La fotografía y sus incógnitas, por John Berger

"Todo el mundo ahora conoce lo que es una cámara y una fotografía. Y, sin embargo, ¿qué es una fotografía?¿Qué significan kas fotografías? ¿Cómo pueden ser usadas? Preguntas como estas, que empezaron a hacerse con la invención de la cámara, no han sido, hasta ahora, totalmente respondidas".

Estas inquietudes fueron formuladas en  1982 por el novelista, crítico de arte y guionista inglés John Berger (1926-2017) en el libro Otra manera de contar, y creo que aún siguen sin responderse. 

Arte y autoridad, según John Berger

El escritor, crítico de arte y pintor británico, John Berger (1926-2017), tiene un texto muy relevante para el campo de la comunicación visual, el arte y la semiótica, Modos de ver, de 1972, que ya he reseñado en este blog. El libro está basado en una serie de programas de televisión que buscaba analizar la manera en que vemos hoy las obras de arte y de diseño, incluyendo las imágenes publicitarias, en el campo del capitalismo y del consumismo. Uno de esos temas el el control de la representación y del contenido por parte de quien maneja los poderes del acceso a la creación de la obra artística. En ese sentido, afirma:  

"Las artes visuales han existido siempre dentro de cierto coto; inicialmente, este coto era mágico o sagrado. Pero era también físico: era el lugar, la caverna, el edificio en el que o para el que se hacía la obra. La experiencia del arte, que al principio fue la experiencia del rito, fue colocada al margen del resto de la vida, precisamente para que fuera capaz de ejercer cierto poder sobre ella. Posteriormente, el coto del arte cambió de carácter y se convirtió en coto social. Entró a formar parte de la cultura de la clase dominante y fue físicamente apartado y aislado en sus casas y palacios. A lo largo de toda la historia, la autoridad del arte fue inseparable de la autoridad del coto". 

Se entiende aquí que ese coto, ese espacio social delimitado, estaba relacionado con el poder, la autoridad y el conocimiento. Hoy en día, han cambiado esos sistemas de relaciones. Los medios modernos de reproducción han destruido de alguna manera, la autoridad del arte, para sacarlo de ciertos cotos limitados. Pero eso también ha convertido las imágenes artísticas en obras efímeras. Es decir, ha cambiado su poder en sí mismas, así como ha cambiado el poder de quien las crea y las difunde. la autoridad ha pasado a ser múltiple, en una sociedad que ha aprendido a consumir imágenes. De todo tipo...

Vemos lo que sabemos

En mis cursos de Lenguaje y Comunicación visual, en los de Teoría de la Comunicación y en los de Semiótica, que dicto a nivel universitario, una de las primeras cosas que les digo a mis estudiantes es que "vemos lo que sabemos". Esta idea es un compendio de dos planteamientos que hacen dos reconocidos teóricos de diseño y del arte: Bruno Munari, profesor italiano de diseño (1907-1998), y John Berger, crítico inglés de arte (1928-2017). Munari en su conocido libro de 1968 Diseño y comunicación visual, afirma: "cada uno ve lo que sabe". Por su parte, John Berger en Modos de Ver, libro de 1972 al que ya he hecho referencia en el blog, señala: "Lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos las cosas". En resumen, vemos lo que sabemos. Y cuanto más sabemos, más vemos. 

Más aún, Berger dice en su libro: "Toda imagen encarna un modo de ver".  Ese modo de ver es individual y a la vez colectivo. Implica lo que cada persona conoce y afecta su percepción, y está a su vez en función de lo que Martin Jay definió como "régimen escópico". Completa John Berger: "Cuando vemos un paisaje, nos situamos en él. Si viéramos el arte desde el pasado, nos situaríamos en la historia".  Cada momento, cada cultura, influye en lo que vemos y en cómo lo vemos. Lo importante es saber que esto es así, para saber que lo que vemos es siempre único y personal. Para ver más ¡sepamos más!

Los modos de ver

Modos de ver ("Ways of seeing") es el título de un importante libro de John Berger (y otros autores redactores) basado en un programa homónimo de la TV inglesa de difusión de las artes visuales, en el que se discute sobre el valor de la imagen en la cultura contemporánea. En este libro el escritor y crítico inglés (nacido en 1926) revela cómo cada momento histórico tiene una forma de ver las cosas, y las realidades afectan la forma de interpretar lo que vemos. Las imágenes en el siglo XX van desde lo fetichista hasta lo documental, pasando por el proceso de industria cultural y la crítica a la reproducción técnica. Pero esto se aplica al arte en cualquier período.

Berger, que tiene como referencia inicial a Walter Benjamin y se declara marxista, hace sin embargo una crítica muy inteligente a las posiciones radicales de la teorías que cuestionan la industria cultural desde el punto de vista elitesco. Es contrario a los análisis "de expertos" y considera que mantener la obra de arte en su ámbito académico le quita su sentido. Desde este punto de vista la obra de arte permite dos formas de acercamiento, una vertiente más pura basada en los sentimientos y sensaciones que provoca, y otra con visión academicista y técnica que se asienta sobre los presupuestos tradicionales y estéticos. Esta última es la que busca la discriminación del individuo a través de la obra de arte, y se aprovecha de los medios de reproducción para mantenerse y difundirse. La primera es la forma verdadera del arte, un medio libre que esta al alcance de cualquier individuo.

La reproducción en masa según Berger es también responsable de que el significado de una obra de arte pierda su sentido original, porque inmersa en distintos contextos la obra adquiere diferentes significados. Esto beneficia y perjudica a la obra al mismo tiempo, por un lado le aporta flexibilidad y le da posibilidades de explotar todo su potencial, pero por otro lado la desintegra y deja de lado su sentido primigenio. Pero aislarla la convierte a su vez en un objeto inalcanzable. En este caso se produce una especie de "mitificación" de la obra (convertirla en un mito) que finalmente produce su "mistificación", esto es, darle un valor que no tiene y justificar lo que de otro modo sería evidente. Es lo que suelen hacer los críticos de arte.

Finalmente la obra ha de ser analizada desde ella misma y no a través de consideraciones personales; además en algunos casos podemos comprender la intención del autor gracias a la similitudes de su contexto histórico y social con el nuestro. El proceso de mistificación del artista así como de su obra entorpece la compresión de ambos aspectos y nos aleja de ella.

En el libro también aborda otras consideraciones, como el uso de la figura de la mujer como objeto sexual en imágenes, la mujer y el desnudo, los temas usuales de la pintura al óleo, la pintura al óleo como medio de exaltación del poder, cómo se rompen los moldes y finalmente la supervivencia de la pintura en la publicidad, todos temas que presentó en su programa de TV, muy reconocido en los primeros años de la década de 1970.