"Internet ha convertido lo que solía ser un mensaje controlado y unidireccional, en un diálogo en tiempo real con miles de personas".
DANIELLE SACKS, periodista estadounidense, editora de la revista digital Marker.medium.com, y antes de Inc. magazine.
En la primera quincena de marzo de 2020, la Organización Mundial de la Salud, OMS, dictaminó que el coronavirus aparecido en Wuhan, China, en octubre de 2019, que se estaba regando por el mundo, era una amenaza real para toda la humanidad. Por eso declaró como pandemia a la propagación y amplitud del alcance del COVID-19. Desde hace un año, esa condición de pandemia no ha cambiado. El COVID-19 ha cobrado millones de vidas y ha trastocado la forma en que llevamos nuestro día a día.
Entre las actividades que más se ven afectadas están las relacionadas con el entretenimiento. El confinamiento ha limitado la frecuencia a los restaurantes, las idas al cine o al teatro, las visitas a los museos. Esto último con todo y los intentos que se hacen para mantener activas esas instituciones. Los museos del mundo llevan ya tiempo buscando nuevas formas de atraer público, de hacer más interesantes las exhibiciones, y han incorporado las redes sociales a sus elementos. Pero ahora con esta pandemia han debido intensificar estas estrategias.
En primer término, los sitios y portales Web de los grandes y famosos museos se han convertido en lugares de entretenimiento virtual. Todos se preocupan ya no solo en mostrar sus obras capitales, sino también en generar paseos, visitas o exposiciones en 3D para mantener el flujo de visitas digitales. Es en esa dirección es que también se han enfocado las redes sociales que se les relacionan. Páginas en Facebook, publicaciones en Twitter, videos en YouTube, imágenes en Instagram se combinan para tratar de atraer y mantener a un público que por ahora está apartado de estos espacios.
La crisis económica que los cierres implican es grave, y se están intentando nuevas maneras de buscar recursos para mantener esas instituciones. Pero sin duda, es el ciberespacio el recurso que hoy está activo con mayor posibilidad de éxito, y renovar esa opción es fundamental. Por lo tanto es interesante ver qué se está haciendo en esa dirección. En otras publicaciones estaré entonces haciendo algunas reseñas sobre las redes sociales y los sitios web de algunos museos del mundo y su efectividad. Aquí pongo dos enlaces que dan una perspectiva sobre este asunto.
Hoy: un poco de humor. Una viñeta hallada en la Web. A todos nos pasa (nada de ciberestética).
En Venezuela, a las palomitas de maíz (popcorn, en inglés), se les dice cotufas, así como en Argentina se les llama pochoclo. En fin, este que hoy pongo aquí es un corto de animación 3D en CGI, realizado durante el año 2018 en la Academia PrimerFrame, escuela de alto rendimiento enfocada al diseño de videojuegos y a la industria de la animación ubicada en Valencia, España. Fue dirigido por Sergi Vizcaino, con producción de Carlos Escutia; modelos y texturas por Marina Calderón y diseño, animación y caracterización de Fran Valle. En la trama vemos a Marley, una palomita atrapada en un dispensador de un cine, que hará lo que sea para cumplir su sueño infantil de ver una película en la gran pantalla. Con una muy buena animación y estética propia, el video se hizo acreedor de múltiples reconocimientos en 2019.
"El estilo de una época no significa formas especiales en un arte especial cualquiera; cada forma es solo uno de los muchos símbolos de la vida interior, cada arte participa únicamente del estilo. Pero el estilo es el símbolo del sentir total, de la entera concepción de la vida de una época y se muestra únicamente en el universo de todas las artes".
PETER BEHRENS (1868-1940), arquitecto y diseñador alemán.
La última de las doce fotografías que he seleccionado para conformar las docena que desde mi punto de vista son las más notables del siglo XX y que han sido ampliamente difundidas, es la que se conoce como "El hombre del tanque". Por supuesto que mi lista es tan subjetiva como cualquier otra, pero no hay duda de que esta imagen tuvo un gran impacto en su momento.
En los primeros días de junio de 1989, la capital china, Pekín, se vio conmocionada por ciertas protestas que iban en aumento, en reclamo e mayor libertad y democracia, cuando el día 4, en la Plaza de Tiananmen, el ejército reprimió de manera brutal las manifestaciones que allí se estaban llevado a cabo, casi todas lideradas por estudiantes. El 5 de junio, poco antes de mediodía, y al día siguiente de esa acción sangrienta contra la que se llamó "Primavera de Pekín", un joven desconocido se atrevió a bloquear la progresión de una columna de tanques del Ejército Popular de Liberación que se dirigía hacia el mismo lugar. Solo, vestido con una camisa blanca y un pantalón oscuro, con una bolsa en cada mano, se plantó en medio de la inmensa avenida de la Paz Eterna que bordea la plaza Tiananmen, ya desalojada de los estudiantes que soñaban con la democracia.
En varias ocasiones, el tanque a la cabeza de la columna trató de esquivar al manifestante. Pero cada vez que esto hacía, el hombre volvía a colocar en su camino. Luego el “hombre del tanque” inició un diálogo con el piloto del vehículo, antes de que se lo llevasen unos desconocidos. Realmente nunca pudo ser identificado con certeza, y tampoco se sabe su destino. Por supuesto que el gobierno chino se hizo el desentendido, y de hecho durante años en el país asiático no se supo de este hecho.
La imagen la tomó el fotógrafo estadounidense Jeff Widener, de la agencia Associated Press, desde el balcón de su habitación en el Hotel Pekín a 200 metros de distancia de la plaza, con una cámara Nikon y una lente de 300 mm. Aunque no fue el único testigo en fijar la imagen del “hombre del tanque”, su foto es la que se publicó en todo el mundo, salvo en China, naturalmente. America on Line (AOL) la eligió como una de las diez imágenes más célebres de todos los tiempos. Widener, confiesa haber desarrollado con el tiempo “una relación de amor y odio” con su propia foto, cuyo impacto disparó su reputación pero también ensombreció el resto de su trabajo, “finalmente, acepté el lugar que tomó el hombre del tanque en mi vida”. Según él, es un poco como el soldado desconocido, que nos recordará siempre la importancia de la libertad, de la democracia y de nuestro derecho a la dignidad.
Creo que esa es una de las cosas que nos deja esta imagen, una rebeldía pacífica, la cual es una declaración, una muestra de valor que a veces sorprende a todos. También está la filmación en video de este hecho, que la pongo aquí en esta publicación. Con esta concluyo la secuencia de 12 fotos notables que contienen, según mi opinión, un variado campo temático, estético y simbólico, muy trascendente históricamente, hoy mucho más conocidas gracias a la World Wide Web.
Hoy ya se sabe que Kim Phuc Phan Thi es la "niña del Napalm", retratada en la tremenda fotografía de 1972, tomada por el joven fotógrafo de Associated Press, Nick Ut (vietnamita, de nombre completo Huynh Cong Ut), que impactó al mundo por su crudeza y dramatismo. La protagonista presentó un libro, Salvada del infierno, editado en francés en 2019, que escribió para contar el camino espiritual que la llevó a alcanzar una vida serena tras aquellos acontecimientos. Es la protagonista circunstancial de la foto número 10 de mi lista de 12.
En 1972 la guerra de Vietnam se encontraba en su momento más brutal. El terror afectaba a grandes y pequeños por igual. Niños huían despavoridos al oír el breve rugido de los aviones, y sus padres no decidían ni sabían muy bien cómo protegerlos. Varios de esos aviones habían despegado la mañana del 8 de junio de ese año. Nick Ut, fotógrafo que a la sazón tenía 21 años, salió en su camioneta de la AP para capturar el bombardeo de las naves sobre supuestos escondites del Vietcong comunista. En Vietnam del Sur, cerca a Trang Bang, Nick observó las bombas, escuchó las explosiones y creció la nube de fuego que se provenía del napalm, acrónimo de ácido nafténico y ácido palmítico, una especie de gasolina gelatinosa altamente combustible.
Entre las víctimas que salieron corriendo del cercano templo de Cao Dai, se encontraba Kim Phuc, niña que tenía nueve años y que tuvo que huir desnuda mientras gritaba por las graves quemaduras que mostraba su frágil cuerpo. Nick Ut capturó el momento, puso su cámara a un lado y se acercó a la niña. Le ofreció agua, y vertió más sobre sus heridas. Luego la subió a su camioneta de la AP y se dirigieron al hospital más cercano, que en principio no quiso atenderla, pero ante la presión del fotógrafo, accedió y le salvó la vida.
Como la Agencia AP era muy importante, la foto pronto alcanzó gran repercusión en los medios internacionales. Es probable que esta imagen haya sido uno de los disparadores más grandes del rechazo a esta confrontación, que finalizaría en 1975, con una derrota de las fuerzas estadounidenses. En su momento, el presidente Richard Nixon afirmó que era falsa, pero en 1973 se le concedió a Nick Uy el premio Pulitzer, con lo que ya no cabía dudas. Mientas, la niña permaneció internada 14 meses, durante los cuales sería sometida a un total de 17 operaciones de injertos de piel con el objetivo de rehabilitar su cuerpo de las quemaduras sufridas durante el ataque con napalm. Nick Ut la fue a ver varias veces después, para acompañarla, y ese compromiso humando también quedó registrado. Por fortuna, a pesar de todo, la pequeña Kim Phuc rehízo su vida hoy es una feliz madre de familia.
El 20 de julio de 1969, los astronautas estadounidenses Neil Armstrong (primero) y Edwin "Buzz" Aldrin (unos minutos después) salieron del Módulo Lunar Eagle, y realizaron la primera caminata que hiciera un ser humano sobre la superficie lunar. Ambos estuvieron alrededor de dos horas cumpliendo diversas misiones técnicas y científicas, recogiendo muestras y tomando fotografías. Se pudo ver gran parte de esta misión por televisión en vivo, lo cual fue también todo un hito.
Armstrong fue el primer hombre en dejar huellas en La Luna. Cuando Aldrin salió, Armstrong le tomó una fotografía con su cámara especialmente diseñada y adosada al pecho del traje espacial, misma que resultó ser la primera fotografía tomada por una persona a otra persona en la superficie de un cuerpo celeste distinto a La Tierra, en la historia.
Si bien es cierto no fue una fotografía tomada por un profesional, la sola circunstancia del hecho y su significado, justifican, para mí, que esté entre las 12 fotos más notables del siglo XX. Todo lo que representa, lo que implicó y lo que nos ha dejado, tiene aún hoy trascendencia. Sobre el viaje del Apollo 11 y su tripulación, que incluía al comandante del módulo de servicio, Michael Collins, que orbitaba La Luna solo mientras el Módulo Lunar permanecía en la superficie (un lapso de poco más de 21 horas), hay cantidad de información, que no pondré aquí. Solo muestro la imagen, que para la humanidad, es un recordatorio de lo que podemos hacer si hay disposición.
Casi 20 años duró el conflicto político y bélico entre las fuerzas opuestas ideológicamente en la nación de Vietnam, que entre 1965 y 1975 vio a su dividido territorio ser escenario de una cruenta guerra que cambió algunos aspectos de la cultura mundial con sus consecuencias geopolíticas, humanas y económicas. Uno de los problemas que se manifestaron, entre muchos, fue el religioso. En Vietnam había budistas, hinduistas, protestantes, católicos, musulmanes y, por supuesto, comunistas ateos. En 1963 se presentó una situación muy tensa, otra de las tantas que hubo en Vietnam es ese período: el gobierno católico de Ngo Dinh Diem (en la parte sur, aliado de los EE.UU.), desató una dura represión para impedir la celebración budista de Phat Dan -la existencia e iluminación de Gautama Buda- en la ciudad de Hue, por considerarla impropia dentro de la situación de guerrilla que se estaba viviendo. Los budistas desatendieron las advertencias y se hizo la celebración, pero el evento terminó convirtiéndose en una multitudinaria protesta, por lo que el ejército sacó vehículos blindados a las calles para restaurar el orden, mientras que algunos efectivos lanzaban granadas y abrían fuego contra la multitud. La violenta jornada terminaría con nueve personas muertas, y decenas de heridos.
Este hecho molestó a la población, que un gran porcentaje se identificaba con el budismo, y movió la fibra de los monjes budistas, quienes entonces publicaron una lista con varias demandas donde exigían igualdad religiosa y justicia para los muertos, mientras preparaban un acto simbólico para manifestar su malestar por el actuar del gobierno de Diem. Este no sólo no asumió la responsabilidad de lo ocurrido, sino que culpó al Vietcong (la parte del norte) por las muertes, generando un mayor número de protestas. El 11 de junio de 1963 se produjo una concentración de más de 300 monjes budistas frente a la embajada de Camboya, desde donde partieron en procesión hacia el centro de Saigón, y cuando la procesión llegó a unos a metros del Palacio Presidencial, tres monjes que viajaban en un carro auto azul se bajaron y uno de ellos colocó un cojín en la vía mientras que un segundo monje sacó del baúl del auto un bidón de gasolina de varios litros. Mientras los manifestantes formaban un círculo a su alrededor, el tercero, Thich Quang Duc, de 67 años, que había pasado tres años viviendo en total aislamiento como un eremita en las montañas de Vietnam, se sentó con parsimonia en la posición budista tradicional –la posición de loto- sobre el cojín, y dejó que le vaciaran toda la gasolina sobre su cuerpo. Ahí Duc recitó las palabras "Nam mô A di đà Phật" (homenaje a Buda) y encendió un fósforo que dejó caer sobre sí mismo. En ese momento las llamas tomaron su ropa, su piel y su cuerpo, despidiendo un humo oscuro y aceitoso, mientras una insólita expresión de paz emanaba de su rostro.
El fotógrafo Malcolm Browne, jefe de la agencia Associated Press en Saigón, que estaba con el periodista David Halberstam, del periódico “The New York Times, fueron testigos del acontecimiento. La muchedumbre que estaba presenciando el acto quedó perpleja, mientras Browne, recuperándose de la impresión, comenzaba a tomar frenéticamente varias instantáneas con su cámara fotográfica, consciente de que estaba siendo testigo de un momento histórico.
Lo más impresionante fue que mientras se quemaba no movió ni un músculo, no pronunció ni un sonido, su compostura contrastaba con los lamentos de las personas a su alrededor. Unos 10 minutos más tarde, el cuerpo del monje cayó repentinamente hacía atrás, sobre su espalda. Se fue apagando poco a poco, en tanto otro monje repetía en vietnamita e inglés con un micrófono la siguiente letanía: "Un sacerdote budista se ha quemado hasta la muerte. Un sacerdote budista se ha convertido en mártir". Cuando las llamas disminuyeron, un grupo de monjes cubrieron el cadáver humeante de Thich Quang Duc con una túnica amarilla y lo trasladaron a una pagoda cercana en el centro de Saigón.
Malcolm Browne se las arregló para mandar a Estados Unidos el rollo de película que había tomado, gracias a un pasajero de un avión que había accedido a sacar de contrabando los negativos de sus fotos. Al día siguiente, la impactante imagen del monje budista quemándose a sí mismo se tomó las portadas de los diarios de casi todo el mundo y de todas las agencias de noticias, marcando un punto de inflexión que precipitaría el inminente colapso del gobierno de Diem. Esto también tuvo su peso en el conflicto interno de Vietnam, que en pocos años se tornó en una cruenta guerra que trajo otras consecuencias en el mundo. La fotografía le valió a Malcolm Browne el premio Pulitzer de 1964.
Esta fotografía tal vez no haya tenido una difusión tan amplia como las demás de esta lista de 12 que estoy desarrollando, pero como venezolano no puedo dejar de destacar esta imagen y a su autor. Se trata de la foto del sacerdote y el soldado herido durante el golpe contra el gobierno del presidente Rómulo Betancourt, llamado "El Porteñazo", en 1962, que ganó el premio Pulitzer de 1963.
El 2 de junio de 1962 le asignaron al fotógrafo venezolano Héctor Rondón Lovera cubrir un alzamiento cívico-militar que se producía en la Base Naval de Puerto Cabello contra el gobierno de Betancourt. Aquel día Héctor se dirigió en compañía del periodista José Salvador Rojas al lugar de los acontecimientos en busca de la noticia. Los acontecimientos fueron dramáticos, y las fotografías de esa jornada son el reflejo de una masacre donde perdieron la vida unas 400 personas y cerca de 300 resultaron heridas. La fotografía de un sacerdote auxiliando a un soldado, que también fue ganadora del Premio World Press Photo 1962, tuvo un impacto importante en el mundo, porque mostró una cara descocida del país. En Venezuela, además de lo que significó noticiosamente, representó un reconocimiento único, porque Rondón era el primer fotógrafo de su nacionalidad que ganaba tales premios. Una imagen impresionante, sin duda.
Aunque el título original de la sexta fotografía en mi lista de las 12 notables del siglo XX es "Guerrillero Heroico", es mayormente conocida como "Che Guevara", simplemente. Es una muy reconocida foto en la que aparece Ernesto "Che" Guevara con boina negra mirando a lo lejos. La foto fue tomada por Alberto Díaz (Korda) en 1960. Korda fue un reconocido fotógrafo cubano, identificado con la Revolución de su país, que registró muchas de las escenas de aquel momento histórico. Esa imagen del Che fue tomada el 5 de marzo de 1960, durante el entierro de las víctimas de la explosión de La Coubre, un buque de origen francés que fue objeto de sabotaje en el puerto de La Habana el 4 de marzo de 1960 cuando transportaba armas y municiones.
La foto fue difundida siete años después. El Instituto de Arte de Maryland en Estados Unidos la denominó Korda's photo, "La foto de Korda": "La más famosa fotografía e icono gráfico del mundo en el siglo XX", según ellos. Posteriormente, fue editada para generar una igualmente famosa imagen en dos colores, generalmente en blanco y negro, en la que se contrastan los rasgos del rostro; dicha imagen fue creada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick. Esa es la que más se ha difundido, aunque es solo una parte de la foto original. Finalmente, un pintor plagió la imagen creada por Fitzpatrick y con ella imitó el estilo del también famoso cuadro de Marilyn Monroe de Andy Warhol para comerciarla con su firma en forma de póster.
En realidad empezó a hacerse famosa unos siete años después, tras la muerte del Che en Bolivia, cuando un editor italiano, Giangiacomo Feltrinelli, se hizo con los derechos para publicar el Diario del Che en Bolivia e imprimió la imagen en un gran afiche como parte de la promoción del libro. De ahí en adelante la industria cultural se apropió de esa imagen y ha aparecido en incontables afiches, camisetas, tazas, calcomanías y todo tipo de material visual, generando una nueva estética que identifica al hombre revolucionario.
Albert Einstein, el famosísimo científico alemán, nació un 14 de marzo, en 1879; en 1921 obtuvo el Premio Nobel de Física y en 1932 emigró a los Estados Unidos, donde moriría en 1955. En la noche del 14 de Marzo de 1951, a la salida del club social The Princeton Club de Nueva York, donde se celebraba el 72 cumpleaños de Einstein junto a alumnos y profesores, un grupo de fotógrafos le esperaba en la puerta para conseguir una instantánea del científico. Tras soportar pacientemente la improvisada sesión de fotos, entró en el carro mientras los reporteros insistían en seguir haciéndole más y más fotos. Molesto y cansado, dijo ya basta, y no se le ocurrió otra cosa que sacarles la lengua. Entre todos los periodistas solo uno capturó la divertida instantánea, Arthur Sasse.
Puede que en comparación con otras imágenes más dramáticas, esta sea algo trivial o ligera, pero considero que poder ver a un genio tan notable, que tuvo una vida tan particular y que es tenido como el científico más importante del siglo XX, en una actitud tan divertida, es un hecho único. De hecho, con los años la imagen se reproduciría millones de veces en posters, tazas, revistas y ahora en la Web, convirtiéndose en todo un icono. Aquí pongo la secuencia completa de las dos fotos que muestran el acontecimiento en contexto.
La cuarta de las fotografías que he seleccionado para estas 12 notables del siglo XX, es "El beso en Times Square", de 1945, Alfred Eisenstaedt. Curiosamente en esta lista hay dos fotos de ese año 1945, ambas ligadas a la Segunda Guerra Mundial y a los EE.UU. En esta imagen los protagonistas, una enfermera y un marino, celebran con un apasionado beso el triunfo definitivo de las tropas estadounidenses sobre las fuerzas japonesas en agosto de ese año. Ha quedado como un momento emotivo, a pesar de que ambos nos se conocían. En realidad eran dos completos desconocidos que se dejaron llevar por el furor de la emoción por el fin de la guerra.
Eisenstaedt, originario de Prusia, contó esto: "En Times Square durante el día de la victoria, vi a un marinero a lo largo de la calle que agarraba a todas y cada una de las chicas que se ponían a su alcance. Tanto si pudieran ser su abuela, fueran altas, delgadas o viejas, no hacía distinción. Fui corriendo atrás mirando por encima del hombro con mi Leica pero ninguna de las tomas que hacía me agradaba. De repente, como un destello, vi algo que se me grabó. Me di la vuelta y capturé el momento justo en que el marinero besó a una enfermera. Si ella hubiera llevado un vestido oscuro jamás me habría dado cuenta. Nunca habría disparado la toma, o si el marinero hubiera llevado uniforme blanco, lo mismo. Realicé cuatro tomas. Fue en apenas unos segundos".
Hay otra foto con el mismo espíritu, también famosa: "El beso en París", del francés Robert Doisneau, hecha en 1950. Fue portada de la revista Life, y durante mucho tiempo se pensó que fue tomada de forma espontánea; sin embargo sus protagonistas eran dos estudiantes de arte dramático a quienes, tras descubrirlos en un café de Paris, Doisneau pidió que se besaran apasionadamente para ser fotografiados. Sin embargo, ello no impide que la fotografía sea igual de magnífica y evocadora.
"Alzando la bandera en Iwo Jima" (en inglés Raising the Flag on Iwo Jima) es el nombre que se le da a la tercera fotografía que forma parte de mi lista de 12 que son, para mí, las más notables del siglo XX. Esta es una imagen histórica tomada el 23 de febrero de 1945 por Joe Rosenthal, en la isla de Iwo Jima, Japón, que muestra a cinco marines de los Estados Unidos y un médico de la Armada, alzando la bandera estadounidense en el monte Suribachi durante la batalla de Iwo Jima de la Segunda Guerra Mundial.
Rosenthal trabajó primero, de joven, en un periódico de San Francisco en 1930 y en 1932 comenzó en el San Francisco News como reportero y fotógrafo. Trabajó para diversos medios y agencias de noticias. Sus más celebradas aportaciones serían con Associated Press durante la Segunda Guerra Mundial y en el San Francisco Chronicle, donde permaneció por 35 años. Esta foto famosa está bien documentada y está cargada de un gran simbolismo.
El 17 de julio de 1936 es considerada la fecha de inicio de la Guerra Civil española, que duraría 2 años, 8 meses y 15 días, hasta el 1 de abril de 1939. El 5 de septiembre de 1936, un mes y medio después de que comenzara esa contienda, un miliciano anarquista de 25 años, murió en un cerro cordobés de un balazo disparado por un francotirador marroquí. A muy pocos metros, metido en una trinchera, un fotógrafo húngaro de 23 años disparaba su cámara en el mismo segundo, apuntando al mismo soldado. El miliciano, Federico Borrell, murió en el aire; el fotógrafo, Robert Capa, se escondió en la trinchera sin saber que acababa de hacer la que probablemente sea la más famosa foto de esa Guerra Civil. Unos minutos después se volvió a levantar para retratar a otro anarquista que también moriría en la misma refriega.
En la publicación de ayer presenté un listado de aquellas que considero las 12 fotografías más difundidas y relevantes, de una forma o de otra, del siglo XX. En líneas generales son fotos documentales pero a su vez con una arte y una composición destacada. Algunas son absolutamente espontáneas, otras son de alguna manera previstas, pero en ningún caso están hechas en estudio o con una extensa planificación previa. El primer ejemplo que muestro es de 1932: el "Almuerzo en el rascacielos".
Lunch atop a Skyscraper, en blanco y negro, fue tomada durante la construcción del Edificio RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, Estados Unidos, en 1932, que desde 1988 se conoce como GE Building. Es común el error de identificar la fotografía con la construcción del Empire State, que fue terminado un año antes. La imagen muestra a once trabajadores de la construcción almorzando, sentados en una viga con los pies colgando a unos 260 metros de altura sobre las calles de Nueva York. Los trabajadores no tienen ningún sistema de seguridad ni arnés, por lo que la foto es un fiel reflejo de la situación laboral en Estados Unidos durante lo que se conoció como la Gran Depresión.
Como esa foto fue comisionada, no se hizo el registro oficial del fotógrafo, porque no era costumbre asignarle la autoría del trabajo al profesional contratado. Por eso durante años se consideró de autoría anónima, pero tras algunas investigaciones, hace unos 20 años se logró identificar a su posible autor: Charles Clyde Ebbets, quien laboraba para la agencia de publicidad Hamilton Wright Jr., que se sabe que fue contratada por el Rockefeller Center en ese año para ayudar con las relaciones públicas del proyecto. Fue publicada por primera vez el suplemento dominical del New York Herald Tribune, el 2 de octubre de 1932 y desde ese entonces se ha convertido en una imagen icónica de lo que fue la realidad estadounidense en esa época.
En un texto del profesor francés de la Universidad de La Sorbonne de París, Claude Chabrol, titulado ¿En qué se reconoce como "artística" una fotografía en el siglo XX? (2007), leí la siguiente afirmación, referida a la actividad del fotógrafo y la captura del instante pregnante: "este instante ya no es el del diario o del documento social que tomaba sentido por su anclaje por parte de una actualidad, o por un recorrido de reflexión social o de acción política, sino el de una representación intemporal que que apunta a alcanzar la esencia del acontecimiento, mediante el cual se volvería capaz de simbolizarlo para todos y en todos los contextos". La lectura de este trabajo me llevó a pensar en esa permanente interacción entre la fotografía como arte, como documentación y como comunicación. Tengo muchos amigos que trabajan como fotógrafos o como investigadores de la imagen fotográfica, y sé que estas discusiones son siempre muy animadas (y polémicas). Pensé entonces en aquellas fotos que siendo impactantes como documento son también imágenes muy bien elaboradas, con un fuerte mensaje, y recordé que hace varios años ya yo había hecho una lista de una docena de obras (edificios, pinturas y esculturas); por lo que me inspiré para hacer un recuento de las que creo son las 12 fotografías más notables del siglo XX. Ya una vez hice una publicación con algunas de esas fotos replicadas en Lego, pero ahora estableceré un listado, con el detalle de cada una. Elegí solo las del siglo XX porque estamos muy cerca del inicio del XXI para apreciar las recientes y muy lejos del XIX para tomarlas en cuenta. Son fotos que tienen autor, fecha y registro bastante claro de sus circunstancias. Aquí el listado, en orden cronológico:
1.-Almuerzo en el rascacielos, por Charles Clyde Ebbets (1932)
2.-El soldado caído, por Robert Capa (1936)
3.-Subiendo la bandera en Iwo Jima, por Joe Rosenthal (1945)
4.-El beso en Times Square, por Alfred Eisenstaedt (1945)
5.-El cumpleaños de Einstein, por Arthur Sasse (1951)
6.-El Ché Guevara, por Alberto Korda (1960)
7.-El Porteñazo, por Héctor Rondón Lovera (1962)
8.-El monje en llamas, por Malcolm Browne (1963)
9.-Buzz Aldrin en La Luna, por Neil Armstrong (1969)
10.-La niña del napalm, por Huynh Cong Ut (1972)
11.-La joven afgana, por Steve McCurry (1984)
12.-El hombre del tanque, por Jeff Widener (1989)
Por supuesto esta es una selección subjetiva, como cualquier otra, y 12 es un número elegido simbólicamente, pero creo que esta secuencia incluye, sin duda, imágenes muy relevantes y que están en la memoria de muchos de nosotros. El orden no es relevante. Ya en este blog he mostrado algunas de las fotografías pioneras en el siglo XIX. Abajo pongo mis publicaciones anteriores sobre "las docenas" nombradas, igual de subjetivas, pero que para mi son una referencia.
https://ciberestetica.blogspot.com/2011/05/los-12-edificios.html
https://ciberestetica.blogspot.com/2011/09/las-12-esculturas.html
https://ciberestetica.blogspot.com/2012/01/las-12-pinturas.html
https://ciberestetica.blogspot.com/2014/02/fotografias-muy-famosas-recreadas-con.html
"Las palabras del año pasado pertenecen al lenguaje del año pasado. Las palabras del próximo año esperan otra voz".
Thomas Stearns Eliot (1888-1965) Poeta, dramaturgo, crítico literario y editor angloaméricano. Uno de los líderes del movimiento modernista en poesía.
Nacida en 1945, la artista canadiense Heather Cooper aporta una perspectiva contrastante y una voz femenina al movimiento de diseño modernista en Canadá. Mejor conocida por su reconocido castor Roots, Cooper se distinguió por sus exquisitas habilidades de pintura y cautivadores diseños que extraían la imaginación de la naturaleza. Desde sus inicios en la década de 1960, la estética distintiva de Cooper fue ampliamente aceptada por corporaciones e instituciones culturales en todo el país, sobre todo la marca minorista Roots y la Ópera Canadiense. Lleva décadas ilustrando libros, diseñando campañas publicitarias y haciendo arte visual, y ahora ha llevado su trabajo a la Web. Si bien no es una artista digital, vale la pena destacarla por la influencia que ha tenido y el aporte que ha hecho como referencia para el trabajo de las nuevas generaciones de artistas visuales del diseño gráfico. Su sitio en Pinterest: https://www.pinterest.ca/age425/artist-cooper-heather/.
