Cinetismo y programación en la obra de Elías Crespin

Elias Crespin Gunz, nacido en Caracas en 1965, es un artista plástico e informático venezolano, cuya obra rescata el movimiento cinético del siglo pasado y le aporta una nueva visión tecnológica. Hijo de matemáticos, es nieto de los reconocidos artistas y diseñadores germano-venezolanos Gego y Gerd Leufert. Estudió computación en la Universidad Central de Venezuela, pero su interés se enfocó pronto hacia la producción artística. 

A principios de la década del 2000 comienza a desarrollar su obra cinética inspirada en los grandes creadores venezolanos exponentes de esta tendencia, como Jesús Soto, Alejandro Otero y Cruz Diez, así como en los trabajos de su abuela, Gertrud Goldschmidt, GEGO. Ya en el año 2006 presentó en Caracas su primera exposición individual en el Canal Centro de Producción Cultural. 

Las esculturas móviles de Crespin han sido expuestas en lugares como el Grand Palais y el Museo de la Música en París; El Museo del Barrio en Nueva York; el Kinetica Museum de Londres; MALBA y MNBA Buenos Aires;  y el Museo de Bellas Artes de Houston, entre otros, así como en colecciones privadas. Estas producciones, que en principio son tridimensionales, se relacionan con el espacio a través de programas informáticos y hoy en día incopora la digitalización a sus creaciones, adentrándose en una nueva estética.

Las esculturas móviles de Elias Crespin se componen de mallas metálicas modeladas a mano o de elementos individuales suspendidos por hilos invisibles, que forman en su conjunto figuras geométricas. Mediante motores dirigidos por una programación informática, las esculturas dibujan lentamente en el espacio una danza, transformándose de forma casi imperceptible, pasando de una forma a la otra siguiendo una coreografía diseñada por el artista. A esta investigación que concierne el tiempo, la forma y el movimiento, Elias Crespin asocia a menudo el estudio del color a través de la experimentación con diferentes materiales y texturas, de la luz y de la sombra. 

Su trabajo fusiona sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática: partiendo de sus investigaciones en programación, las aplica a las artes plásticas para crear esculturas en movimiento. Hoy es reconocido como un reivindicador de una estética moderna que ha pasado al mundo de lo digital. Desde enero de 2020 su escultura L'Onde du Midi ("La onda del mediodía"), forma parte de la colección del Museo del Louvre. Su obra destaca por la investigación sobre el tiempo, la forma y el movimiento como vínculo entre el cinetismo, las matemáticas y la programación. Vive actualmente en Francia. Su sitio Web: https://www.eliascrespin.net/.

Una frase de Chomsky sobre internet

"Internet es como cualquier otra tecnología, básicamente neutra, puedes usarla en formas constructivas o dañinas. Las formas constructivas son reales, pero muy pocas".

Noam Chomsky, lingüista, filósofo y activista estadounidense, nacido en 1928

Con raíces profundas, un corto en animación 3D

Este es un cortometraje animado del año 2025 sobre la codicia desenfrenada y sus consecuencias. Está realizado usando el software 3D gratuito, Blender, mismo usado en otros filmes de animación, como el muy famoso Flow, ganador del Premio Oscar de 2025 en su categoría. Aquí, en Deep Rooted ("Profundamente arraigado"), el productor y director británico Duncan Rudd trabaja con un reducido equipo, con Erin Rudd en la dirección de arte, Max Brodie en la composición y el sonido, el colorista Rob Brown y Jeff Shiffman en la mezcla final. Un tema visualmente bien llevado; el egoismo y el orgullo claramente representados en poco más de nueve minutos y con una estética digital propia del programa informático utilizado. Por cierto, la música aquí es excelente. Aquí está el sitio Web del estudio 3DRSTUDIO con más información del corto: https://www.3drstudio.co.uk/deep-rooted/.

Flavia Costa sobre el concepto de inteligencia artificial

Del libro Vidas Artificiales, de la profesora y escritora argentina, Flavia Costa, publicado este año 2026, extraigo este párrafo de una sección titulada "NI INTELIGENTE NI ARTIFICIAL NI TODO LO CONTRARIO":

¿Puede llamarse inteligencia a lo que no implica comprensión, conciencia ni intencionalidad? Las alternativas propuestas han sido numerosas -inteligencia computacional, cognición sintética, procesamiento de información compleja, razonamiento maquínico- y todas comparten el mismo problema: son técnicamente más precisas pero no logran captar el hecho de que estos sistemas hacen cosas que, cuando las realiza un humano, llamamos inteligentes.

Aquí entra uno de los temas más polémicos del término: antropomorfizar un acontecimiento que tiene como punto de partida procesos informáticos sin raciocinio ni ética. No olvidemos que ya el escritor argentno Carlos Scolari habló de inteligencias no humanas, analizando cómo estas tecnologías emergen de la curiosidad y la inteligencia humana. Scolari argumenta que la inteligencia artificial no debe ser vista como un reemplazo del ser humano, sino como un apoyo que complementa la creatividad y la producción humana. 

Pero finalmente, Flavia Costa concluye que "el nombre ya está instalado en el lenguaje técnico, jurídico, periodístico y cotidiano", por lo que es ya casi imposible sacarlo del imaginario colectivo contemporáneo. Seguiremos entonces hablando de "IA".

Más aproximaciones al tema de la gobernanza digital y las imágenes sintéticas

Este es un tema que ya he abordado muchas veces en este blog, pero día tras día, el asunto de cuestionar  las imágenes y videos por inteligencia artificial cobra cada vez más relevancia y me gusta revisarlo. En principio, la gobernanza digital de imágenes generadas por IA es el sistema de principios, normas, actores, procesos y tecnologías que regula el ciclo de vida de la imagen sintética (desde datos y entrenamiento hasta creación, distribución, archivo y reutilización) para equilibrar innovación, derechos fundamentales, integridad informativa y rendición de cuentas.

Claro, el problema es evitar reducir el problema a “prohibir deepfakes” o “etiquetar imágenes”: la imagen sintética es a la vez un producto cultural, un dato personal potencial, un activo económico, una evidencia documental y un vector de desinformación. La normativa europea, por ejemplo, exige que los proveedores de IA generativa garanticen que los contenidos generados sean identificables.

La gobernanza de imágenes sintéticas no debe centrarse únicamente en detectar lo falso, sino en gobernar las condiciones sociales, técnicas y jurídicas bajo las cuales una imagen puede ser creada, atribuida, circulada y reutilizada.

Otro aspecto fundamental a tomar en cuenta y que ya he tocado con anterioridad es el ético. El problema ético central es que la creación de imágenes por IA puede producir representaciones persuasivas de personas, hechos y realidades sin el conocimiento, consentimiento o control de quienes son representados. Por eso la ética no puede limitarse a preguntar si la imagen es “falsa”: debe preguntar quién resulta afectado, con qué poder y bajo qué condiciones se creó y circuló. 

La generación de imágenes con IA plantea entonces un conflicto entre la libertad creativa y técnica de producir representaciones visuales y el deber ético de proteger la dignidad, autonomía, privacidad e integridad informativa de las personas y comunidades representadas. Todas estas aristas hacen de esta materia una cuestión compleja, completamente actual, de difícil aproximación y que seguiré tratando más adelante. 

Gioconda pixelada

En las publicaciones anteriores hablé sobre la estética Low Poly y el arte digital que con esa técnica se logra. También hice alusión a un estilo que proviene igualmente de la creación de imágenes con poca resolución informática, y del que ya he hablado con anterioridad aquí en el blog: el arte pixelado. Hoy pongo entonces una muy simpática muestra de ese "Pixel Art", que nos permite ver la gran cantidad de posibilidades creativas nos brinda la cibernética contemporánea. Es la Gioconda en arte pixelado, cuadro del que también he realizado varias entradas acá. Es una Mona Lisa hallada en la Web. ¡Y que viva el gran Leonardo! 

La estética Low Poly (2/2)

En una publicación anterior vimos la definición de las técnica gráficas informáticas "High Poly" y "Low Poly", y en la entrada anterior hice referencia a esta última, que merece una consideración especial porque ha generado, como ya se dijo, una estética particular que se asocia con ciberarte, videojuegos y con pantallas digitales. 

Es así que la estética Low Poly es un fenómeno fascinante porque surgió de una restricción técnica y terminó convirtiéndose en un lenguaje visual propio. Actualmente el estilo contemporáneo Low Poly se ha convertido en una tendencia en el mundo de los videojuegos, la animación y la ilustración. A pesar de su apariencia minimalista, trabajando en Low Poly podemos simplificar escenas complejas en otras mucho más sencillas, lo que requiere un alto grado de creatividad. Este tipo de modelado es especialmente útil para los desarrolladores de videojuegos que buscan crear mundos abiertos, grandes y detallados que puedan ser renderizados en tiempo real.

Esta tendencia ha demostrado que se trata de una técnica efectiva tanto para los desarrolladores de juegos independientes como para las grandes producciones (videojuegos que son desarrollados y publicados por grandes empresas de amplio presupuesto), para crear mundos virtuales inmersivos y versátiles para cualquier tipo de videojuegos; de rol, juegos de carreras, policíacos y otros. Se pueden señalar varias manifestaciones actuales y sus ámbitos de aplicación.

1-Videojuegos independientes:

Títulos emblemáticos como Superhot, Monument Valley, Kentucky Route Zero o ABZÛ demuestran cómo la geometría reducida permite centrar la atención en la narrativa, la atmósfera o las mecánicas, liberando al jugador de la saturación del fotorrealismo.

2-Arte digital, ilustración y diseño de marca:

Se utiliza ampliamente en cartelería, portadas, diseño editorial y modelado de escenarios digitales. Su composición basada en facetas transmite dinamismo, modernidad y una sutil nostalgia hacia los inicios del entorno 3D (la era de los 32 bits).

3-Diseño industrial y arquitectura conceptual:

Ha influido en la estética del producto (por ejemplo, el diseño facetado de vehículos como el Tesla Cybertruck o esculturas geométricas contemporáneas).

Podemos decir entonces que en la historia del diseño digital, el Low Poly ejemplifica cómo la limitación material de una época (la memoria y la capacidad de cálculo gráfico de los años 90) se transforma, décadas después, en una categoría estética pura, celebrada por su cualidad sintética y expresiva.

La estética Low Poly (1/2)

La llamada estética Low Poly es un fenómeno curioso porque nació como una restricción técnica y terminó convirtiéndose en un lenguaje visual consciente y expresivo. Es un caso similar a la estética del Arte Pixelado. En este caso, al reducir la geometría a sus componentes esenciales, el estilo renuncia al hiperrealismo para abrazar la abstracción geométrica, la síntesis visual y la economía de formas.

Se trata de un estilo de modelado en creciente tendencia dentro de la animación. Esta técnica se basa en el diseño de objetos tridimensionales pero utilizando polígonos de baja resolución. El término “Low Poly” se refiere a la baja cantidad de polígonos utilizados para crear modelos 3D, lo que da como resultado una apariencia estilizada y geométrica. Por su naturaleza, tiene pocas caras y pocos vértices, dándole al objeto una apariencia más simple y minimalista.

En realidad, esta técnica tuvo su origen a mediados de la década de 1990, principalmente por temas de rendimiento. Al tener un número reducido de polígonos, resultaba menos exigente a la hora de ser procesado. Esto permite un mejor funcionamiento a tiempo real, especialmente en dispositivos con recursos limitados.

Algunos rasgos importantes son las facetas geométricas visibles, la abstracción y su economía visual, el color y la luz como parte de la estructura. Las superficies no se suavizan mediante algoritmos de interpolación (como Smooth Shading). En su lugar, se utiliza un sombreado plano (Flat Shading), lo que hace que cada cara triangular o cuadrangular refleje la luz de forma independiente, acentuando los bordes y ángulos del objeto.

Esta estética se apoya en el concepto de síntesis. con pocos vértices se debe capturar la esencia, la silueta y el peso visual de un objeto o figura humana. Recuerda en cierta medida al cubismo o al origami digital. Dado que la geometría es limpia y esquemática, la dirección de las luces, las sombras facetadas y las paletas de color (a menudo saturadas, de gran contraste o pastel) son las encargadas de construir el volumen y la profundidad atmosférica.

En la siguiente publicación veremos más detalles sobre esta forma estética visual y sus aplicaciones contemporáneas, tanto en el campo de la computación como en los videojuegos y en el ciberarte.

High Poly y Low Poly

En el diseño visual y gráfico de las imágenes computarizadas hay dos términos que definen la calidad y resolución de los productos que percibimos. Son High Poly (alto poligonaje) y Low Poly (bajo poligonaje), mismos que hacen referencia a la cantidad de polígonos (las mallas geométricas tridimensionales formadas por vértices, aristas y caras) que componen un modelo 3D. Esta distinción es fundamental en el diseño gráfico, la animación y los videojuegos.

Veamos las características de cada uno, según la información de la IA:

Low Poly (Bajo Poligonaje)

Definición: son modelos tridimensionales construidos con una cantidad reducida de polígonos (habitualmente triángulos o cuadriláteros).

Uso principal: se emplean en entornos donde el rendimiento en tiempo real es crítico, como videojuegos (especialmente para móviles o mundos abiertos masivos), aplicaciones de realidad virtual y motores gráficos interactivos.

Ventajas: tienen un consumo de recursos muy bajo, lo que permite que se muevan con fluidez en la pantalla. Son más fáciles y rápidos de animar y texturizar.

Estética: aunque tradicionalmente se usaban solo por limitaciones técnicas de hardware, hoy en día el estilo Low Poly se ha consolidado como una corriente estética minimalista y geométrica muy apreciada en el diseño visual.

High Poly (Alto Poligonaje)

Definición: son modelos compuestos por cientos de miles o millones de polígonos.

Uso principal: se utilizan en el cine, efectos visuales (VFX), cinemáticas de videojuegos o para la fase de esculpido digital inicial de un objeto o personaje (en programas como ZBrush).

Ventajas: permiten un nivel de detalle extremo (por ejemplo, poros de la piel, arrugas finas, texturas complejas o relieves profundos) modelados directamente en la geometría.

Inconvenientes: al tener tanta densidad geométrica, son demasiado pesados para renderizarse en tiempo real en un videojuego o aplicación interactiva convencional.

En la producción profesional de 3D, ambos conceptos se complementan a través de una técnica llamada generación de mapas de normales (Normal Mapping). Se esculpe un modelo High Poly con todos los detalles complejos y luego se "proyecta" esa información visual sobre un modelo Low Poly. De este modo, el objeto final es ligero y funcional para un videojuego, pero mantiene la apariencia visual de tener un alto nivel de detalle.

Esta última presentación ha generado, como se señaló antes, una estética propia muy particular, que así como se ha individualizado en el Arte Pixelado, se identifica en sí misma como Arte Low Poly. En la siguiente entrada hablaré sobre ese estilo visual Low Poly.

La obra artística de Ricardo Silveira

Este es un particular artista plástico venezolano nacido en Caracas en el año 1955. Ricardo Silveira ha desarrollado toda una propuesta creativa única, de manera autodidacta, adentrándose desde la década de los años 90 en la experimentación con la gráfica computarizada. Esa condición autodidacta de Silveira define su metodología de trabajo. Prescinde por completo de los bocetos preliminares en papel o lápiz, concibiendo un proceso de creación que inicia y concluye directamente dentro del entorno virtual. La computadora deja de ser un simple instrumento procesador para convertirse en un medio de producción plástica autónomo.

La obra de Silveira se puede  clasificar como ciberarte y es un exponente de la estética digital; esto se debe a que el fundamento de su producción está supeditado a la cultura de la red, a internet y a la estructura del código binario, soporte sin el cual la obra no puede existir ni mostrarse. Su trabajo no consiste en ilustrar mediante un ordenador, sino en concebir la imagen desde la lógica interna del software.

Silveira se inscribe como un continuador de la abstracción geométrica y el cinetismo venezolano encabezado por Jesús Soto, Alejandro Otero y Carlos Cruz-Diez. Mientras Cruz-Diez trabajaba la inducción cromática sobre el plano físico mediante pigmentos y soportes metálicos, y Soto lograba la vibración espacial superponiendo tramas tridimensionales, Silveira traslada esta búsqueda al entorno virtual, como lo hizo Otero al final de su via. Su propuesta configura un "cinetismo de pantalla" donde la vibración ya no depende del desplazamiento físico del espectador, sino de la tensión interna del código binario.

Pongo aquí una muestra de sus obras y un video realizado por mis estudiantes de la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Central de Venezuela, en el que se explica y analiza su trabajo. Parte del texto de esta publicación es de las autoras. 

Muchas gracias a mis estudiantes de la UCV, Astrid Atencio, Katerine Gámez y Federica Pimentel Claut. Materia: Estética digital y comunicación visual.

Una idea de Richard Branson sobre la comunicación

Richard Charles Nicholas Branson (Londres, 18 de julio de 1950), conocido como Richard Branson, es un empresario multimillonario británico, popular por ser el propietario de las más de 360 empresas que forman Virgin Group.

La comunicación para el cambio social y de comportamiento

En el campo de la comunicación hay muchas aristas importantes que hoy trascienden a los medios. Las organizaciones, los grupos sociales y sus redes han abierto su espectro de influencia, tal como lo ha hecho la inteligencia artgificial en tantos espacios del saber y una visión relevante es la comunicación para el cambio social y de comportamiento. Este es un enfoque estratégico que combina mercadeo social, movilización comunitaria, medios de comunicación, entretenimiento, abogacía, comunicación interpersonal y redes sociales para fomentar cambios sociales y de comportamiento positivos y medibles.

Esta es una propuesta impulsada por la UNESCO y la UNICEF, como parte de una estrategia múltiple para lo que se entiende como el cambio social y de comportamiento; estas tácticas de comunicación estratégicas son herramientas esenciales para promover la acción y crear un entorno que la apoye. Según estos mismos organismos internacionales, La comunicación para el cambio social y el comportamiento (CCSC) es un enfoque mútiple e interdisciplinario. Muchos de nosotros estamos familiarizados con las campañas de mercadeo, comunicación e información pública que intentan sensibilizar, promover el cambio e influir en la opinión pública. Cuando son parte de una estrategia múltiple para el cambio, las comunicaciones estratégicas también pueden estimular ese cambio social y de comportamiento positivo de forma cuantificable. Las tácticas de comunicación, ya sean para el compromiso interpersonal, la abogacía específica o la movilización de gran escala, deben fundarse en una base sólida de datos y diálogo con la comunidad. Este tipo de tácticas de comunicación son más efectivas cuando se integran estrechamente con otras variables de esta estrategia.

Todas las personas responden a la comunicación de forma diferente. Se deben considerar todos los aspectos del contexto geográfico, social y económico al decidir su estrategia de comunicación. La demografía, los niveles de alfabetización, el acceso digital, el consumo de medios de comunicación y la confianza determinarán la combinación de tácticas de comunicación que deberá utilizar y cómo las segmentará. Cuanta más evidencia tenga para trabajar, más efectivos serán sus esfuerzos de comunicación estratégica. Este proyecto busca entonces generar cambios positivos en comportamientos individuales y colectivos, apoyando políticas y programas de desarrollo y salud pública. Su efectividad depende de la integración de múltiples tácticas de comunicación, la comprensión del contexto local y la participación activa de la comunidad.

Era eso o morir... ¿por IA?

Publicado hace unos pocos meses, el libro C'était ça ou mourir ("Era eso o morir"), del escritor canadiense de origen haitiano, Thélyson Orélien (1988), ha resultado un éxito de librería y ha sido nominado a varios premios literarios tanto en Canadá como en Francia. La trama sigue a Jonas, un profesor de historia que se ve obligado a huir de su barrio en Puerto Príncipe, Haití, tras un incendio. En su travesía por reencontrarse con su familia en Canadá, busca refugio de paso en países como la República Dominicana, Brasil y México. Sin embargo, al llegar a Estados Unidos, el protagonista se topa con el acoso de los agentes del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas (ICE), reflejando las crudezas que envuelven la experiencia migratoria. Como se puede ver es un tema muy actual, polémico y relevante.

Hasta aquí todo bien... Pero el asunto es que un grupo poco conocido llamado Balance ton Claude ("Denuncia a tu Claude", en referencia al asistente de IA de Anthropic) dijo que el libro fue escrito "casi en su totalidad" por IA, una acusación que el autor negó después. "Probamos varios pasajes, de diferentes partes del manuscrito, y llegamos al mismo resultado: 100% IA", dijo el grupo en algunos medios digitales. Según ellos, la detección fue realizada por un programa llamado Pangram, que, según afirman, es "de lejos el más preciso", con una probabilidad casi insignificante de cometer un error.

Lo más complicado es que el autor fue acusado de plagio y de utilizar inteligencia artificial generativa en varias de sus obras, incluida esta, C'était ça ou mourir. Entre las acusaciones de plagio, según la prensa candiense, algunos de sus textos parecían haber sido tomados íntegramente de artículos periodísticos filipinos, daneses y colombianos. Por supuesto que Orélien ha negado tales acusaciones, pero la duda es tal que los editores han suspendido su venta y las academias han reculado en sus intenciones de premiarlo.

Estamos entonces frente a una situación con diversas aristas. ¿Miente el grupo que lo denuncia? ¿Es cierto que un programa como Pangram puede detectar absolutamente la intervención de una IA? ¿Miente Thélyson Orélien? ¿Se ayudó realmente con IA? Es un tema que hoy en día despierta mucha polémica y que pone sobre el tapete una discusión inevitable: ¿hasta donde la inteligencia artificial nos está interviniendo? 

Una muy curiosa frase de Lao-Tsé sobre la belleza

"Cuando sobre la tierra todos reconocen la belleza como belleza, así queda constituida la fealdad".

Lao-Tsé (siglo VI a.C.), filósofo chino. 

La belleza es, sin duda, un término subjetivo, que muchas veces acaba dictando la sociedad, pero por eso no debemos dejarnos llevar por ella.

Sobre la estética por Plazaola

En el libro Introducción a la estética, del profesor español Juan Plazaola, publicado en segunda edición en 1991, leemos el siguiente párrafo inicial: 

Como tantos términos que, a pesar de su impropiedad, han quedado consagrados por el uso, estética, etimológicamente, no expresa el amplio alcance que justamente se pretende hoy atribuir a la ciencia que lleva ese nombre. Estética es un vocablo que se refiere a lo sensible. Baumgarten, que fue el primero que llamó así a su teoría de la percepción y del sentimiento, debió de inspirarse para el título en el tratado aristotélico περί αισοέσεως χάι περί του αισοετού. El término, pues, no se refiere a la belleza en sí, sino a un aspecto del hombre, del vivir humano. 

El texto de Aristóteles al que se refiere al autor es "Sobre la sensación y sobre lo sensible" (Gia tin aisthisi kai to evaisthito), y es una referencia que permite seguir el pensamiento de muchos tratadistas posteriores al siglo XVIII en este sentido. Kant es uno de ellos. Aquí lo interesante es ver cómo la idea de estética, relacionada originalmente a la percepción, a lo sensible y lo sensorial, ha abarcado elementos como la belleza, el estilo y la apreciación, creando un espectro dinámico y amplio, que permite incluir muchos aspectos filosóficos de esa expresión humana que hoy entendemos como arte.