Flores y ondas en arte digital

Pongo aquí algunas imágenes encontradas en la Web, realizadas con programas informáticos, con el tema de flores hiperrealistas sobre fondos de ondas abstractos, como muestra de una forma de arte digital en el ciberespacio. 

La cultura de la convergencia, por Henry Jenkins

El profesor Henry Jenkins III, académico estadounidense de los medios de comunicación nacido en 1958, publicó en 2006 un importante libro, Cultura de la convergencia, cuyas definiciones pioneras siguen teniendo validez hoy. De hecho, se le considera como el primer teórico que habló sobre narrativas transmedia, concepto hoy ya muy común, aunque él hace referencia al término "convergencia", acuñado por el  politólogo e investigador Ithiel de Sola Pool en el MIT (Instituto tecnológico de Massachusetts) en 1983, aplicado al proceso de «convergencia de modos» de comunicación. Jenkins habla entonces de la relación entre tres ideas: convergencia mediática, cultura participativa e inteligencia colectiva. 

La convergencia, tal como la define aquí Jenkins, es un concepto complejo que abarca tres fenómenos interconectados. El flujo de contenido a través de múltiples plataformas mediáticas, porque el contenido ya no se limita a un solo medio, sino que fluye y se adapta a diversos formatos, como televisión, internet, videojuegos y demás. La cooperación entre industrias mediáticas, como los son la cinematográfica, la televisiva y la musical, que colaboran y se integran para crear experiencias transmedia. Y el comportamiento migratorio de las audiencias, ya que el público busca activamente el contenido que desea en diferentes plataformas y participa de forma creativa en la producción cultural.

Es importante destacar que la convergencia no se trata solo de la evolución tecnológica, sino también de cambios culturales y sociales. La convergencia crea nuevas formas de consumir y producir contenido, empoderando al público y transformando el panorama mediático. Por esto se habla de una cultura de la convergencia. Así la convergencia representa un cambio cultural en los consumidores de los medios, porque ya no buscan la información en un sólo canal, sino que intentan generar conexiones entre los diferentes media, para formar su propia opinión y percepción de la realidad o de los contenidos de entretenimiento. En este sentido, se está conformando un nuevo tipo de conocimiento basado en la inteligencia colectiva.

Como ejemplo de esta nueva forma de conformar los contenidos, sobre la base de estas nuevas apropiaciones culturales y sociales, tenemos los universos transmedia (franquicias como Star Wars o Marvel que se expanden a través de películas, series, videojuegos, cómics, podcasts, etc., creando una experiencia interconectada para el público); los llamados prosumidores, público que no solo consume contenido, sino que también lo produce y comparte, generando cultura participativa a través de blogs, fan art, o fanclubs; y la inteligencia colectiva, modelo en el que el conocimiento y la creatividad del público se suman para crear nuevos significados y experiencias, como en el caso de Wikipedia o proyectos de crowdfunding.

La convergencia de la cultura es el fenómeno resultado de la transición hacia los nuevos medios, que llevan los sistemas de comunicación un paso más allá. Cuando las fronteras físicas desaparecen y las autopistas de la información se vuelven digitales, la cultura se deslocaliza y empieza la carrera hacia la cultura global. Jenkins analiza este fenómeno planteando el origen y su caracterización a través de todas las formar mediáticas de comunicación que conforman esta nueva realidad. La convergencia es un proceso dinámico que redefine la relación entre tecnología, industria, cultura y público. Esta transformación abre nuevas posibilidades para la creación, el consumo y la participación en la cultura mediática. 

El arte digital de Refik Anadol

Refik Anadol es un diseñador y artista de medios de comunicación turco-americano, nacido en Estambul en 1985. Estudió en la Istanbul Bilgi University y en la Universidad de California en Los Ángeles, y es especialista en fotografía y vídeo. En sus trabajos muestra que el arte y la imaginación en este siglo XXI ofrecen un universo poco explorado de posibilidades. Imágenes jamás vistas antes, colores, sensaciones, ampliación sensorial de los edificios y espacios públicos, en intervenciones resultantes de la combinación entre la mente humana y la inteligencia artificial.

Anadol, formado en arte y diseño de medios en Turquía y Estados Unidos, es pionero en lo que se conoce como estética de máquinas inteligentes, y se le considera el primer artista en utilizar inteligencia artificial en obras de arte para espacios públicos. Por ejemplo, sus obras pretenden revisar la arquitectura tradicional, en lo que el artista denomina “Living Architecture”, una arquitectura post digital que dota de nueva vida a los interiores y exteriores de edificios ya existentes sobre los que diseña fachadas e interiores digitales, creados con IA a partir de bancos de imágenes de los mismos edificios.

El turco, quien posee su propio estudio multidisciplinario (https://refikanadolstudio.com/), se ha dedicado a trabajar en varias  áreas: la arquitectura post digital, las esculturas digitales para espacios públicos y las obras digitales inmersivas y no inmersivas. Plasma allí sus experiencias trabajos con el metaverso, imágenes espaciales, imágenes de la naturaleza, neurociencia y su especialidad: pintura con data digital e IA.

Su portafolio puede revisarse en su otro sitio Web, https://refikanadol.com/. Sus obras figuran de forma permanente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (Moma), la Plaza Rockefeller de Nueva York y la Casa Batlló de Barcelona. Ha expuesto en: Walt Disney Concert Hall, Museo Hammer, Dongdaemun Design Plaza, Artechouse, El Centro Pompidou, Museo de Arte Daejeon, Bienal de Florencia, Bienal de Arquitectura de Venecia, entre otros. Es sin duda un innovador y un gran promotor de las nuevas estéticas. Pongo aquí apenas algunas imágenes de sus obras y un muy interesante video de 2020, en inglés, donde él mismo explica sus trabajos.

Agradezco a mi alumna de la maestría en comunicación social de la Universidad Central de Venezuela,  Mariel Carrillo García, por sus datos sobre Refik Anadol 

El carro policía, Ploddy, en películas de animación 3D

Pelle Politibil (conocido como Ploddy the Police Car en inglés y Ploddy el carro policía, en español) es un personaje infantil noruego y una mascota policial que aparece en varios medios noruegos. El protagonista es un coche antropomórfico con ojos a modo de faros, basado en un Volkswagen 1300 de 1973 en blanco y negro. Este personaje, creado con fines didácticos, protagonizó una serie de televisión de acción real que fue transmitida por NRK (Norsk rikskringkasting, la Norwegian Broadcasting Corporation) entre 1993 y 1997, en Noruega. Luego ha aparecido en tres largometrajes, Pelle Politibil de acción real en 2002, y Ploddy the Police Car Makes a Splash (Pelle Politibil Går I Vannet) de animación por computadora en 2009 y Ploddy the Police Car on the case (Pelle Politibil på sporet) en 2013. Sobre estas dos últimas es que me voy a centrar aquí. 

La primera película en animación 3D, Ploddy the Police Car Makes a Splash (noruego: Pelle Politibil går i vannet; en español Ploddy, el coche de policía, causa sensación) es una película noruega de comedia de aventuras animada por computadora de 2009 dirigida por Rasmus A. Sivertsen a partir de un guión de Arthur Johansen. Es la segunda película basada en el personaje infantil Pelle Politibil (Ploddy the Police Car) y la primera en ser animada. Le siguió una secuela en 2013 titulada Ploddy, the Police Car on the Case (noruego: Pelle Politibil på sporet; en español, Ploddy, el coche de policía en el caso). En la del año 2009 dos hermanos decididos a robar el suministro de agua de un pueblo causan estragos en el medio ambiente local, y Ploddy, el coche de policía de la policía local, debe intentar detenerlos. De ahí el nombre "splash".

En la del año 2013 al carro de policía se le asigna la tarea de vigilar la atracción más grande del nuevo Eagle Park en Bodø; un águila en peligro de extinción y su huevo. Sin embargo, dos ladrones roban el águila y Ploddy termina incubando el huevo debajo de su capucha, y depende de él salvar al águila mientras cuida de su bebé recién nacido. Esta fue dirigida por Rasmus A. Sivertsen y Rune Spaans, con guion de Arthur Johansen; producida por la compañía Neofilm AS de Noruega.

En ambos casos vale destacar que se le ha dado más importancia a la trama que a la propia realización, porque si bien el resultado es limpio, la estética de la animación es más bien sencilla.  Si comparamos los resultados con las películas de Disney Pixar o Dreamworks, hay una cierta diferencia, pero esa relativa simpleza le da un tono visual propio a los filmes. Claro que se usan muy bien las técnicas de movimiento, luz, reflejos, texturas y colores digitales, pero sin el detalle o exceso de otras superproducciones. Pongo aquí las imágenes y los trailers, aunque no están en español, como una curiosidad, ejemplo de un trabajo hecho con cariño y una muestra de la universalidad del lenguaje digital. 

De nuevo una opinión sobre el arte y los artistas por Gombrich

Extraigo del libro La historia del arte de Ernst Gombrich, del cual ya hice un resumen en el blog (ver  https://ciberestetica.blogspot.com/2020/11/la-historia-del-arte-de-gombrich.html), este párrafo tremendamente vigente, escrito a fines del siglo pasado:

"Al fin y al cabo, hemos regresado a nuestro punto de partida. No existe, realmente, el Arte. No hay más que artistas, esto es, hombres y mujeres favorecidos por el maravilloso don de equilibrar formas y colores hasta dar en lo justo, y, lo que es más raro aún, dotados de una integridad de carácter que nunca se satisface con soluciones a medias, sino que indica su predisposición a renunciar a todos los efectos fáciles, a todo efecto superficial en favor del esfuerzo y la agonía propia de la obra sincera". 

Y continúa afirmando que "los artistas, creemos, existirán siempre. Pero si también el arte ha de ser una realidad depende en no escasa medida de nosotros mismos, su público". Una verdad casi incontestable. 

Innovación disruptiva

En el campo de la creación y la producción se habla hoy de un modelo de transformación que cambia, de manera bastante radical, aquel hecho o producto existente, reemplazándolo y creando un nuevo público o mercado pero sin cambiar la esencia original y modificando lo ya establecido. Se aplica principalmente en el cambio de los negocios y la tecnología. Se caracteriza por generar cambios drásticos en el mercado, impactando las empresas y el comportamiento de los consumidores.

Esta visión ofrece soluciones más simples, económicas y accesibles para un público más amplio y se basa en nuevas tecnologías o modelos organizacionales para desafiar lo establecido. Claro, implica un alto nivel de riesgo e incertidumbre, ya que introduce un nuevo paradigma, pero con una buena planificación se justifica su implementación. 

La innovación disruptiva es la aplicación de nuevas ideas que conducen a la modificación de productos, servicios y procesos, generando cambios drásticos en el mercado, las empresas y el comportamiento de los consumidores. La idea es modificar productos y servicios, para dejarlos más económicos, accesibles y simples para ser consumidos. Se entiende que las ideas disruptivas son aquellas que modifican la manera como la mayoría de las personas piensa. Lo interesante es que para esto no hay ni fórmulas ni esquemas, solo maneras deferentes de abordar el pensamiento creativo. Así, conforme las soluciones disruptivas evolucionan y mejoran, pueden llegar a superar a las establecidas, desencadenando una reconfiguración completa de la industria. Es un proceso dinámico que ha sido evidente en numerosos sectores, como el de la tecnología, la salud y la educación.

Ejemplos de innovación disruptiva pueden ser la internet, que revolucionó la forma en que nos comunicamos, consumimos información y hacemos negocios; la imagen digital que cambió el cine y la televisión; la telefonía móvil, que transformó la forma en que nos comunicamos, reemplazando los teléfonos fijos. Los autos eléctricos, que están desafiando la industria automotriz tradicional con una alternativa más sostenible; las plataformas de streaming que ampliaron la industria del entretenimiento, reemplazando en parte la televisión tradicional. y, curiosamente, el ciberarte, que está haciéndonos ver nuevas expresiones artísticas en relación con la tecnología digital.

La aplicación del pensamiento disruptivo trae diversos beneficios. Permite a las empresas crear nuevos mercados, crecer y aumentar su participación en el existente. Rentabilidad, porque ofrece oportunidades para generar nuevos ingresos y optimizar costos. Y afinca la competitividad dado que ayuda a las empresas a diferenciarse de la competencia y adaptarse a un mercado cambiante.

Por supuesto que la innovación disruptiva enfrenta varios retos: la resistencia al cambio, tanto por parte de los consumidores, como de las empresas y los reguladores; el riesgo, ya que los cambios implica un alto nivel de riesgo e incertidumbre, puesto que se trata de un nuevo paradigma; y los recursos, porque se requiere de una inversión significativa en investigación, desarrollo e implementación.

La disrupción es una herramienta poderosa para las empresas y creadores que buscan crecer, puedan ser más rentables o novedosos y adaptarse a un mercado cambiante. Sin embargo, también implica un alto nivel de riesgo e incertidumbre. Es importante destacar que este enfoque no se limita a la tecnología. Puede darse en cualquier sector, desde la industria manufacturera hasta la educación, el arte o la salud.

Una recomendación de Warhol

“Debes dejar que las pequeñas cosas que normalmente te aburren de repente te emocionen”.

ANDY WARHOL (1928-1987) artista plástico estadounidense.

Un TBT musical en febrero de 2024

Hoy jueves traigo de regreso, como ThrowBack Thursday o TBT (recuerdos en jueves),  una publicación del 15 de febrero de 2014, o sea, hace 10 años, en la que pongo la letra y el video de la canción "Todo es según el color" de Rubén Blades y Willie Colón, en la que la letra hace referencia a que "todo es según el color del cristal con que se mira", una alusión a que cada uno de nosotros tiene una percepción propia y condicionada de la realidad que nos rodea. Este es el enlace a esa publicación:

http://ciberestetica.blogspot.com/2014/02/todo-es-segun-el-color.html

Un Gif por San Valentín

Es hoy 14 de febrero, día de San Valentín, día de los enamorados, del amor y de la amistad, como tradicionalmente se le nombra, Para esta celebración pongo aquí un Gif (Graphic Interchange Format) animado, encontrado en la Web y de libre uso. ¡Un abrazo!

¡Uuups! 2: La aventura continúa

Esta es la película en animación CGI que sigue como secuela a ¡Uuups! El arca nos dejó..., que reseñé ayer en el blog. ¡Uuups! 2; La aventura continúa sigue con la historia del arca de Noé que esta vez navega en mar abierto, con los mejores amigos Finny y Leah a bordo. Pero, después de semanas sin tierra a la vista, las reservas de alimentos se están agotando, por lo que la frágil paz entre animales carnívoros y herbívoros podría romperse en cualquier momento. En esta circunstancia, y después de una serie de eventos desafortunados, Finny y Leah caen por la borda, junto con los últimos suministros de alimentos. Esto les lleva a distintas situaciones y al final llegan a una extraña colonia llena de criaturas extrañamente familiares (son todos Nestrianos) que viven en armonía bajo el mar, sin saber que les amenaza un volcán a punto de hacer erupción. 

"Ooops! The Adventure Continues..." es del año 2020, con una duración de 85 minutos (casi igual a su antecesora) y fue realizada en Alemania, como coproducción entre Alemania, Irlanda y Luxemburgo, con  la participación de Ulysses Filmproduktion, Fabrique d'Images, Studio Rakete, Moetion Films, bajo la dirección de Toby Genkel y Sean McCormack, con guion de Richie Conroy y Mark Hodkinson, y la música de Craig Stuart y Eimear Noone. A pesar de que la animación es muy buena y los colores y texturas están muy bien trabajados, la película ha recibido críticas pobres. En realidad pareciera que la trama no convence a los expertos, pero al final, está hecha con calidad y cumple su objetivo: entretener.

Una particular película en CGI: ¡Uuups! El arca nos dejó...

En principio es una película muy particular no solo por el tema, que tiene que ver con el Arca de Noé, sino por su origen: es una producción alemana-luxemburguesa-belga-irlandesa, en una combinación de estudios productores que incluye Ulysses Filmproduktion, Fabrique d'Images, Skyline Entertainment, Moetion Films, Studio Rakete, The Picture Factory y Grid Animations. Realizada en 2015, la trama sigue a dos criaturas que no se subieron al Arca de Noé en el momento del diluvio. Ooops! Noah is Gone... (titulada en Latinoamérica como "¡Uuups! El arca nos dejó" y en España como ¡Upsss! ¿Dónde está Noé?) fue dirigida por Toby Genkel y Sean McCormack, con música de Stephen McKeon.

En la historia vemos que se acerca el Diluvio Universal y Noé ha construido un gran arca para salvar a una pareja de cada especie animal, pero dos Nestrianos (una colorida y rara especie), padre e hijo, no son admitidos a entrar. La ayuda involuntaria de dos Grymps (otra especie extraña), madre e hija, les permite colarse en el barco. Sin embargo, los niños de ambos, Finny y Leah, acaban cayéndose de la nave y tendrán que aprender a sobrevivir y trabajar en equipo para llegar a la cima del monte, mientras sus padres intentarán desviar el curso del arca para poder salvarles. Ciertamente, si bien la idea de mostrar el diluvio desde el punto de vista de los animales es interesante, la película no pasa de ser un entretenimiento sencillo, con la moraleja de que hay que trabajar siempre en equipo, sin ir más allá en otros elementos que han podido ser más llamativos. En todo caso tiene una muy buena animación, un uso adecuado de los colores y un buen ritmo para sus 86 minutos de duración. 

La Neoestética

Muchas veces cuando se habla de "estética" se piensa en la estética del cuerpo, en la cirugía estética y reconstructiva y en tratamientos de belleza. Es cómico ver cómo se pone la palabra "estética" en los buscadores Web y usualmente aparecen  miles de referencias a esta forma de "estética": operaciones, tratamientos, botox y otras formas de afectación del cuerpo y la cara. Pues bien, dentro de esa acepción ligada a la transformación corporal para lograr ciertos patrones de belleza, aparece la llamada "Neoestética". Consulté a Gémini (antes Bard), el formato de inteligencia artificial de Google sobre este término y me apareció todo esto (copio y pego):

"La neoestética es un enfoque moderno de la medicina estética que se centra en la individualidad y en el bienestar integral. A diferencia de la estética tradicional, que se centraba en corregir imperfecciones y lograr un ideal de belleza universal, la neoestética busca potenciar la belleza natural de cada persona y mejorar su calidad de vida.

Principios de la neoestética:

    Enfoque holístico: Se considera la salud física, mental y emocional del individuo. 

    Personalización: Los tratamientos se diseñan a medida para las necesidades y objetivos de cada persona. 

    Prevención: Se apuesta por técnicas que previenen el envejecimiento y mantienen la salud de la piel.

    Naturalidad: Se busca un resultado natural y armonioso, sin exageraciones. 

    Tecnología de vanguardia: Se utilizan las últimas tecnologías para ofrecer resultados seguros y eficaces.

Algunos ejemplos de tratamientos neoestéticos:

• Medicina estética facial: Rellenos faciales, toxina botulínica, láser, fototerapia, etc.
• Medicina estética corporal: Remodelación corporal, tratamiento de la celulitis, eliminación de grasa localizada, etc.
• Nutrición y dietética: Planes personalizados para mejorar la salud y el bienestar.
• Psicología: Coaching y terapia para mejorar la autoestima y la confianza en uno mismo.

Beneficios de la neoestética:

1. Mejora la autoestima y la confianza en uno mismo.
2. Aumenta el bienestar general.
3. Previene el envejecimiento y mantiene la salud de la piel.
4. Ofrece resultados naturales y armoniosos.
5. Se adapta a las necesidades y objetivos de cada persona.

En resumen, la neoestética es una nueva forma de entender la belleza que se centra en la individualidad, la prevención y el bienestar integral".

Como vemos, hay realmente toda una visión nueva de lo que se entiende por estética en este campo de la medicina, la percepción de lo bello y las realizaciones personales. Esto es neo estética, nada que ver con filosofía, psicología, historia, arte o sociología. ¿Cultura? Tal vez...

El artista y su libertad, según Lefebvre

En su libro de 1970, Contribución a la estética, el autor francés Henri Lefebvre aborda el asunto de la estética y su comprensión desde el punto de vista de la teoría del conocimiento y con un enfoque crítico, tomando como referencia varias teorías dialécticas. Uno de los temas que trata tiene que ver con el artista y su relación social en la obra que realiza. Con esto en mente, afirma:

"El artista, el creador en arte, es fundamentalmente libre. Pero esta palabra, libertad, debe tomarse concretamente, no de manera abstracta. El artista no puede suspender, por decreto de su libertad, las condiciones y límites de su tiempo y de su clase. Su trabajo es libre; y no puede sino serlo, en el sentido que necesariamente supera los marcos sociales del trabajo no estéticamente creador, marcos que normalmente fijan las tareas de cada trabajador, en su lugar y su papel en la división del trabajo. Su sensibilidad no puede constreñirse; le es necesario superar por un impulso vital los límites de la sensibilidad no creadora".

De aquí saca otra conclusión, que es que toda teoría del arte debe tener en cuenta esa subjetividad del artista, que implica una necesidad de realización. Esta necesidad está ligada a su condición en su sociedad y a su condición dentro del mundo. 

Una frase sobre el pasado por James Stephens

"Deja que el pasado esté contento consigo mismo, ya que el hombre necesita del olvido y de la memoria". 

James Stephens (1880-1950), novelista y poeta irlandés.

Bioarte en placas de Petri

Un buen ejemplo de lo que vimos en las dos últimas publicaciones aquí, el bioarte y su estética, lo tenemos en las obras realizadas en las llamadas placas de Petri. La placa de Petri es un recipiente redondo de cristal con una tapa de la misma forma, para que se pueda colocar encima y cerrar el recipiente, aunque no de forma hermética y es usado para pruebas químicas y de laboratorio. Sobre estos contenedores se logran representaciones visuales muy interesantes, con una técnica llamada Agar Art (El agar es una sustancia con carbono y glucosa, un polisacárido sin ramificaciones obtenido de la pared celular de varias especies de algas), que se ha hecho ya reconocida desde hace unos diez años.

Ese Agar Art entonces es el arte creado a partir del cultivo de microorganismos en placas de Petri que son utilizadas como lienzos. Imágenes efímeras, formadas por bacterias intervenidas biotecnológicamente con modificaciones genéticas, que develan paletas de colores imposibles en lienzos ínfimos. La American Society for Microbiology realiza un concurso internacional anual, desde el año 2015, para fomentar y difundir esta especialidad del bioarte.

Así el Agar Art se presenta como una disciplina atractiva para acercar al público al arte y a la ciencia simultáneamente. La idea de pintar con microbios es muy llamativa principalmente por la sencillez del método y debido a  los resultados visuales que pueden derivarse de esta técnica multidisciplinaria, donde tanto científicos como artistas han colaborado en numerosas ocasiones, para llevar el arte y la ciencia a la sociedad de una manera atractiva. 

Pongo aquí apenas algunas imágenes de estas creaciones y un video en inglés con subtítulos en español en el que se explica el proceso y se muestran los resultados de esta curiosa forma artística contemporánea.