Íconos venezolanos por Samuel Schoenberger

A pesar de lo que su apellido pudiera indicar, el joven Samuel Schoenberger nació en Caracas, Venezuela. Es un creativo y estratega publicitario dedicado al campo visual de marcas y servicios, con experiencia en dirección de arte, fotografía, diseño gráfico, diseño editorial, retoque fotográfico, ilustración digital y animación. Su proyecto más destacado es el de "Íconos venezolanos" que viene trabajando desde hace algunos años.

Este es un proyecto de comunicación visual que representa la identidad gráfica venezolana mediante un lenguaje universal para otras culturas. Usa marcas convertidas en imágenes significativas que se han convertido en representativas del país. En realidad la idea nació en 2015 porque él sintió una ausencia de identidad propia, y también por la presencia de un
talento en el país demostrado a través de diseños que durante años se transformaron en íconos de la cultura venezolana. El concepto fue realizar elementos visuales comprimidos en bloques de colores simples y en líneas nítidas, con el fin de representar a Venezuela a través de marcas y productos. Con el correr del tiempo desarrolló no solo las figuras sino también una serie de elementos como fondos de pantalla, GIFs animados, camisetas, folletos y hasta una tienda de souvenirs. Este es su perfil de facebook: https://www.facebook.com/esesamuel.

Gracias a Andrea Rojas y Ana María Do Pico, por la información para esta publicación

Persuasión oculta, por Vance Packard

En la publicación anterior me referí a las propuestas de investigación motivacional en el campo de la publicidad y el mercadeo desarrolladas en la década de 1960 por el psicólogo estadounidense, Ernest Dichter. Estas ideas fueron cuestionadas por el periodista y crítico social Vance Packard (1914-1996), también estadounidense, quien cuestionó las fórmulas manipuladoras y persuasivas de la publicidad para motivar el consumo de ciertos productos en el grueso de la población. En otro polémico libro, "The Hidden Persuaders" (1957) -Las formas ocultas de la propaganda, en español, una pésima traducción del título, por cierto-, denuncia las técnicas de manipulación mentales y psicológicas usadas para convencer y vender. Ciertamente estas ideas son simultáneas con las de Dichter, y durante los años 1960 hubo una fuerte confrontación entre ambas posiciones. De hecho en su libro Packard lo nombra repetidas veces.  

Vance Packard aseguró que se estaban formalizando métodos de manejo mental introducidos por la televisión y el cine (y la publicidad en general), para convencer a los usuarios sin que se dieran cuenta de tal influencia. Uno de los ejemplos son los llamados "mensajes subliminales", que el investigador James Vicary, estaba demostrando. Sus experimentos consistían en insertan imágenes muy fugaces en filmes, que se suponían estaban debajo del nivel de percepción, las cuales introducían en el subconsciente necesidades no evidentes de compra y consumo. Packard se apoyó en esto para explicar cómo muchas empresas y agencias de publicidad escondían formas escondidas que impulsaban ventas en el público. Exploró así el uso que hacen los anunciantes de la investigación motivacional del consumidor y otras técnicas psicológicas, incluida la psicología profunda y las tácticas subliminales, para manipular -supuestamente- las expectativas del pueblo e inducir el deseo de productos masivos, particularmente en la era de la posguerra estadounidense. 

En el libro identificó hasta ocho "necesidades imperiosas" que los anunciantes prometen que los productos cumplirán. Según Packard, estas necesidades son tan fuertes que las personas se ven obligadas a comprar productos simplemente para satisfacerlas. El libro también explora las técnicas manipuladoras de promover políticos al electorado. Además, finalmente, cuestiona la moralidad del uso de estas técnicas. 

Ahora bien, en su momento el libro fue un éxito de ventas entre el público de clase media, pero los investigadores de marketing y ejecutivos de publicidad lo criticaron ampliamente por tener un tono sensacionalista y contener afirmaciones sin fundamento. Con el tiempo se demostró que los experimentos de Vicary estaban mal realizados (y hasta manipulados), y que no existe tal "publicidad subliminal", puesto que si no es percibida, no es asimilable. En efecto, subliminal significa "pasar por debajo (sub) de los límites (liminal) normales de percepción", lo cual, para muchos psicólogos, es absurdo, puesto que si no se percibe, no se capta. 

En todo caso, las advertencias de Vance Packard fueron importantes porque despertaron una conciencia moral dentro del mundo publicitario, resaltando el hecho de que deben respetarse los valores y la privacidad de los públicos. Si bien el tema de los mensajes subliminales aún despierta discusiones, no es menos cierto que algunas técnicas de persuasión y venta rayan en lo inapropiado. Es como todo: depende del cristal con qué se mire.

La estrategia del deseo, de Ernest Dichter

Escrito por el psicólogo estadounidense nacido en Austria, Ernest Dichter (1907-1991), en 1960, La estrategia del deseo es un libro que en su momento fue muy polémico y visto como clave para el desarrollo del mercadeo en el siglo XX. Dichter, seguidor de las ideas freudianas psicoanalíticas, es considerado el padre de la investigación motivacional, y es el primero en aplicarla sistemáticamente en el terreno de la publicidad y la mercadotecnia. Muchos autores utilizaron sus enseñanzas para comprender comportamientos de consumo humanos.

Los estudios de Dichter lo llevaron a analizar lo que llamó consumo irracional y la generación de ventas “inteligentes” que éste generaba. Aseguraba que las decisiones de mercado son conducidas por emociones, caprichos y miedos del inconsciente, y que poco tienen que ver con el valor del producto en sí. Afirmó que la motivación humana era una especie de iceberg del que dos tercios permanecían ocultos. En su momento, resultaron de gran utilidad sus investigaciones sobre el deseo y el inconsciente en un tiempo en el que las empresas luchaban por tener un lugar importante entre el público consumidor. 

Dichter logró transformar el estilo del mercadeo de grandes empresas, con resultados novedosos, lo que cambió notablemente la forma de comercializar productos, ya se tratara de automóviles, gasolina, herramientas eléctricas, helados o pasteles. También utilizó los grupos focales de manera pionera para entender los deseos de los consumidores y comprender el poder de persuasión que tenía la estrategia “cara-a-cara”. No obstante, al correr del tiempo, sus métodos fueron superados porque el desarrollo de la computación introdujo métodos cuantitativos para analizar las actitudes del consumidor. Esto hizo que se dejaran de lado las motivaciones "secretas", y en su lugar se crearon modelos matemáticos basados en la etnografía y en los ingresos, para estudiar el comportamiento. No obstante, sus ideas cambiaron la forma de entender los mercados, y si bien ya sus métodos se han superado, sus ideas siguen estando presente en el mundo de la publicidad y el mercadeo. 

La teoría estética de Luigi Pareyson

Luigi Pareyson (1918-1991) fue un filósofo italiano, cuyo trabajo teórico estuvo muy enfocada al estudio de ciertas formas estéticas, a la crítica del arte y al pensamiento político-religioso. Era 
católico, y es considerado uno de los más grandes filósofos italianos del siglo XX. Fue uno de los primeros en dar a conocer el existencialismo alemán en Italia, en especial la obra de Martin Heidegger y de Karl Jaspers. El pensamiento de Pareyson se desarrolló en un contexto dominado por el neorrealismo en la Italia de la posguerra y señaló que el existencialismo alemán debía ser tomado en una clave hermenéutica: consideraba la verdad no un dato objetivo, como sucede en la ciencia, sino como una interpretación del individuo, que requiere responsabilidad subjetiva. Llamó a su posición "personalismo ontológico". Esta visión influyó en sus teorías estéticas, sobre las que trabajé a partir de 1952, cuando entró como profesor en la Universidad de Turín.  

Su camino filosófico pasó por tres fases: una fase existencialista, que reconoce cómo la comprensión de uno mismo es posible solo por la relación de uno con el Otro; una segunda,  centrada en la hermenéutica, donde recurre a una comprensión ontológica de las inagotables condiciones de la existencia, y que se convierte en angustia de la nada al escuchar al Ser; y una última que se refiere a una ontología de la libertad, según la cual el hombre es un hombre por hacer, porque la nada está siempre presente en la búsqueda del Ser y de su libertad. 

Pareyson propueso en su texto Estética, Teoría de la formatividad (1954) una estética hermenéutica, donde el arte es interpretación de la verdad. Para él, el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, mientas hace, inventa el modo de hacer. Esto es que no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la "formatividad" (cómo se forma), la obra de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la regla que la define específicamente. El arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo. 

Según Pareyson, hay que considerar que la forma, una vez autónoma y realizada, puede ser óptimamente contemplada sólo si se la considera dinámicamente, es decir como parte de un proceso abierto de cumplimiento y fruición. Por otra parte la contemplación estética no es de hecho más que una consideración activa que reconstruye el proceso que dio vida a la forma. Dice: “la forma es el mismo proceso en forma conclusiva e inclusiva y por lo tanto, no es algo que pueda separarse del proceso del que es perfección, conclusión y totalidad”. 

Como resultado, se puede afirmar que el artista procede tanteando sin saber a donde llegará, pero sus tanteos no son ciegos, sino que están dirigidos por la misma forma que ha de surgir de allí a través de una anticipación que, más que conocimiento, es actividad ejercida por la obra incluso antes de existir. Eso recuerda aquella afirmación de Miguel Ángel Buonarroti: "Vi el ángel en el mármol y tallé hasta que lo puse en libertad". Para Pareyson el arte de los antiguos supo hacer funcionar, en la actividad humana la ley de la naturaleza, prolongar al mundo humano la creatividad de la naturaleza, y ahora asume una nueva forma de entenderla. Es el arte de la búsqueda contemporánea del ser. Compleja y ecléctica. 

Imagen figurativa y abstracta, con rostro

Hoy pongo aquí una imagen de combinación arte abstracto y figurativo digital, como otra muestra de ciberestética. Hallada en la Web y de libre difusión. 

Cinco funciones del arte según Charles Lalo

En la primera mitad del siglo XX, Charles Lalo (1877-1953), un filósofo francés, docente en la Sorbona de París y especialista en teoría estética, escribió diversos libros sobre arte, belleza, estética y sociedad. Una de sus propuestas más interesantes es la definición de cinco funciones que según él, tiene el arte en nuestras sociedades. Estas son: 

1.- Función de diversión. El arte puede entenderse como un juego, un entretenimiento, un estímulo a la divagación y al reposo. De alguna manera es un "lujo" en el mundo de la agitación y la ocupación.

2.- Función catártica. Una manera de canalizar emociones, liberar tensiones y relajar los nervios. El arte es una forma de compensar crisis emotivas e intelectuales.

3.- Función técnica. Arte como propuesta de situaciones formales, de expresión de habilidades, para gozar de una apreciación de habilidad, según criterios de valoración y adaptación.

4.- Función de idealización. El arte como sublimación de los sentimientos y de los problemas. Es una manera de evasión superior, más allá de una actividad pragmática. 

5.- Función de refuerzo. El arte como intensificador de las emociones, problemas y vivencias. Duplicador de las realidades cotidianas, convirtiéndolas en hechos inevitables, que deben ser considerados como parte de la vida común.

Esto funciona tanto para el creador como para el perceptor. Las tres primeras indican la presencia de elementos estructurales presentes que apelan a la reacción del sujeto. Las otra dos apelan a los valores positivos, intensificando las sensaciones que son parte de la propia experiencia humana y social. Estas funciones explicadas por Lalo, de alguna manera siguen siendo aplicables a todas las expresiones artísticas contemporáneas, que se suman a todas aquellas que se han conocido tradicionalmente, antes de la expansión de los medios de comunicación masivos y tecnológicos de ahora.

Mundos aparte, un corto en animación digital

Realizado en 2011, "Worlds Apart" (Mundos aparte), cuenta la historia de una joven familia en los EE.UU., atrapada en una situación angustiante, causada por el cambio climático. Contada a través de los ojos del oso de peluche de un niño, Worlds Apart es en parte un cuento infantil y un corto de ciencia ficción. Esta película en CGI ha obtenido quince premios a la Mejor Animación de festivales de todo el mundo. Muchos estudiantes increíblemente talentosos trabajaron durante dos años para completar esta película. Este film está dirigido por Michael Zachary Huber e incorpora una excelente banda sonora de Chad Seiter. Todos los créditos están al final. En estos tiempos de pandemia, este mensaje es impactante. Al final queda la intriga: ¿puede una civilización tecnológicamente avanzada vivir en total armonía con su entorno natural?

De Kant y el genio

En su libro Crítica del juicio (título también traducido como Crítica de la facultad de juzgar) de 1790, Emmanuel Kant (1724-1804), filósofo alemán que ya otras veces he citado aquí, aborda -entre otros tópicos- el tema del genio y del arte. Escribe acerca de los conceptos de arte y belleza, y cómo el talento se conecta con la creación y sus resultados artísticos:  

"Genio es el talento (don natural), que le da la regla al arte. Dado que el talento, como facultad productiva innata del artista, pertenece, él mismo, a la naturaleza, podría uno expresarse entonces también así: genio es la innata disposición del ánimo (ingenium) a través de la cual la naturaleza le da la regla al arte."

Esta definición (Sección Primera, punto 46) está ligada, sin duda, a sus otras concepciones, como las de arte y belleza, que Kant ha desarrollado en muchos otros de sus textos, y que siempre son polémicos y brillantes. Más adelante haré otras citas sobre ello. 

Otra viñeta de humor gráfico... y significado

Un juego de imagen y palabras para estos días de encierro.

😄😄😄😄

Imagen con sus créditos, hallada en la Web.

El diseño gráfico en la Cuba de la revolución

La República de Cuba, hasta la década de 1960, no se distinguió por desarrollar un estilo ni alguna generación importante de diseñadores gráficos (eso sucedió también en varios países del mundo, que sólo repetían los modelos de Europa, EE.UU. y algunos otros países). Sin duda durante décadas hubo algunos artistas dedicados al grafismo, pero en el caso de Cuba, la revolución de 1959 trajo un cambio importante. Parte del concepto propagandístico del nuevo gobierno era fomentar todo aquello que ayudara a difundir las ideas de de cambio, por lo que se apoyó toda producción mediática que funcionara en esa dirección. El cartel y el diseño gráfico se entendió entonces como herramienta útil para ese fin. Surgen entonces varios creadores inspirados por la idea de que lo bueno, lo útil y lo bello debe ser noble y estar al servicio de las clase oprimidas, para lograr su liberación. Los líderes más importantes del diseño gráfico cubano en la década de 1960 y 1970 son Raúl Martínez y Felix Beltrán. 

Raúl Martínez González (1927-1995) comenzó a trabajar en el campo del arte en la década de 1950, y obtuvo una beca en 1952 para estudiar en Instituto de Diseño de Chicago, en los Estados Unidos, donde absorbió la estética abstracta de Jackson Pollock y de Willem De Kooning. Al volver a La Habana en 1954 trabajó en varias agencias de publicidad y al estallar la revolución se sumó a las ideas propuestas por Fidel Castro y trabajó desde ese entonces en pro de estos conceptos. Durante la década de 1970 asumió una estética pop-art con la que ilustró en imágenes reiterativas a José Martí, Ernesto Che Guevara, Camilo Cienfuegos, Fidel Castro y otros héroes anónimos, utilizando la fotografía como pilar e insistiendo en la combinación de la imagen estructurada con un movimiento lineal y cinematográfico. En la década siguiente continuó desarrollando la conjunción de diseño y fotografía en las series Murales y banderas, Dibujos para colorear (educativos) y La conquista. Dado que fue profesor en la Universidad de La Habana, tuvo una gran influencia en el estilo y en la enseñanza del diseño gráfico en Cuba, que persiste aún hoy en día.   

Félix Alberto Beltrán Concepción, nacido en La Habana en 1938, reside desde mediados de los años 1980 en Ciudad de México, y se le considera uno de los más notables exponente del diseño gráfico cubano. Después de su instrucción básica, estuvo en Estados Unidos entre 1956 y 1960, estudiando diseño gráfico, pintura y litografía en la Escuela de Artes Visuales, Nueva Escuela de Investigación Social y Pratt Graphic Art Center, en Nueva York. Entre 1953 y 1956 fue diseñador para Publicidad McCann Erickson Co., y regresó  a Cuba hacia finales de la década de 1950. Fue elegido director de arte de la CAR (Comisión de Acción Revolucionaria) por el gobierno de Fidel Castro, y se dedicó a difundir la actividad cultural cubana ligada siempre a los principios de la revolución. Su estilo toma entonces el vocabulario del arte Pop, con un mensaje directo, y colores brillantes. Utiliza imágenes simbólicas elementales, y se especializa en el cartel propagandístico. Sin embargo ya en la década de 1980 decide aceptar la invitación de ir a México y allí sigue trabajando como diseñador y maestro, siendo actualmente profesor de la Universidad Autónoma Metropolitana en Cuidad de México. Ha escrito algunos libros importantes, como Letragrafía, de 1973 y Acerca del diseño, de 1975, que sirvieron en su momento como guías para centenares de diseñadores e ilustradores de jóvenes inspirados en la Revolución Cubana. Ciertamente hay otros creadores, pero estos dos son los más reconocidos. 

Raúl Martínez

Raúl Martínez

Raúl Martínez

Raúl Martínez

Raúl Martínez

Félix Beltrán

Félix Beltrán

Félix Beltrán

Félix Beltrán

Félix Beltrán

Algunos de los trabajos de estos artistas han trascendido, y siguen siendo íconos en esta sociedad digital y globalizada, tal vez porque su calidad supera la ideología y el tiempo y lugar en que fueron concebidos. 

Nueva exposición virtual en Espacio Byte, Museo de Arte Digital

He recibido la invitación por parte de Enrique Salmoiraghi, director de Espacio Byte, para conocer y difundir la exposición que está presentando actualmente su Museo de Arte Digital. Este es el texto: 

Espacio Byte, Museo de Arte Digital, arranca la programación de 2020 con una exposición dedicada a la ciberdanza donde participan reconocidos artistas internacionales. Dado que se trata de un museo virtual, es una oportunidad para recorrer exposiciones desde el hogar y conocer más acerca del trabajo que este museo desarrolla desde 2013. “Bailando en otra dimensión” nuclea una variedad de trabajos que articulan el arte de la danza con las posibilidades creativas de los lenguajes digitales. Animación 3D, captura volumétrica, realidad virtual inmersiva y machinima son algunos de los medios de producción de estas híbridas piezas coreográficas. Esta exposición propone una experiencia estética donde se funden la programación de formas, movimientos, sonidos y texturas visuales. Prácticas que dan lugar a nuevas construcciones discursivas, un nuevo modo de hacer danza.

Enlace a la exposición: http://www.espaciobyte.org/bailando-en-otra-dimension

Enlace a fotos de prensa: https://1drv.ms/u/s!Ak9YdheGIbreuL9QZgYLiKtsZ7pGuQ?e=XADxBe

Ya aquí en el blog he mostrado la actividad de este sitio Web, muy válido en estos momentos: https://ciberestetica.blogspot.com/2018/02/espacio-byte-museo-de-arte-digital.html

I Ching y computación

El I Ching, (también Yijing o I King) es un antiguo libro oracular chino, cuya autoría se atribuye a varios escritores, entre ellos Lao-Tsé, y cuyos primeros textos se suponen escritos hacia el 1200 a. C. El término I ching significa aproximadamente "Libro de las mutaciones", y fue aumentado durante la dinastía Zhou (de 1122 a. C. y 249 a. C.) y posteriormente comentado por maestros de la escuela de Confucio, manteniendo su contenido original de procedencia taoísta. En principio se supone que describe la situación presente de quien lo consulta y predice el modo en que se resolverá en el futuro si se adopta ante ella la actitud correcta. Se incluye la técnica de lanzar tres monedas, que producen múltiples combinaciones predictivas, método que no se sabe cuán antiguo es. En todo caso, sigue teniendo vigencia y despierta interés en mucha gente alrededor del globo.

Pero por otro lado, el filósofo canadiense Marshall McLuhan hace una referencia a la enorme combinatoria del I Ching y señala un paralelismo entre sus posibilidades y las de los arquetipos humanos. En su libro de 1970, Del clisé al arquetipo, cita al escritor José Argüellas, quien en un texto de 1969, Computa y desarrolla, dice: 

"El I Ching está haciéndose popular no porque sea un refugio contra la vida moderna, sino porque su estructura vuelve a ser comprensible; ahora lo es porque los hombres han inventado y entienden las computadoras... pues la forma como trabaja el I Ching cuando es consultado, con su sistema simple, pero perfecto matemáticamente, es muy similar al modo en que trabaja una computadora. No importa de qué sistema de lenguaje dependa una computadora electrónica, su funcionamiento depende del sistema binario... el mismo sistema que en una forma simplificada, gobierna la manipulación de los tallos de milenrama o las monedas que son utilizadas para consultar el I Ching. No es demasiado extravagante decir que desde el punto de vista de la naturaleza de entrada del programador interrogador y de la salida, el I Ching puede ser visto como una computadora psíquica. dado el desarrollo de computadoras con todas las implicaciones consiguientes (como las que citamos antes, refiriéndonos a la ética), no es extraño en absoluto que mucha gente esté encontrando hoy al I Ching extrañamente satisfactorio... El I Ching funciona como computadora y su funcionamiento está únicamente de acuerdo con la verdad de la programación. La verdad de la programación depende de cómo responda a sus mensajes la persona que consulta el Libro de los Cambios".  

Interesante saber que esto fue declarado hace ya 50 años. Excelente análisis que une pasado, presente y futuro. Una forma de mantener siempre el conocimiento en movimiento. 

Equinoccio en cuarentena

Aunque el tema de las estaciones, los solsticios y los equinoccios no tiene mucho que ver con la estética digital y la comunicación multimedia, es un tópico que me gusta, porque nos une a la naturaleza y sus ciclos, y ya lo he tocado otras veces en este blog. De hecho es curioso que siendo un asunto más bien relacionado con lo tradicional, místico y a veces esotérico, se trata mucho en este mundo tecnológico y computarizado. 

Hoy 19 de marzo, día de San José, y día del padre en España, es también el equinoccio de primavera en el hemisferio norte, y de otoño en el sur. Curiosamente, los equinoccios suelen estar entre el 20 el 21 de marzo y septiembre, pero este año, por bisiesto, se ha adelantado al día 19, para esta parte del planeta. En Venezuela la hora exacta del inicio es las 23:49 (esta noche), y en Greenwich a las 03:50 de mañana. Google dedica hoy su "Google Doodle" a este acontecimiento. 

Para entender mejor este fenómeno, hay que señalar que los equinoccios en general son aquellos momentos del año en los que el Sol está en el plano del ecuador celeste. O sea, es cuando el Sol alcanza el cenit, que se refiere al punto más alto en el cielo con relación al observador, que se encuentra justo sobre su cabeza. Cuando tienen lugar los equinoccios, el día tiene una duración aproximadamente igual a la de la noche en todo el mundo. De ahí viene la palabra, del latín aequinoctiu, (esto es aequus nocte), o sea "noche igual". 

Este equinoccio ha tomado a todo el mundo en la cuarentena de coronavirus COVID-19, declarado como pandemia, y que tiene a un gran porcentaje de la población del globo en condición de aislamiento social. Ojalá esto pase pronto y el solsticio próximo ya sea de celebración.

Cuarentena y museos virtuales

Como consecuencia de la pandemia del coronavirus COVID-19, que afecta a millones de personas, han aparecido alternativas de entretenimiento vía internet para que la gente pueda superar en sus casa este aislamiento forzado. Juegos, películas, presentaciones Web, y paseos virtuales se han difundido grandemente en estos últimos días. Una de esas recomendaciones tiene que ver con los sitios Web de varios museos del mundo. Aquí está una lista de 10 museos europeos y de EE.UU.  para visitar estando en casa: con tour virtual y colecciones online. Para entretenerse un poco.

1. Pinacoteca di Brera - Milán https://pinacotecabrera.org/

2. Galleria degli Uffizi - Florencia https://www.uffizi.it/mostre-virtuali

3. Musei Vaticani - Roma http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/it/collezioni/catalogo-online.html

4. Museo Aqueológico - Atenas https://www.namuseum.gr/en/collections/

5. El Prado - Madrid https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-works

6. Louvre - París https://www.louvre.fr/en/visites-en-ligne

7. British Museum - Londres https://www.britishmuseum.org/collection

8. Rijksmuseum - Amsterdam https://www.rijksmuseum.nl/

9. Metropolitan Museum - New York https://artsandculture.google.com/explore

10. National Gallery of Art - Washington https://www.nga.gov/index.html

Todos los enlaces están activos a esta fecha. El importante Museo Hermitage de San Petesburgo tiene un sitio que no está abriendo en estos momentos: https://bit.ly/3cJHdnj.

Salaam, un videojuego para la paz

Lual Mayen, un refugiado nacido en Sudán del Sur, actualmente residente en Washington, y CEO de su propia empresa de juegos de video, Junub Games, creó en 2016 un videojuego que muestra las experiencias de personas huyendo de la guerra. Se llama “Salaam”, que significa “paz” en árabe, y busca enseñar al usuario cómo encontrar comida, agua y evitar disparos para sobrevivir a una guerra. Una segunda versión mejorada se lanzará en el verano de 2020, y está inspirado en el juego Grand Thieft Auto. Como en muchos videojuegos, los jugadores tienen opción de comprar más agua, comida o medicamentos. La diferencia principal de este caso es que los fondos recogidos se destinan a ONG que trabajan para mejorar la vida de las personas refugiadas.

Mayen, que proviene de Uganda, y quien recibió el reconocimiento de Global Gaming Citizen en los Game Awards 2018, dice: “La paz es algo que se construye con el tiempo. Es la generación de un cambio. Es un cambio de mentalidad. Es un cambio de actitud con el otro”. Es esto lo que está detrás de su diseño. Este videojuego está liderando un movimiento de juegos con impacto a nivel social, que buscan ir más allá del entretenimiento para fomentar valores de paz, respeto y solidaridad. 

El ciberarte de José Luis García R.

Nacido en la ciudad de San Félix, en el estado Bolivar, Venezuela, en 1969, José Luis Gracía R. es un caso notable de artista digital. Autodidacta, sitió pasión por el dibujo desde los 11 años, en sus estudios de bachillerato, y al graduarse, incursiona en el diseño gráfico sin mayor formación que su intuición. Si bien profesionalmente se dedicaba a diversas cosas, durante la década de 1980 comenzó a realizar obras de arte sin intención de exponer. Quería desarrollar imágenes sin las ataduras de un convencionalismo preestablecido. 

Con la aparición del mundo digital, empieza a usar computadoras para sus trabajos, y desarrolla patrones y formas abstractas basadas en algoritmos y programas informáticos. Con el surgimiento de las redes sociales decide difundir sus creaciones, entendiendo que es un espacio diferente para obras diferentes. En 2013 es invitado a mostrar públicamente su trabajo, y a partir de 2018 se dedica tiempo completo a exponer e innovar.

Ha incorporado tecnologías multimedia, y su catálogo llega a unas 3.000 obras, en 30 años de trayectoria. Afirma que "para mí, el arte es un modo de representar mi visión del mundo, libremente, sin ataduras ni convencionalismos". Su estilo, abstracto y colorido, suele estar signado por patrones y formas irregulares. En 2018 trabajó junto al reconocido artista Carlos Cruz-Diez, en la tapa del disco Guaco Bidimensional, del grupo musical venezolano Guaco, y el 2019 tuvo una gran exposición individual en el Centro de Arte Los Galpones, en Caracas, titulada "Secuencia Inicial en Espacio Monitor", que duró cuatro meses. Su lugar en el sitio Web arteinformado.com es https://www.arteinformado.com/guia/f/jose-luis-garcia-r-199975.
En Linkedin.com: https://www.linkedin.com/in/jlgr/ y en Facebook: 
https://www.facebook.com/grjoseluis.art. 

Gracias a mis alumnos Bárbara González, Mónica Khourie y Ely Quintero, que me consiguieron datos e información sobre este artista. 

Ian, un corto en CGI

Este es un video de animación digital CGI, hecho en 2018, con una técnica muy atractiva y que tiene un contenido excelente. Para estos días de cuarentena, coronavirus y pánico, es muy hermoso y esperanzador. "Ian" fue dirigido por Ariel Goldfarb, escrito y producido por Gastón Gorali, con música de Pablo Borghi. Fue realizado en Argentina, apoyado por diversas instituciones, y estuvo patrocinado por varios canales de TV, para impulsar la Fundación Ian, que ayuda al chico que inspira el corto. Ganó distintos premios por su mensaje. Me recuerda a un alumno que conozco, recién graduado de Comunicador Social en la Universidad Central de Venezuela, a quien tuve de tutorando, que es también un héroe: Axcel Saduy. Disfrútenlo. 

Dedicado a mi querido Axel

Reflexión, por Dickens

“Reflexiona sobre tus bendiciones presentes, de las que todo hombre posee muchas; no sobre tus pasadas penas, de las que todos tienen algunas”.

Charles Dickens (1812-1870), reconocido novelista británico.

El notable talento de Seymour Chwast

De los varios diseñadores que forman o formaron parte del equipo de Push Pin Studios, que ya reseñé aquí, destaca notablemente Seymour Chwast. Nacido en el Bronx, Nueva York, en 1931, fue, junto con Milton Glaser, Edward Sorel, y Reynold Ruffins, fundador del Push Pin Studios, ahora llamado The Pushpin Group, Inc., y del cual es su actual presidente, y su trabajo en el campo del diseño gráfico es tan importante que aún ahora sigue siendo referencia para quienes trabajan en este campo de la comunicación. 

La visión de Chwast es única y muy personal. Toma referencias del arte primitivo, de las tiras cómicas, del arte infantil y del Pop-Art. El uso del color en sus imágenes es intenso, frontal, y maneja las superficies como planos sin preocuparse por la profundidad. Además su preocupación por la tipografía lo destaca entre los diseñadores de su generación. Las formas de letras figurativas y su habilidad para integrar la información alfabética con el contenido le han permitido llegar a soluciones gráficas inesperadas. 

Muchas de sus obras son trascendentes y muy reconocidas. Es famoso su afiche en contra de la guerra de Vietnam, de 1968, End Bad Breath. Sus caricaturas (la de Donald Trump es notable), las tapas de libros y de revistas, los posters (en especial el de los tres monos), y los anti bélicos en general. Seymour Chwast tiene una trayectoria de casi 70 años, y también ha señalado un camino en el mundo de la comunicación, la publicidad y el diseño gráfico contemporáneo. Este sitio Web sobra su obra es muy completo: http://seymourchwastarchive.com/.