El primer video-clip

En la publicación de ayer hablé brevemente sobre los video-clips como expresiones audiovisuales, que combinan imágenes y sonidos como producción fundamental para difundir y promocionar canciones y artistas en todos los géneros musicales. Hay muchas aproximaciones al concepto y sobre qué debe ser llamado verdaderamente "video-clip", pero parece haber un consenso en captar que incluye toda aquella realización que busca visualizar una composición musical. 

Una de las cosas que se discuta es en dónde podemos marcar el inicio de estas producciones, que sin duda han estado de primera mano ligadas al cine. Ya desde que se añadió sonido al film existen canciones ligadas a la imagen, bien sea del cantante o de los músicos, o de su interpretación en bailes y coreografías. Casi desde el origen del cinematógrafo se intentó añadir el sonido grabado, pero técnicamente era complicado, por eso se acompañaban las películas mudas con música en vivo, usualmente el piano. La primera película que incluyó banda sonora sincronizada fue El cantante de Jazz, de 1927, interpretada por Al Jolson, que contiene apenas dos minutos de diálogo con sonido, pero también la canción que hará famoso a su intérprete: Mammy, con la que se cierra el film. Esta secuencia puede ser considerada un proto-video-clip.

Durante las siguientes décadas el cine de musicales fue teniendo cada vez más auge, pero sus audiovisuales, que formaban parte de las tramas, no son realmente clips de música sino más bien componentes de un todo. Es así como en 1957 aparece la película El rock de la prisión, protagonizada por Elvis Presley, que contiene una secuencia que, si bien forma parte de la película, fue concebida por el mismo Elvis como una pieza aparte, con una coreografía y una visualización especial para ser vista independientemente del film. De hecho se filmó en colores, a pesar de que toda la película está presentada en blanco y negro. Para esta canción, Elvis Presley trabajó su propia coreografía, lo cual hace de este fragmento musical una obra muy ligada al intérprete, cosa que va a ser característica de los video-clips posteriores.

Durante las siguiente dos décadas se presentaron muchas otras producciones musicales que se basaban en la combinación de música e imagen, primero en película y luego en video. En este período se presentan varias creaciones que también pueden considerarse pioneras, como el tema Todo lo que necesitas es amor, de los Beatles, que fue la primera canción de transmisión global emitida en televisión vía satélite recibiéndola en 30 países y vista por más de 400 millones de personas el día 25 de junio de 1967. Su grabación es hoy una muestra de lo que es un video-clip documental. 

En 1975, la banda inglesa Queen estrena el video-clip de su famosa canción Rapsodia Bohemia, de casi seis minutos de duración, que incluía efectos de video y manipulación de la imagen, por lo que se considera a este video-clip el pionero de esa forma de expresión audiovisual. Ya en 1981 aparece el canal de televisión MTV (Music Television), que oficializan al video-clip elaborado como forma de promoción artística. Hoy en día la Web a multiplicado las opciones y tenemos una avalancha de estas manifestaciones musicales de todo tipo. Pongo aquí lo cuatro videos de las canciones reseñadas, que no por casualidad está todas cantadas en inglés.   

Sobre el video-clip

Se entiende por "video-clip" a la producción audiovisual cuyo fin es mostrar, dar a conocer y promocionar una canción u obra musical a través de una combinación de sonidos e imágenes usando las plataformas de video: televisión, soportes digitales o dispositivos multimedia. Está concebido y realizado principalmente para su difusión masiva y a través de portales en internet, ofreciendo una representación o interpretación visual de una canción de un artista o de un tema musical.

La producción de un video-clip musical es una creación audiovisual con cierta vocación cinematográfica que hace énfasis en el sonido y busca impulsar una canción o un artista. Usualmente es una pieza relativamente corta y aunque sigue los pasos previstos en una producción estándar, su realización puede ser muy distinta. Es interesante ver que el origen del video-clip se encuentra en el cine, por lo que hereda sus formas y concepciones, pero luego la televisión, con su estilo y condiciones, será quien le de su forma definitiva.

Se puede decir que hay tres tipos de video-clip musical:

Narrativo: usualmente es el cantante o el grupo musical  el protagonista de la historia, mientras se canta, baila o interpreta la pieza.

Descriptivo: no alberga ningún programa narrativo en sus imágenes, sino que más bien se realiza un performance del grupo/cantante.

Mixto: descriptivo-narrativo, es una mezcla de los dos anteriores. En ellos suele existir un nivel con la historia, y otro nivel en el que se representa al cantante o grupo musical en situación de actuación, en modos variados de escenario y ambientación.

Sobre el video-clip puede hablarse mucho y extenderse en detalles sobre su origen historia evolución y actualidad, cosa que exige mucho más espacio y tiempo en una publicación, por lo que dejaré esos elementos para más adelante. 

Cine es magia, dice Francis Ford Coppola

"Creo que el cine, las películas y la magia siempre han estado estrechamente asociados. Las primeras personas que hicieron películas fueron magos".

Francis Ford Coppola, guionista, productor y director de cine estadounidense nacido en 1935

La producción audiovisual (y 2)

En la publicación anterior señalé las tres etapas que usualmente se presuponen para la planificación y realización de un mensaje audiovisual, sea este un film, un video, un programa, un podcast o un multimedia. Estas fases son: la preproducción, la producción propiamente dicha y la postproducción. 

Se entiende como preproducción al proceso previo que debe hacerse antes de la realización propiamente dicha. Es la fase más importante del proceso de producción, aunque es un proceso totalmente independiente del siguiente, que es la producción como tal. Comprende desde el momento en el que nace la idea hasta que empieza la grabación. El mayor esfuerzo productivo se realiza en esta fase. El equipo de producción atenderá a la resolución de los problemas que planteen las personas y los medios precisos para la realización del programa.

La preproducción incluye toda la fase previa, que va desde el guion literario y técnico hasta la selección de las locaciones, el guion gráfico, la tramitación de permisos, las contrataciones y la realización del plan de trabajo. Es decir, aquí se trabajo con una extensa planificación.

La producción propiamente dicha es la puesta en práctica de todas los actos pensados en la fase de preproducción. En esta etapa de la producción se incorporan el equipo de cámaras, los técnicos de sonido, el equipo de dirección artística y decoración, los iluminadores y todo lo que implique la realización. El trabajo que se efectúa en esta fase queda regida por la planificación, que se materializa en datos reales en la parte de producción. El trabajo finaliza con la visualización del material grabado y la preparación del resto del proceso.

Un equipo involucrado en el trabajo de producción{on  puede incluir un Productor General, Productor Ejecutivo, Productor, Coproductor, Productor asociado, Director de producción, Jefe de producción, Ayudantes de producción, Secretario de producción, Auxiliares de producción, Secretario de administración, Contable, Asistentes y enlaces de grabación en exteriores.

Por su parte, el proceso de postproducción es totalmente independiente al de la Pre y la Producción. Incluso pueden hacerlo empresas diferentes. Consiste en la selección del material grabado. De esta forma se eligen las tomas que servirán para la edición y montaje de la obra. La producción se encarga en esta última fase de la obtención del producto final, es decir, el máster de grabación a partir del que se procederá al proceso de copia. Para ello debe asegurarse de que se respeten los plazos de postproducción de la imagen, así como controlar el uso de las salas de edición y sonorización, supervisar el trabajo de doblaje y el grafismo electrónico.

Como se puede ver todo el proceso es complejo y requiere de gran planificación y proyección, así como los recursos apropiados para el éxito. Este plan se aplica a todas obra visual, audiovisual, de audio o de multimedia, y su desarrollo coherente es fundamental para el logro del éxito previsto.

 

La producción audiovisual (1)

En el campo de la mediática la producción audiovisual es clave, porque es el proceso mediante el cual se concretan los contenidos de los mensajes en esos medios audiovisuales. Ello incluye la televisión en todas sus formas, la radio y sus variantes, el cine y la multimedia. Se entiende como producción audiovisual a la creación de contenidos y su realización para medios de comunicación audiovisuales; especialmente la fotografía, el video, el cine y la televisión; independientemente del soporte utilizado (film, cámara de video, video digital, satélite, fibra óptica) y del género (ficción, documental, publicidad, relaciones públicas, entretenimiento). En el campo de la comunicación esto es fundamental, porque es lo que estructura la elaboración de los mensajes. 

La producción audiovisual es el resultado de la combinación de varias necesidades: industriales, comerciales, de entretenimiento, culturales o artísticas. El análisis de estos factores va más allá de lo semiótico, estético o conceptual y se enfoca en los elementos estructurales del hecho mediático. Naturalmente, detrás de todas estas necesidades existe siempre, como hecho fundamental en lo que a importancia se refiere, una inversión de capital, una mezcla de trabajo y recursos técnicos y un plan organizativo.

El factor de realización implica muchos elementos, entre personal, fases y resultados. No hay un equipo de producción predeterminado, ya que serán la complejidad y el presupuesto quienes determinarán la extensión, las responsabilidades y el número de personas implicadas en el proyecto. Dependerá pues, básicamente, de que la producción sea profesional o no. Por otro lado, el proceso en general tiene tres fases: 

a) Preproducción

b) Producción

c) Postproducción

En la siguiente publicación veremos en qué consisten estas fases y qué importancia tienen en la creación de un mensaje audiovisual para todos los medios: cine, televisión, radio e internet.  

Polimatía y estética

El término polímata, de polimatía, viene del griego, donde "poli" es mucho y "mathos" es aprender, esto es, el que aprende mucho. Se aplica a aquellas personas que poseen un amplio conocimiento y dominio en muchas áreas del saber. Polimatía es la sabiduría que abarca el dominio sobre campos diversos de la ciencia, arte o las humanidades. Un polímata entonces es un individuo que posee conocimientos que abarcan diversas disciplinas. La mayoría de los filósofos de la antigüedad, por ejemplo, eran polímatas, tal como se entiende el término hoy en día.

En la actualidad se aplica a aquellos profesionales que tienen habilidades en diversas disciplinas: arte, ciencia, política o negocios. Pero la mejor referencia es siempre el sabio que es capaz de comprender, manejar y enseñar varias áreas del conocimiento. El polímata por excelencia es Leonardo Da Vinci, que como se sabe, dominó muchas disciplinas: pintura, ingeniería, música, anatomía, arquitectura y muchas otras, de las que tenemos muestras en su legado.

En el campo de la estética y el arte, hay sabios y filósofos que han abarcado muchas disciplinas prácticas, como es el caso de Miguel Ángel Buonarroti, pero en el campo filosófico también, como Immanuel Kant, que dominó muchas áreas del conocimiento y su propuesta del concepto de estética nos ha dejado huella. Inclusive un personaje como Benjamin Franklin es considerado polímata, porque fue editor, escritor, politólogo, político, científico, inventor y diplomático, quien además quiso simplificar simplificar la gramática inglesa para hacerla más bella y simple.

Hoy en día se valora la especialización, pero sin duda también es importante que haya personas con un espectro amplio de sabiduría, que sean capaces de tener visiones globalizadoras. Es verdad que actualmente nadie puede alcanzar la totalidad de los conocimientos disponibles, ni mucho menos, pero sí tener una sensibilidad que le permita comprender los que se presenta en los variados campos que la realidad contemporánea presenta. El polímata no es ni Google ni Wikipedia, sino quien es capaz de entender y tener una gran visión sobre una gran cantidad de campos en el espacio del conocimiento contemporáneo. Hoy muchos artistas dominan la técnica y la tecnología, la realidad en sus diferentes manifestaciones, siendo capaces de llevar al espectro estético el complejo mundo que nos rodea.

Otra composición digital abstracta con curvas en tonos azules y rojos

Pongo aquí otra imagen realizada con programas informáticos, con un estilo abstracto y curvas coloreadas, como muestra de arte digital. Está en la Web y es de libre uso.

Pacientes holográficos

Los estudiantes de medicina de la Universidad de Cambridge, U.K. tienen nuevos pacientes: los holográficos. Se trata de un nuevo sistema de formación de realidad mixta llamado HoloScenarios, con los que se permite interactuar para entrenarse en el ejercicio médico. Se trata del primer centro universitario a escala mundial que emplea esta clase de tecnología para capacitar a futuros médicos con escenarios reales. Los universitarios médicos se habilitan en el Addenbrooke's Hospital, de Cambridge, un centro médico que está utilizando un nuevo sistema de capacitación de realidad mixta, para aprender así a tratar pacientes virtuales. 

Esta tecnología de HoloScenarios se puede utilizar en persona, individualmente o acompañado con un grupo de compañeros de clase, o a través de Internet. De manera que los estudiantes pueden evaluar los escenarios empleando sus teléfonos desde cualquier parte del mundo. Para ello los estudiantes se ponen cascos de realidad virtual que les permiten interactuar con sus compañeros de clase en escenarios que replican entornos médicos y tratar a personas virtuales de aspecto realista, sin temor a cometer un error.

Uno de los valores de esa tecnología inmersiva es la versatilidad de casos que permite atender y destrezas que posibilita desarrollar, gracias a que los profesores e instructores médicos también pueden acceder a la plataforma para cambiar las respuestas de los pacientes, introducir complicaciones y registrar observaciones y discusiones, tanto en persona como de forma remota. 

Simultáneamente al desarrollo y el lanzamiento de HoloScenarios, la Universidad de Cambridge también está investigando los resultados de los estudiantes y los pacientes empleando la realidad mixta. De manera que también se evalúa la capacidad de este producto holográfico y de los resultados que permite desarrollar por parte de los futuros médicos, sin perder de vista que luego los doctores deben hacer sus ejercicios reales manteniendo el contacto con los pacientes verdaderos, para que no se pierda el espíritu de humanidad que deben mantener los doctores como parte de su ética profesional. 

Fridas, Giocondas y Perlas por Garza

Hace unos días mostré aquí el trabajo gráfico de René Garza, quien combina digitalmente fotos y pinturas y esculturas retratadas en collages impactantes y retadores. Uno de sus temas reiterados es el uso de pinturas muy reconocibles para transformarlas en visiones surreales y provocadoras. Tres mujeres, además, se repiten en sus trabajos: Frida Kahlo, la Mona Lisa y la Chica del arete de perla. Acá pongo algunas de esas imágenes, que resultan muy intrigantes. Estas figuras son muy fácilmente reconocibles, así que no necesitan mayor explicación.

Paisaje de bosque en pixel art

Ya antes aquí en el blog he hablado del arte pixelado o Pixel Art, y he puesto imágenes hechas con esa técnica. Aquí hoy pongo otra imagen, muy bien lograda y bien representativa de lo que es la estética digital. Es de libre uso como fondo de pantalla, hallada en la Web.

Bondad y Kant

En su libro de 1785, Fundamentación de la metafísica de las costumbres (en alemán: Grundlegung zur Metaphysik der Sitten), también conocido como los Fundamentos de la metafísica de la moral, el filósofo alemán Immanuel Kant (1724-1804), explica los conceptos centrales y los principios de una teoría moral y afirma que estas ideas son normativas para agentes racionales, es decir, los seres humanos. Es, de alguna forma, una posición hacia la moral y entre los temas que aborda está el de la bondad, de la que afirma: 

"Ni en el mundo, ni, en general, tampoco fuera del mundo, es posible pensar en nada que pueda considerarse bueno sin restricción, a no ser tan solo una buena voluntad". 

Y más adelante continúa:

"La buena voluntad no es buena por lo que efectúe o realice, no es buena por su adecuación para alcanzar algún fin que nos hayamos propuesto; es buena sólo por el querer, es decir, buena en sí misma". 

La bondad y la buena voluntad son criterios, entonces, para juzgar los actos humanos. Pero en el fondo, en el mundo no hay nada que sea realmente bueno salvo la buena voluntad.

Rostros de arte y fotografía en collage por René Garza

El artista gráfico René Garza, conocido también como renkendo, trabaja combinando digitalmente fotos y reproducciones de pinturas y esculturas y dibujos de todo tipo, con fotos contemporáneas en collages originales y retadores, cargados de erotismo y atrevimiento. Tiene una muy extensa y variada obra, pongo aquí apenas una muestra de sus rostros conjugados en imágenes impactantes. Su sitio en instagram: https://www.instagram.com/renegarza__/?hl=es.

Una del ingenioso Ben Franklin

"Recuerda que no basta con decir una cosa correcta en el lugar correcto; es mejor todavía pensar en no decir algo incorrecto en un momento tentador".

Benjamin Franklin (1706-1790) inventor, político, científico, impresor y diplomático estadounidense

El zorro y el pájaro, un corto en animación 3D

Este es un cortometraje de unos 12 minutos, hecho en CGI (Computer Generated Imagery, animación computarizada en 3D), realizado y dirigido en 2018 por los creadores belgas Fred and Sam Guillaume, titulado originalmente Le Renard et l'Oiselle, el zorro y el pájaro. Ellos han trabajado en colaboración con distintas entidades de Bélgica y Suiza, logrando un film de excelente calidad técnica y un mensaje muy emotivo. 

Un zorro solitario se encuentra de repente a cargo de un pajarito recién nacido. Sus dos caminos se cruzan y se forma una familia, hasta que el destino les recuerda a cada uno la vida que deben llevar. Fue producido por Robert Boner para Film el Vidéo Productions, sobre una historia original de Vincent Gessler y música de Peter Scherer. El corto presenta un a estética muy acorde con su contenido, con detalles de animación, colores, texturas y fondos muy bien logrados. Ha recibido varios premios en distintos festivales y está asociado a Magnetfilm: https://goo.gl/VzLKfO.

De "El film y su espectador", de Casetti

En su libro de 1986, El film y su espectador, el profesor italiano, Francesco Casetti, analiza cómo el espectador cinematográfico se construye en espectador sobre la base de las estrategias activadas por el mismo film y a partir de ahí entender su relación con la película. Una de las conclusiones a las que llega es que hoy podemos entender al cine como una interfaz, así como también verlo como un ojo de dos lados, el del director y el del público. Según su idea de interfaz, el cine tiene esos dos componentes que suman la construcción del espectador, y concluye:

"Este componente que por un lado marca cuanto se narra y por el otro prepara la entrada en campo de aquel al cual se narra, posee, como se ha dicho, una especie de intrínseca debilidad: puede perderse en lo puramente representado, y puede perder a quien se apropia de la representación. Pero su capacidad de asignar de todas formas y una dirección a las imágenes y a los sonidos, acompañando constantemente su aparición, y de anticipar ya su punto de llegada, en algún modo prefigurándolo, y sobre todo su capacidad de hacer conjuntamente las dos cosas, recupera también esta ambigüedad suya: transforma una debilidad en un auténtico punto de fuerza".   

Formas erizadas en arte 3D

Esta es una imagen en ilustración 3D digital de una serie de formas geométricas que semejan púas como un volumen erizado, en tono azul. Este ciberarte está en la Web y es de libre uso. 

Un pensamiento de Omar Khayyam sobre el mañana

"Hermano: no nos preocupemos por el mañana. Aprovechemos este soplo de vida. Mañana todos abandonaremos esta posada y nos pareceremos a los muertos de hace diecisiete mil años".

Omar Khayyam o también Omar Jayam (1048-1131), matemático, astrónomo y poeta persa.

Imágenes abstractas con fractales combinadas

Pongo aquí  un pequeño gupo de imágenes realizadas digitalmente con un tema que combina curvas fractales suaves con formas orgánicas dinámicas y texturas naturales, en un conjunto muy original. halladas en la Web, son de libre uso y representan otra forma de ciberestética. 

Nieve y encanto por el artista Destin

El joven artista chino Destin, también conocido como DestinCrush o DestinWangze, presenta algunas ilustraciones en arte digital con una belleza y un tema delicado: nieve y encanto femenino. Muy bien elaboradas, tiene detalles trabajados y una estética cuidada. Aquí pongo una muestra de su obra y los enlaces a sus redes: https://www.instagram.com/destinwangze/ y Twitter: https://twitter.com/DestinWangze.

Frase de Bill Watterson

"A veces pienso que la prueba más fehaciente de que existe vida inteligente en el universo es que nadie ha intentado contactar con nosotros".

BILL WATTERSON, dibujante de cómics estadounidense, nacido en 1958, creador de la tira Calvin y Hobbes.

Ninfa de fantasía en arte digital

Pongo aquí una imagen hallada en la Web, con un tema de fantasía: una ninfa en un onírico paisaje nocturno. Es de libre utilización y es otro ejemplo de arte realizado con técnicas digitales. 

Multimedia digital, por Tony Feldman

En su libro de 1997, Multimedia digital, el escritor estadounidense Tony Feldman, da cuenta de la evolución y aplicación de los medios digitales. Es un teórico pionero en este análisis y sus ideas siguen teniendo validez, aún hoy 25 años después. Al aclarar las tecnologías subyacentes en la multimedia digital, identifica su inmenso potencial comercial y humano. Tomando como punto de partida una simplificación que considera los nuevos medios en dos sectores distintos; medios "fuera de línea" tal como los CD-ROM; y el mundo de los medios transmitidos, que incluye la transmisión digital y los servicios interactivos en línea, Feldman brinda una descripción completa del panorama de los medios digitales. 

Se centra entonces en la multimedia y los medios de entretenimiento, describe y analiza el espectacular aumento de la información basada en CD y el desarrollo igualmente revolucionario de Internet y los servicios en línea. Sus predicciones tienen aún validez. Se ubica luego dentro de un contexto comercial, donde los lectores pueden identificar el potencial para generar ingresos y ganancias de los nuevos medios. Hace también una introducción a los medios digitales, previendo su expansión, tal como sucede hoy, y concluye con una evaluación estratégica de las implicaciones de digitalizarse para individuos, empresas y corporaciones.

Es interesante porque deja clara la diferencia entre la multimedia analógica, compuesta por la combinación de medios audiovisuales analógicos y la multimedia digital, en la que todas las formas de interacción están apalancadas en un mismo soporte. La plataforma digital soporta todas las formas comunicacionales, lo que convierte a cada dispositivo en un aparato multimedial. Es sin duda, la realidad que nos rodea. 

La querella de los dispositivos, por Bellour

En 2012, el escritor francés y crítico de cine, Raymond Bellour, nacido en 1939, publicó La querella de los dispositivos, un libro en el analiza el impacto de los nuevos dispositivos mediáticos y de comunicación en el cine y otras forma de arte audiovisual. En forma de diálogo, a lo largo del texto reflexiona sobre el estado del dispositivo cinematográfico en la contemporaneidad y su relación con el arte en la actualidad.

Bellour va describiendo la transformación irremediable que se ha originando por los diferentes dispositivos tecnológicos que se han venido desarrollando, ya no sólo el ordenador, las tabletas digitales, los teléfonos inteligentes o la televisión digital, sino también por parte de otros dispositivos más institucionales que se convierten también en lugares de proyección: una galería, un museo o un centro de arte contemporáneo. Estas formas o "dispositivos físicos" transforman el lugar de recepción, o de proyección  en una experiencia distinta a la tradicional pasiva de los medios clásicos. Es decir, el panorama ahora es muy complejo para todos los soportes mediáticos. 

Aquí Bellour considera que este el cine de sala no ha desparecido, pero el hecho de que haya una recepción del film en otros dispositivos, genera cierta variación  sensorial de la percepción de las imágenes fílmicas. Además, los dispositivos móviles presentan una diferencia fundamental entre el espectador y el "visitante- espectador", el cual frente a estas películas de apenas un minuto que se ven en las redes sociales, tiene una impresión de realidad que se inscribe en un tiempo efímero, según la memoria y el olvido y todas sus posibilidades,

El espectador de cine reclama el silencio, el aislamiento y la obscuridad, él es parte del espectáculo. A pesar de todos los cambios y los casi ya innumerables dispositivos de reproducción, lo que realmente diferencia el cinematógrafo del resto de los dispositivos es que acogen la imagen en movimiento basado en la proyección y no en la presentación. Esto también produce una contraposición entre lo que convencionalmente conocemos como cine en su versión masiva, y ese "otro cine", individual y bajo el control del espectador. 

 A lo largo del libro Bellour deja en claro que cada dispositivo (re)inventa su cine. Como corolario, es preciso afirmar que ese dispositivo que reinventa un cine reconfigurado, también renueva y modula su propio espectador cinematográfico. Es una observación interesante porque no es pesimista sino realista: ¿bajo qué condiciones, a partir de qué regímenes puede ser posible el cine? Pues bien, entendiendo cada dispositivo, podemos hablar de distintas formas de cine y maneras de arte cinematográfico, que pasa por el video y la grabación digital hasta el clásico que ya tiene más de ciento veinte años de inventado. 

Una opinión de Margaret Thatcher y la TV

"Vivimos en la era de la televisión. Una sola toma de una enfermera bonita ayudando a un viejo a salir de una sala dice más que todas las estadísticas sanitarias".

MARGARET HILDA THATCHER (1925-2013), política inglesa, Primera Ministro de Gran Bretaña entre 1919 y 1991. 

Hipertelevisión (y 2)

En la publicación anterior hice referencia al libro de 2009 La hipertelevisión: géneros y formatos, de la profesora española Inmaculada Gordillo, en el que explica lo que podemos entender como TV en este siglo XXI, y un a de las cosas que señala es la variación y pr5oliferaqción de géneros televisivos que se presentan en la actualidad, entendiendo como género al tipo de contenido presente en los programas que se presentan al público, bien sea en las televisoras de señal abierta o en las de suscripción; nada que ver con la ideología de género, tan de moda ahora.  

La autora habla entonces de hipergéneros, que es una taxonomía modificada de los tradicionales.  Estos son: hipergénero ficcional, informativo, docudramático, publicitario y el de variedades y entretenimiento. Reconoce, sin embargo, que es complejo diferenciar todos en grupos cerrados, porque el espectador desarrolla su vez sus formas de comprensión e identificación en función del emisor y sus circunstancias. Aquí es donde el género se adapta también al formato del espacio y del medio. El formato incluye la organización y estructura de los contenidos, en tanto el género tiene que ver con el mensaje y su forma. Dice Gordillo: "El género organiza la esencia la esencia de cada espacio televisivo, mientras que el formato lo configura y materializa sus componentes morfológicos y sintácticos".

Por otra parte, separa cada segmento televisivo o programa según criterios discursivos: criterio anagráfico o la presencia de un nombre, aquellos que carecen de un título y que usualmente son segmentarios o fraccionados. Incluye los spots publicitarios; criterio de programación, aquellos cuya frecuencia e identificación los hace reconocibles a pesar de su unicidad; criterio de periodicidad, aquellos cuya regularidad los convierte en presencia permanente en cada programación. Por consecuencia, se define como programa a una unidad cuya emisión incluye determinados contenidos y presenta distintos tipos de periodicidad. Esto aplica a cualquier modelo televisivo. 

En último caso no hay que perder de vista que la publicidad, de una forma de otra sigue estando presente y aunque los canales del estado y los de paga por suscripción no dependen, en principio, de ningún patrocinio, la verdad es que de una forma de otra este elemento está siempre presente, bien sea como propaganda política, como promoción, o simplemente como impulso a alguna forma de venta. Como sea, es un hecho que la televisión ha sido capaz de adaptarse a la era digital y a las nuevas formas de comunicación y sigue siendo un medio de enorme fuerza y relevancia. 

Hipertelevisión (1)

La profesora española, Inmaculada Gordillo, publicó en 2009 un libro titulado La hipertelevisión: géneros y formatos, en el que propone un análisis del fenómeno televisivo del siglo XXI visto desde la perspectiva de la realidad tecnológica digital que se presenta en nuestro mundo globalizado de hoy. Ella define como "hipertelevisión" la tercera generación de la TV como medio, entendiendo que la primera va desde los años 1950 hasta las 1980, en los que aparece la televisión por cable, la segunda desde esa década hasta el año 2000, en que la internet se populariza, y esta tercera generación, que tiene unos 20 años, en la que la TV se ha repotenciado y reinventado de forma insospechada. Hace unas décadas se llegó a hablar de la decadencia y fin de este medio, pero la realidad actual ha demostrado lo contrario.

Siendo así, hay que actualizar los conceptos y reconsiderar las formas televisivas, desde los formatos hasta los géneros. El asunto del formato es muy amplio, porque se trata no solo del formato físico, es decir, la pantalla y sus variantes, sino del formato de su programación, esto es qué tipos de programa se hacen y se ven. Respecto del soporte material, tenemos pantallas de todo tipo. Es increíble como se venden miles y miles de aparatos de televisión a diario en el mundo, sin contar con los monitores de computadores y los teléfonos inteligentes. Todo es TV, desde la tradicional hasta YouTube.

Respecto del formato televisivo y de contenido, tenemos desde los programas clásicos de la televisión típica (seguimos viendo programas y películas de décadas pasadas) hasta las nuevas formas de videopodcasts. De hecho, hasta existen Vlogs, blogs dedicados y basados en los videos. Las nuevas empresas tipo Netflix han también cambiado el modelo de ver series, películas y programas, sin eliminar el formato de las televisoras convencionales con décadas de funcionamiento. Todo este "coctel" es lo que podemos llamar hipertelevisión. Así como hay hipermodernismo, hiperrealismo, hipertetxtos y hasta hipermercados, existe esta nueva convergencia de formatos y modelos televisivos, que desdicen aquellos pronósticos finiseculares que hablaban del fin de este medio. Afirma Gordillo: "Hay que tener en cuenta que la televisión está considerada como el medio de comunicación que mayores cambios evolutivos ofrece desde el punto de vista discursivo, afectando a todos los niveles tanto en cuestiones externas -técnicas y tecnológicas-, comunicativas -modos de producción y consumo- sin olvidar las internas: aspectos de sintaxis narrativa, de géneros, formatos y contenidos". Esta realidad nos lleva también a considerar, de nuevo la idea de "género televisivo", cosa que veremos en la siguiente publicación.