Frase de Kant sobre la inteligencia

"Se mide la inteligencia de un individuo por la cantidad de incertidumbres que es capaz de soportar".

 Immanuel Kant (1724-1808),  filósofo prusiano de la Ilustración.

Otro paisaje ficticio con técnica digital

Aquí hay otra imagen encontrada por internet, realizada con técnicas y programas informáticos, con el tema de un paisaje ficticio. Es una fantasía como ejemplo de arte digital en la Web. 

Artes autográficas y artes alográficas (2/2)

En la publicación anterior vimos una interesante forma de distinción que permite clasificar las obras de arte según su forma de reproducción y percepción. Nelson Goodman, filósofo estadounidense, llama la atención sobre un problema peculiar en la filosofía del arte: ¿por qué es que una pintura puede ser falsificada mientras que una pieza musical no se puede? Después de verificar que efectivamente hay una importante diferencia estética entre un original y una falsificación y de clarificar su naturaleza, Goodman sugiere una respuesta a la pregunta. Esta es que las obras en una forma de arte pueden ser falsificadas si y solo si no hay una notación posible para especificar cuáles son y cuáles no son obras auténticas. En otras palabras, una pieza musical se puede escribir como una partitura, por lo que cualquier interpretación que corresponda adecuadamente a la partitura se considera auténtica; no hay tal notación para definir qué es y qué no es una instancia auténtica de una pintura, por lo que una pintura puede ser falsificada.

Esta diferenciación es la que determina cuándo hablamos de autográficas o alográficas. Las artes autográficas dependen de la materialidad única y la historia de producción de cada obra, lo que impide la existencia de copias idénticas, mientras que las artes alográficas permiten copias exactas, centrando la identidad de la obra en un sistema de notación o instrucciones reproducibles.

En las artes autográficas, la historia de la producción de la obra es fundamental para su identidad y autenticidad. Esto significa que el objeto físico en sí mismo es el original y cualquier copia, por muy exacta que sea, no se considera la misma obra de arte. La distinción entre una obra original y una falsificación es crucial. Un duplicado exacto no tiene el mismo valor que el original, incluso si se ve idéntico. Por ejemplo, una réplica perfecta de la Mona Lisa no es la Mona Lisa. La pintura, la escultura tradicional y el grabado son artes autográficas. Aunque un grabado pueda producir múltiples impresiones (ejemplares), la plancha original de la que se obtuvieron es única, y cada impresión individual se considera un original en sí misma, con su propia historia de producción.

En las artes alográficas, la obra de arte se define a través de un sistema de notación (como una partitura, un guion o un plano). La identidad de la obra está ligada a esta notación, no al objeto físico o a la ejecución específica. La noción de falsificación no aplica de la misma manera. Si una obra se ejecuta según su notación, es una instancia auténtica de la obra, sin importar quién la ejecute o cuándo. Por ejemplo, una interpretación de la Quinta Sinfonía de Beethoven es tan auténtica como cualquier otra, siempre que se base en la partitura original. La música, la literatura, el teatro y la arquitectura son artes alográficas. El texto de una novela es la obra en sí, y cualquier copia del libro es una instancia auténtica de esa obra. De igual forma, una casa construida siguiendo los planos de un arquitecto es una instancia auténtica de esa obra arquitectónica.

En definitiva, según esta idea de Goodman, la diferencia radica en si la obra puede ser identificada y duplicada sin perder su autenticidad. Si el objeto único y su historia son lo que importan, es autográfico. Si la notación que la define es lo que importa, es alográfico. Esto es válido para toda creación artística, incluyendo las digitales y las que hoy se realizan con inteligencia artificial.

Artes autográficas y artes alográficas (1/2)

Un concepto diferenciador de las formas de arte muy interesante es el que define las autográficas y las alográficas. Las artes autográficas y las artes alográficas son una distinción usada para clasificar diferentes tipos de artes en función de la relación que existe entre la obra original y sus copias. Esta teoría fue propuesta por el filósofo estadounidense Nelson Goodman (1906-1998), en su libro de 1968, Los lenguajes del arte. La diferencia clave se centra en el concepto de la autenticidad y la identidad de la obra.

La artes autográficas son aquellas en las que la obra original no admite copia indistinguible o perfecta. La obra original exhibe las huellas y rastros propios del trabajo material realizado por el artista directamente sobre los materiales. En estas artes, la copia nunca puede ser idéntica al original porque la identidad de la obra depende de la historia particular de su producción. Ejemplos clásicos son la pintura y la escultura, donde cada obra es única y las copias son reconocibles como tales. Además, son obras en las que todas las propiedades fenomenológicas (como las texturas y detalles) son importantes para la identidad de la obra.

Artes alográficas son aquellas en las que las copias pueden ser indistinguibles del original, ya que las operaciones que producen la obra y las que reproducen copias son las mismas o muy similares. En esta categoría entran artes como la música escrita (partituras), la literatura (textos escritos), el diseño digital, la ilustración digital, videojuegos y la música electrónica. En el caso de estas obras, la identidad de la obra no depende de quién, cuándo o cómo se produjo la instancia específica, sino de la fidelidad literal al "texto" o "código" que compone la obra.

En la siguiente publicación veremos cómo surge este concepto distintivo y las consecuencias que tiene en la percepción y valoración de la obra artística, sobre todo en este momento de expresiones audiovisuales con inteligencia artificial.

Academia Supernatural, serie en animación CGI

"Supernatural Academy" (Academia Supernatural) es una serie de televisión animada de fantasía para adolescentes, de producción estadounidense-canadiense, que se estrenó en 2022 y está basada en la línea de libros creada por Jaymin Eve. Está realizada en CGI, Computer Generated Imagery, con referencias a otras animaciones de corte animé digital. En la trama de la primera temporada, conocemos a Mischa Jackson/Lebron, una chica de 16 años que vive en el mundo humano con su madre Lienda. Su hermana gemela Jessa es una chica popular y cambiaformas que vive en la Academia Sobrenatural con su padre, el líder del consejo Jonathan. Habiéndose separado al nacer, las gemelas no tienen idea de la existencia la una de la otra. Mischa, en particular, no tiene idea del mundo sobrenatural—poblado por cambiaformas, usuarios de magia, hadas, trolls, arpías, vampiros y sirenas—y vive como una adolescente normal en la ciudad de Nueva York en la actualidad.

Pero resulta que Mischa tiene visiones de lobos, dragones y puertas extrañas, que dibuja en su cuaderno. Sus poderes reprimidos están despertando poco a poco. Decidiendo que ya no puede esconderse y proteger a su hija en el mundo humano, Lienda reúne a Mischa con su hermana y su padre, y la inscribe en la Academia Supernatural. Aunque tienen un comienzo difícil, las gemelas rápidamente llegan a amarse y forjan un vínculo inquebrantable. A medida que su hermandad es puesta a prueba una y otra vez, Jessa y Mischa necesitarán el apoyo mutuo y de sus amigos si quieren tener una oportunidad contra las fuerzas oscuras que buscan resucitar al Rey Dragón.

La serie está dirigida por Steve Ball. El piloto fue escrito por Gillian Horvath, quien también es la guionista principal de los otros episodios. Jody Prouse se encarga de la dirección de animación. 41 Entertainment está involucrada en la producción de la serie y la animación fue proporcionada por ICON Creative Studio. Es un trabajo interesante, con una estética digital muy definida y característica de este tipo de series de animación. Sin mayores pretensiones, muestra una calidad técnica adecuada y una ambientación bien lograda, con una trama que suele enredarse a veces excesivamente. Esa primera temporada tiene 16 episodios y se está planificando ya la siguiente.

Un pensamiento de Molière

"La belleza del rostro es frágil, es una flor pasajera, pero la belleza del alma es firme y segura".

Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), llamado Molière, dramaturgo, actor y poeta francés.

Polos y complementación estética

Los polos estéticos en la teoría del arte y la filosofía son una interacciòn que se refiere a la oposición de dos fuerzas o principios fundamentales que influyen en la creación y la apreciación del arte, que de alguna forma se complementan. Podemos pensar en ello como un balance de opuestos que dan forma a una obra artística. 

Tenemos así la famosa contraposición clásica entre lo dionisíaco y lo apolíneo. Lo Apolíneo representa la forma, la razón, la belleza y la mesura. Es el principio del orden, de la claridad y de las apariencias. En el arte, se manifiesta en la pintura, la escultura y la arquitectura clásica, donde prevalece la armonía, la proporción y la estructura. Lo Dionisiaco: representa la embriaguez, la pasión, el caos, el instinto y la unidad con la naturaleza. Es el principio de la disolución de la forma y de la fusión con lo primordial. En el arte, se puede ver en la música, la danza y en obras que buscan lo sublime y lo desbordante, a menudo rompiendo con las convenciones formales.

También podemos referirnos a la coexistencia o tensión entre dos polos opuestos en la experiencia o valoración de lo bello y el arte. Surge de la idea de que ciertas cualidades estéticas pueden ser contradictorias pero complementarias, generando riqueza en la percepción artística. En este sentido se pueden destacar polaridades estéticas como lo Clásico versus lo Romántico, esto es, lo ordenado y equilibrado (clásico) frente a lo emocional y sublime (romántico). O la famosa contraposición Forma versus. Contenido: la importancia de la estructura formal versus el mensaje o emoción transmitida. 

El arte clásico y renacentista tiende a ser más apolíneo, con un énfasis en la armonía, la simetría y la representación idealizada, en tanto el romanticismo y el expresionismo a menudo se inclinan hacia lo dionisiaco, priorizando la emoción, el caos y la subjetividad sobre la forma. Incluso en la música, podemos ver la polaridad: una fuga de Bach (apolínea, estructurada) frente a una improvisación de jazz (dionisíaca, espontánea). Esto lleva también a considerar la polaridad entre tradición e innovación,  lo canónico frente a lo experimental o transgresor.

La polarización y complementariedad estética es la idea de que la creatividad surge del conflicto y la interacción de fuerzas opuestas, y que si bien pueden sentirse a veces en contradicción, en la mayorìa de los casos, por contraposición, se termina produciendo una sume que como resultado da una obra estética y artística total. 

La retórica iconoplástica

Se entiende como retórica iconoplástica a aquel proceso que relaciona los mecanismos de persuasión y comunicación con el uso de imágenes y signos visuales. Combina la retórica, el arte de persuadir con el discurso, y lo iconoplástico, que se refiere a la creación y el estudio de las imágenes. Su objetivo es analizar cómo las figuras retóricas tradicionales (como la metáfora, la hipérbole o la metonimia) se manifiestan en la comunicación visual para generar un impacto emocional, estético o ideológico en el receptor.

Hablamos de un concepto que combina las ideas de la retórica clásica con la teoría de la imagen (iconoplastía se refiere a la creación o moldeado de imágenes). Aunque no es un realmente una concepción ampliamente estandarizada, puede entenderse como el estudio de las estrategias discursivas y visuales utilizadas para construir, persuadir o comunicar a través de imágenes, ya sea en arte, publicidad, medios digitales u otros soportes visuales.

Abarca varios enfoques. Uno es el de la persuasión visual, esto es, cómo las imágenes (fijas o en movimiento) emplean figuras retóricas equivalentes a las verbales (metáfora, metonimia, hipérbole) en el proceso comunicacional. Por ejemplo, un cartel publicitario que usa una serpiente para simbolizar el peligro. Tiene que ver también con la construcción de significados es decir, el análisis de cómo se "moldean" iconos culturales (símbolos, memes, logos) mediante técnicas retóricas para generar asociaciones específicas (por ejemplo, la paloma como símbolo de paz). Puede inclusive tener un enfoque de crítica ideológica, cuando se estudia cómo las imágenes retóricamente estructuradas refuerzan o cuestionan discursos de poder, estereotipos o narrativas dominantes.

La retórica iconoplástica se basa en la idea de que la imagen también tiene un "lenguaje" y que las figuras retóricas, que originalmente se aplicaron al lenguaje verbal, pueden trasladarse a lo visual. A continuación, veremos algunas de las más comunes:

*Metáfora: Consiste en la sustitución de un elemento por otro que tiene una semejanza. En una imagen, esto se logra mostrando un objeto que representa simbólicamente otro.

Ejemplo: Un anuncio de una aseguradora podría mostrar un paraguas sobre una casa durante una tormenta, comparando el paraguas con la protección que ofrece la póliza. ☂️

*Hipérbole: Es una exageración visual que busca enfatizar una idea o cualidad.

Ejemplo: Un anuncio de comida rápida podría mostrar una hamburguesa tan grande que no cabe en la boca de una persona, para resaltar su tamaño. 😀

*Metonimia: Se refiere a la sustitución de un elemento por otro con el que mantiene una relación de causa-efecto, parte-todo o continente-contenido. 

Ejemplo: Un anuncio de un vino podría mostrar solo una copa llena y un corcho, sugiriendo la totalidad de la experiencia del vino. 🍷

*Personificación: Atribuye características humanas a objetos inanimados o conceptos abstractos.

Ejemplo: La imagen de un coche con faros que parecen ojos sonrientes para transmitir la idea de un vehículo "amigable" o "feliz". 🚗

La retórica iconoplástica es fundamental en campos como la publicidad, el diseño gráfico, el arte, la caricatura política y la fotografía. Permite a los creadores de imágenes construir mensajes complejos que persuaden, informan y emocionan sin necesidad de un texto extenso. Al entender estas figuras, el espectador también puede analizar y decodificar los mensajes visuales de manera más crítica y consciente.

Rostros en fusión surrealista

Pongo hoy aquí una imagen hallada en la Web con dos cabezas cuyos rostros están fundidos en una especie de unión líquida. Parece una fusión de metal mercurio digital, en una composición surrealista, como un beso más allá de lo real. Es otro ejemplo de ciberarte por internet. 

Funciones semióticas de los signos plásticos

En la publicación anterior vimos que el signo plástico, concepto fundamental dentro de la semiótica visual, nos permite analizar cómo los elementos formales y abstractos de una imagen (colores, formas, texturas, composición) generan significados, incluso sin representar objetos reconocibles. Veamos ahora cómo se manifiestan esas relaciones.

En primer término, tenemos las funciones del signo plástico en semiótica visual, que son básicamente, tres: la expresiva, que transmite emociones a través de las cualidades visuales, como por ejemplo el uso de colores oscuros para transmitir melancolía; la función estructurante, que organiza la mirada, como cuando un centro luminoso atrae atención; y la función simbólica, que vincula formas a ideas culturales, como por ejemplo el círculo como idea de totalidad.

En semiótica, la función simbólica de los signos plásticos está ligada a conceptos, costumbres, tradiciones o convenciones, puesto que son formas o sensaciones cargadas de contenido. Tenemos un ejemplo clásico en el Guernica de Picasso; los signos plásticos (formas angulares, ausencia de color, composición caótica) refuerzan el horror de la guerra, más allá de las figuras reconocibles.

En semiótica el signo visual plástico se diferencia de las otras formas sígnicas por su complejidad o su factor comunicacional. Así tenemos: 

Tipo de signo                 Ejemplo                                     Nivel

Icónico                             Una foto de un perro                  Representación figurativa

Plástico                         Líneas gruesas y colores 

                                           contrastantes en un afiche Estructura visual abstracta

Indicial                         Humo (signo de fuego)         Relación causa-efecto

El signo plástico es la herramienta que permite a la semiótica visual analizar cómo vemos, no solo qué vemos. Es esencial para entender disciplinas como el diseño gráfico, el arte abstracto o la publicidad, donde la forma es mensaje.

Signo plástico y semiótica visual

El "signo plástico" en la semiótica se refiere a los elementos visuales o formales que componen una imagen y que transmiten significado, más allá de lo representativo o figurativo. A diferencia de los signos icónicos (que se asemejan o tienen referencia con objetos reales), los signos plásticos están relacionados con la estructura abstracta de la imagen: su composición, colores, texturas, líneas y formas.

Los signos plásticos permiten interpretar cómo una imagen comunica emociones, jerarquías o valores culturales a través de su estructura visual. Por ejemplo, los colores cálidos (rojo, amarillo) pueden transmitir pasión o energía; las líneas verticales pueden sugerir estabilidad, mientras que las diagonales implican dinamismo; los espacios vacíos pueden evocar soledad o minimalismo. Hay muchas formas de expresar sensaciones con esos elementos.

Sabemos que la semiótica visual estudia cómo las imágenes (fijas o en movimiento) producen sentido, más allá del lenguaje verbal, mientras que la semiótica clásica o la semiología (como la de Saussure o Peirce) se centraban en signos lingüísticos o icónicos. Así, la semiótica visual amplía el análisis a los signos visuales (representaciones figurativas como el un dibujo de un árbol) y a los signos plásticos (elementos abstractos que organizan la percepción, como el rojo intenso en un cartel que transmite peligro). El signo plástico, entonces, es lo que hace que, por ejemplo, una pintura abstracta o un logo minimalista puedan comunicar emociones o ideas sin necesidad de ser figurativos.

El concepto de signo plástico es clave en el estudio de la semiótica visual (como en publicidad, arte o diseño), donde se analiza cómo los elementos no figurativos construyen sentido, ya que permite analizar cómo los elementos formales y abstractos de una imagen (colores, formas, texturas, composición) generan significados, incluso sin representar objetos reconocibles.

Felinos por AuraVeth

No es usual que repita la actividad artística o creativa de un autor aquí en el blog, pero en este caso pondré otras imágenes de la artista AuraVeth que expone en DeviantArt. Mostré sus mujeres hace unos días: https://ciberestetica.blogspot.com/2025/08/mujeres-por-auraveth.html. Aquí enseño sus felinos, también realizados con distintas técnicas y una sutileza estética muy bien lograda. Hay más en https://www.deviantart.com/auraveth/gallery. Da gusto mostrar sus trabajos.

Una frase sobre el destino por William Jennings Bryan

"El destino no es cuestión de azar. Es una cuestión de elección. No es algo que haya que esperar, sino algo que hay que conseguir".

William Jennings Bryan (1860-1925), político estadounidense. 

Percepción integral de las formas

La percepción integral de las formas se refiere a la capacidad de captar, interpretar y comprender una forma o estructura en su totalidad, considerando tanto sus elementos individuales como las relaciones entre ellos. Es el proceso mediante el cual el sistema visual percibe y organiza los estímulos visuales de manera global, reconociendo las estructuras como un todo coherente y no como partes aisladas. Esta percepción se basa en leyes o principios perceptuales que permiten que el observador capte las formas en conjunto, separándolas y ordenándolas respecto a su entorno, dando sentido a lo que se ve a través de la integración de partes en una figura completa y con significado

Esta noción tiene importancia primordial en la Psicología de la Gestalt, en la que se estudia cómo el cerebro organiza los estímulos visuales como un todo (leyes de agrupación: proximidad, similitud, cierre). Esta teoría, que sostiene que el todo es más que la suma de las partes y que organizamos las sensaciones para formar percepciones estructuradas, donde las partes dependen del todo. La percepción integral implica que el cerebro no solo capta estímulos visuales aislados sino que los organiza para formar una imagen mental coherente y significativa. 

Se maneja en diferentes campos del conocimiento. En la educación y el aprendizaje, por ejemplo, se relaciona con entender conceptos complejos al visualizar sus componentes interconectados. En el arte y el diseño implica percibir una obra o composición de manera holística, integrando sus partes en una unidad coherente.

Por su parte, en el campo de la comunicación visual, la percepción integral de las formas adquiere un papel fundamental, ya que se relaciona con cómo el espectador interpreta y asimila los mensajes visuales de manera completa y eficaz. Las formas, colores y símbolos se interpretan en conjunto según códigos culturales. La percepción integral ayuda a decodificar significados complejos (ejemplo: señales de tráfico, iconos de apps). Igualmente, permite organizar elementos (tipografía, color, composición) para guiar la mirada y transmitir un mensaje claro. En un cartel, la combinación de imagen y texto se "lee" como un todo coherente, no como partes separadas. Esto se relaciona con la semiótica visual y con el diseño videográfico. 

La importancia de esta capacidad es que fomenta la eficacia comunicativa y la memorabilidad.  Un diseño bien integrado se entiende sin esfuerzo. Las formas percibidas como un todo son más fáciles de recordar (como los pictogramas olímpicos). Además incrementa la emoción y la estética, pues la armonía visual genera respuestas emocionales. 

Entonces podemos resumir que la percepción integral de las formas es la habilidad del cerebro para integrar fragmentos de información visual y formar estructuras completas, permitiendo reconocer objetos y figuras con sentido en el entorno visual. Nuestra mente está capacitada física y culturalmente para comprender estos elementos y darles sentido en nuestro mundo. 

Otra imagen de humor digital en la Web... ¿Falta poco?

Esta imagen, que encontré en la Web, nos muestra de forma irónica las vueltas que da la tecnología. Por supuesto, no llegaremos a los teléfonos de disco, pero... si los vinilos LP se han ido y han regresado...