el lugar de la voluntad popular en la vida común y la democracia.

Innerarity aboga por una filosofía política de la IA que democratice el entorno algorítmico, garantizando igualdad y reflexión humana frente a la automaticidad, sin renunciar a sus beneficios. Esto incluye interrogantes sobre si los agregadores algorítmicos podrían suplir urnas electorales, por ejemplo, rechazando tal idea por ignorar el "yo aspiracional" democrático.

El cine, el espectador, la multimedialidad y la interactividad

La relación entre el espectador y las imágenes en movimiento no es fija ni natural, sino profundamente histórica, técnica y política. El cine nació como estética de la multitud, un arte pensado para ser vivido en colectivo, donde la masa era a la vez tema y destinataria. Sin embargo, esa misma potencia agregadora derivó rápidamente en la figura del espectador pasivo, un sujeto inmovilizado ante el espectáculo, consumidor acrítico de narrativas cerradas y emociones prefabricadas.

Frente a esa pasividad, surge la necesidad de formar espectadores audiovisuales críticos, capaces de desmontar el dispositivo cinematográfico, reconocer sus tramas ideológicas y resistir la interpelación directa del medio. Esta figura alcanzó su madurez en la segunda mitad del siglo XX, especialmente en ámbitos educativos, cinéfilos y activistas.

Pero la revolución digital, la multiplicación de pantallas y la expansión de lo interactivo han traído una nueva figura: el espectador interactivo, propio de entornos multimedia y multimodales. Este espectador ya no solo mira o analiza, sino que elige, comenta, remezcla y participa. Su relación con las imágenes es más activa, pero también más fragmentada, y no necesariamente más crítica.

Esta idea se ubica en el entorno digital y poscinematográfico. Ya no hablamos solo de cine, sino de pantallas múltiples, plataformas y formatos híbridos. Son sus características la multimedia, un mismo contenido integra texto, imagen fija, imagen en movimiento, sonido, animación, hipervínculos (ej. documental interactivo, videoensayo); la multimodalidad, el espectador no solo recibe un modo (el visual narrativo), sino que combina modos de percepción: leer, mirar, escuchar, tocar (pantallas táctiles), elegir rutas; la interactividad, pues el espectador ya no es pasivo ni meramente crítico; actúa sobre el contenido y elige caminos narrativos (cine interactivo, Bandersnatch), comenta, remezcla, sube reacciones (YouTube, TikTok), participa en la creación colectiva (wikis, fandubs, memes) y hasta decide tiempos, ritmos y repeticiones (streaming, pausa, rebobinado).

Tenemos también la hipermediación, y ahora el espectador es consciente de la interfaz y la manipula. Rompe la ilusión de transparencia clásica del cine. Esto tiene que ver con la atención dividida y multitarea, pues ya no hay una pantalla sagrada y una sala oscura; el público interactivo mira el celular mientras ve una serie. Así, este espectador puede ser más libre o más disperso, pero ciertamente ha roto con la figura pasiva y monolítica del cine tradicional.

No asistimos a una sustitución lineal de un tipo de espectador por otro. Más bien, conviven hoy distintas modalidades de recepción: el espectador pasivo sigue existiendo en el consumo rápido de entretenimiento industrial; el crítico se refugia en la cinefilia y la academia; el interactivo navega entre plataformas; y la multitud ha migrado a las redes sociales y los eventos de streaming masivo.

Un extraño objeto flotante en un GIF de arte pixelado

Esta curiosa imagen que pongo hoy aquí, una colorida figura flotante, está realizada en Pixel Art, el arte que toma al pixel gráfico como fundamento, pero que además se mueve con la técnica GIF, Graphic Intechange Format, un formato digital de animación reiterativo. Hallada en la Web, esta es otra muestra de ciberarte por internet.  

Los espacios liminales en el ciberespacio

En los últimos tiempos dentro el campo de la internet y el ciberespacio, se han popularizado las aplicaciones e interacciones ligadas a la ide de "espacios liminares". En términos simples, un espacio liminal es un lugar de transición o umbral. La palabra viene del latín limen (umbral). Son espacios que deberían estar llenos de actividad pero que se muestran vacíos, inquietantes o suspendidos en el tiempo. Ejemplos característicos son los pasillos de hoteles o colegios de noche, los centros comerciales después del cierre, los aeropuertos a altas horas de la madrugada, los estacionamientos subterráneos vacíos y las salas de espera o vestíbulos abandonados. 

Lo interesante ahora es que vemos nuevas tendencias en el espacio liminal dentro del digitalismo, pues este ha adoptado y transformado el concepto. Un modelo notable es el de los Backrooms y el "lore de niveles". Lo que empezó como una imagen viral (un pasillo de moqueta amarilla) se ha convertido en un enorme universo colaborativo. Ahora existen "niveles" del Backrooms, cada uno con reglas, entidades y estéticas liminales específicas. Es un fenómeno de narrativa colectiva en foros, wikis y YouTube. 

De ahí pasamos al Dreamcore y Weirdcore. Estos son estilos visuales que llevan la liminalidad a lo onírico. El dreamcore usa imágenes borrosas, nostalgia artificial y texturas suaves; el weirdcore añade elementos surrealistas y mensajes crípticos. Son muy populares en TikTok, Instagram y Pinterest.

Igualmente, los videojuegos liminales han puesto de moda esta tendencia. Títulos como The Backrooms Game, Anemoiapolis, Pooll o The Complex: Found Footage están diseñados íntegramente para explorar espacios vacíos y la ansiedad que generan. También mods de juegos como Garry's Mod o Minecraft crean mapas liminales.

La generación de imágenes por inteligencia artificial también ha tenido que ver con este auge. Herramientas como Midjourney o DALL-E 3 han potenciado muchísimo la creación de espacios liminales. Los prompts específicos ("liminal space", "abandoned mall", "VHS aesthetic") producen imágenes hiperrealistas que antes requerían horas de edición.

En YouTube y Spotify hay canales dedicados a ambientes sonoros de espacios liminales: el zumbido de un aeropuerto vacío, el eco en un centro comercial cerrado, la lluvia en un estacionamiento. Se mezcla con lo nostálgico y lo perturbador suave. Así mismo, en sitios como VRChat o Meta Horizons, ya hay mundos diseñados como espacios liminales explorables. La tendencia actual es crear experiencias multijugador donde la rareza viene de encontrarse con otro usuario en un lugar que "debería" estar vacío.

La pesencia de estas formas audiovisuales es tan marcada, que hashtags como #liminalspaces, #backrooms, #dreamcore y #poolrooms tienen miles de millones de vistas. La tendencia actual es el "liminal horror de bajo presupuesto": videos caseros con efectos VHS, recorridos por lugares reales vacíos (como centros comerciales en decadencia) y ediciones que juegan con el "glitch". Autores contemporáneos (en ensayos, newsletters y canales de YouTube como Solar Sands o Nexpo) analizan cómo los espacios liminales reflejan la soledad digital: vivimos conectados pero físicamente aislados. Los centros comerciales vacíos se leen como metáforas del consumo sin comunidad, y los pasillos infinitos como la experiencia de navegar sin rumbo por internet.

¿Por qué está tan de moda ahora? Porque el espacio liminal captura una ansiedad muy actual: la de vivir en transición permanente (entre pantallas, entre trabajos, entre lugares, entre pandemias...). Además, la nostalgia por los 90 y 2000 (los espacios liminales suelen tener esa estética) conecta con el deseo de tiempos más sólidos.

"Quack!", un corto en animación CGI 3D

"Quack!" es un cortometraje realizado por la promoción 2024 de alumnos del ESMA, Ecole Supérieure des Métiers Artistiques, que ya muchas otras veces he referido aquì en el blog por sus muy creativas producciones con estética digial. En este film, un gran huevo aparece cerca del arroyo donde viven dos pequeños espíritus del bosque. De él sale un patito, y ellos deciden emprender una aventura para devolverlo a su madre. Trabajaron en la dirección y producción Jeanne Audounet, Léa Burkart, Louis Herrero, Elio Humbert, Ariane Moulard, Marie-Lou Peyre, Maëlys Sabuco, y Julien Vannet. La música es de Arthur Troch y el sonido de Sébastien Fournier y Tristan Le Bozec. El estilo está muy bien logrado y en particular la representación del agua es excelente, porque además es un protagonista imporante de la historia. El sitio Web de ESMA: https://www.esma-3d.fr/.

Hay dos palabras...

Es una una conocida y graciosa frase la que pongo aquí hoy, en una viñeta hallada en la Web, para alegrar la tarde (y reflexionar con una filosofía jocosa). 

Otros aspectos sobre la gobernanza digital en relación con las imágenes sintetizadas por IA

Ya en varias publicaciones anteriores, algunas bastante recientes, he abordado este tema, pero dado que tiene cada vez más relevancia lo sigo tratando. La gobernanza digital sobre las imágenes sintetizadas por inteligencia artificial ha cobrado un nuevo aspecto, porque hace unos pocos días se hicieron públicas estadísticas que muestran el cada vez más indiscriminado uso de imágenes falsas y deepfakes en el campo de la comunicación, lo cual amenaza la credibilidad de todo mensaje visual. 

Con anterioridad he señalado que la gobernanza digital de las imágenes sintéticas generadas por IA se refiere al conjunto de principios, políticas, normas técnicas y marcos legales que buscan regular el ciclo de vida de estas imágenes (creación, distribución, detección y uso) para maximizar sus beneficios y mitigar riesgos.

Los principales desafíos que la gobernanza busca abordar incluyen, justamente, la desinformación y deepfakes, las imágenes hiperrealistas de eventos que nunca ocurrieron o personas diciendo o haciendo cosas falsas, con potencial para manipular elecciones, generar pánico financiero o dañar reputaciones. Esto es fraude y suplantación de identidad con el uso en estafas de verificación biométrica, creación de perfiles falsos creíbles o ingeniería social. Ello incluye problemas con la privacidad y la honorabilidad. La generación de desnudos no consentidos (deepnudes) o imágenes de personas en situaciones comprometedoras sin su permiso, es tremendamente perjudicial.

Otro reto es la vulneración de derechos de autor y propiedad intelectual. Modelos de IA entrenados con millones de imágenes extraídas de internet sin consentimiento ni compensación a los autores originales, violentan todos los derechos y registros. 

Un aspecto que ya he nombrado, que se aplica a los programas de conversación con IA pero que ahora se ha notado mucho en los programas de creación de imágenes, es el tema de los sesgos y la discriminación. Los modelos pueden perpetuar o amplificar estereotipos dañinos (raciales, de género, etc.) en las imágenes generadas.

Como vemos, hay mucho que enfrentar, discutir y establecer, siempre con el riesgo de pasar de una regulación a un control y de este a una censura. En próximas publicaciones seguiré abordando este tópico que es de total actualidad y globalidad.