Comunicación audiovisual por Alfonso Puyal

En su libro de 2006, Teoría de la comunicación audiovisual, el profesor español, Alfonso Puyal, describe los elementos que identifican la forma de comunicación audiovisual, y establece las condiciones que han hecho de esta interacción mediática un sistema expresivo que se ha equiparado (y en algunos casos superado) con la tradición oral y escrita de las sociedades humanas. 

Puyal define le comunicación audiovisual como aquella expresión en la que intervienen tres factores: la obra (película, programa, pieza), el autor (artista, director, escritor) y destinatario (público,  audiencia, lector), y que establecen un relación ente ellos a través de dos formas mediáticas: el soporte visual y el soporte auditivo. Ambos modos sensoriales se conjuntan en una interfaz simultánea que tiene su lenguaje y sus fundamentos tecnológicos.

Para entender cómo funciona la comunicación audiovisual, Puyal estudia la imagen como soporte de la realidad, revisando todas sus manifestaciones (pintura, fotografía, cine, televisión, digigrafía) y sus significados y estructuras; y estudia el sonido también en sus construcciones técnicas (fonografía, radiofonía, acusmática). Ambas tecnologías se conjuntan en una "audiovisón", que es el tipo de percepción propio del cine, la radio y la televisión, en el que la imagen es el núcleo de la atención pero el sonido es también fuente de información, conformado ambos el hecho comunicativo.

Esta combinación de imagen visual y sonora configura una cultura audiovisual, potenciada hoy en día por todos los factores tecnológicos que aportan elementos comunicacionales y simbólicos a nuestras actuales sociedades: hipertexto, hipermedia, ciberespacio. Para el profesor Puyal, esta combinación genera a su vez una hipercultura audiovisual que, con sus signos, códigos y símbolos, configura una nueva encarnación del conocimiento humano.

Semántica según Chomsky (3): la gramática relacional

Si bien el concepto de "gramática relacional" no es propio de Noam Chomsy, deriva de sus propuestas lingüísticas, y él lo analiza desde el punto de vista de la teoría generativa, que forma su línea de pensamiento. Se define como Gramática Relacional a la teoría sintáctica que procede de la gramática generativa y que considera la oración gramatical como una red de relaciones, constituida por un verbo y uno o varios sintagmas nominales asociados al primero, conocidos básicamente como "sujeto de", "objeto de" y "objeto indirecto de", aunque también puedan ser etiquetados con otras denominaciones y otras variantes.

Por extensión, este concepto se aplica también a otras formas semióticas, como signos, señales y símbolos, aunque vistos desde el punto de las relaciones, más que del significado. Se formulan reglas en términos de funciones y no en términos de categorías sintácticas. Es aquí donde se diferencia de la gramática generativa, que se enfoca en los conjuntos de reglas o principios que predicen correctamente las combinaciones que aparecen en formas semánticas correctas para un determinado lenguaje. Para Chomsky la sintáctica es un proceso de generación y predicción.

Pero para el proceso relacional, que deriva del generativo, la gramática se considera esencialmente como un marco de relaciones sintáctico, que se centra en el proceso de las conexiones gramaticales o alternancia. El marco sintáctico es entonces un proceso. En este caso, es el proceso de tratar con las relaciones formales que existen entre las expresiones verbales o sígnicas. Así que la gramática relacional es simplemente el proceso de centrarse en la alternancia de las relaciones gramaticales. Es aplicada en las lenguas para analizar las estructuras activas y pasivas, así como la morfología de las acciones, verbos o actos comunicacionales.

Una frase de Zygmunt Bauman

Hace apenas unos días falleció en Inglaterra el filósofo polaco Zygmunt Bauman (1925-2017), reconocido entre otras muchas cosas por sus planteamientos sobre la "Modernidad Líquida", concepto que hace poco desarrollé en este blog. Aquí una frase que complementa esas ideas y los enlaces a los post respectivos.

http://ciberestetica.blogspot.com/2016/12/cultura-y-sociedad-liquida.html

http://ciberestetica.blogspot.com/2016/12/la-cultura-en-la-modernidad-liquida.html

“La cultura líquida moderna ya no siente que es una cultura de aprendizaje y acumulación, como las culturas registradas en los informes de historiadores y etnógrafos. A cambio, se nos aparece como una cultura del desapego, de la discontinuidad y del olvido.”

Arte y proceso comunicativo

El arte y la comunicación tienen estrechas relaciones. Si bien hay veces en que se asume que el arte no debe decir nada, y la comunicación debe decir algo, la realidad es que la obra de arte casi siempre comunica, sea esta figurativa, abstracta, clásica, contemporánea, visual, auditiva, corpórea o literaria. Y esa forma de comunicación, que se distingue de la humana y de la mediada, está entendida como un proceso relacional en la que intervienen elementos propios. Este proceso tiene varias formas de ser formulado, siendo la de James Monaco una de las más originales.

Monaco es un teórico y crítico de cine, escritor y profesor, nacido en los Estados Unidos en 1942, que ha analizado el arte en los medios de comunicación. En el entendido de que los procesos de comunicación en cada ámbito son diferentes, él propone un análisis de doble triangulación con seis extremos, en los que ubica en cada vértice un elemento específico identificable. Según esto hay tres agentes destacados y tres relaciones fundamentales, a saber:

                                                                            OBRA

                                    Producción                                                Consumo


ARTISTA                                                      Interacción                                          DESTINATARIO

La conclusión que se saca de ver este esquema es que no puede entenderse ninguno de los agentes de la comunicación artística sin considerar los otros dos. La obra de arte la crea el artista con un destinatario en mente (sea cual sea), con quien establece una interacción que surge del consumo de la obra producida (sea cual sea el fin). Esta propuesta sencilla en su formulación, aborda el tema desde un  punto de vista no mediático per se, y no necesita referencias a la comunicación social. Sin duda tiene una referencia a la comunicación humana, pero sin sus implicaciones sociales.  

Para leer más de las ideas de este autor, ver http://www.readfilm.com/Monaco.htm

La "intermedia"

El artista, músico, poeta experimental, escritor, traductor y catedrático de arte, Dick Higgins, británico (1932-1998), fundador de varios movimientos de vanguardia como Happenings y Fluxus, acuñó a mediados de los años 1960 un término para referirse a las expresiones que sumaban diversos soportes mediáticos en su concreción: la intermedia.  

Higgins describió con ese nombre la tendencia de lo que él pensaba que era lo más interesante y mejor en el arte actual, que cruzaba los límites de los medios reconocidos en su momento, e incluso fusiona los límites del arte con los medios de comunicación, que no habían sido previamente considerados para las formas de arte, incluyendo la T.V. y la computadora.

De esta forma, las áreas tales como las que se encuentran entre el dibujo y la poesía, o entre la pintura y el teatro podrían ser descritas como "intermedia". Con sucesos repetidos, estos nuevos géneros entre géneros, podrían desarrollar sus propios nombres (por ejemplo, poesía visual, arte de performance). El señala como ejemplo el Haiga japonés, que combina la pintura con pinceles y el haiku en una sola composición. 

El concepto de Intermedia que propone Dick Higgins para superar la contradicción entre el antiguo esquema de las Bellas Artes y la nueva realidad, fruto de los grandes cambios que provocó la aparición de nuevas formas que parecían generarse en esas zonas fronterizas entre las diferentes artes, finalmente acabaría por cambiar aquel antiguo esquema, al borrar los límites entre ellas. Ya las vanguardias históricas de comienzos del siglo XX habían hecho trastabillar aquel esquema pero fue el concepto de Higgins lo que terminó por hacerlo desaparecer, siendo sustituido por una franja ambigua e imprecisa en donde las artes se definen, ahora, por la determinación de sus medios de expresión.

El dice en 1965: "Parte de la razón por la cual los objetos de Marcel Duchamp son fascinantes mientras que la voz de Picasso se está desvaneciendo, es que las piezas de Duchamp están realmente entre medios, entre la escultura y algo más, mientras que un Picasso es fácilmente clasificable como ornamento pintado. Del mismo modo, al invadir la tierra entre el collage y la fotografía, el alemán John Heartfield produjo lo que probablemente son los gráficos más grandes de nuestro siglo...". Intermedia entonces es una forma de experimentación en la que se combinan sonido, música, pintura, actuación, danza, gráfica o poesía, así hasta formar una fusión conceptual más que una simple acumulación de medios expresivos. 

En nuestro mundo actual de multimedia y multimodalidad, la idea de intermedialidad no ha perdido vigencia, sobre todo si la enfocamos desde el punto de vista de las artes sensoriales, donde se combinan experiencias y formas que aún hoy siguen siendo usadas por artistas de todas las disciplinas.   

Una cebra con pocas rayas

En 2014 se estrenó "Kumba", una película de animación 3D producida en Sudáfrica, con un tema ecologista y sensitivo. Es la historia de una cebra que nace con solo la mitad de su cuerpo a rayas, y a la que todos en la manada culpan por la falta de lluvias. Fue realizada por la compañía Sudafricana Triggerfish Animation Studios. El film fue dirigido y producido por Anthony Silverston, y escrito por Silverston y Raffaella Delle Donne, todos residentes sudafricanos.

Al principio de esta historia nace una cebra a la que le faltan rayas, y en paralelo se produce una gran sequía. Por lo tanto, le echan la culpa al pequeño. Debido a la gran presión de sus congéneres, Khumba decide embarcarse en una audaz misión para conseguir todas las rayas que le faltan y buscar una nueva fuente de agua, en un legendario pozo del que se supone las cebras originales obtuvieron sus líneas negras. En esa búsqueda, la pequeña cebra conoce a una serie de personajes muy extravagantes: Mamá V , una hembra ñu sobreprotectora y Bradley, un obsesionado avestruz. Pero durante la travesía también verá peligros, y se enfrentará con el malvado Phango, un leopardo perverso que controla todos los pozos de agua de la zona y aterroriza a todos los animales en el Gran Karoo. A lo largo del viaje y de las nuevas experiencias, Khumba comienza a aprender que la diversidad es esencial para la supervivencia y que la individualidad hace que uno pueda ser la fuerza de toda la manada.

Al final, Khumba no consigue sus rayas pero sí aprende sobre la amistad, sobre el valor de la naturaleza y recupera el agua perdida, salvando a todos de morir. Dado que la trama está ambientada en el mundo actual, muchos de los mensajes implícitos tienen que ver con la preservación, con el respeto, con el cariño hacia la naturaleza y la aceptación de las diferencias. Los elementos técnicos de la película están bien manejados, con una estética digital que reafirma las condiciones de los salvaje, una música de ambiente apropiada y unos colores de hermoso contraste. Dura 85 minutos y vale la pena disfrutarla.

Semántica según Chomsky (2): semántica generativa

Dentro de sus propuestas de análisis lingüístico, Noam Chomsky desarrolla la idea de "semántica generativa". Este es uno de los conceptos claves que surge de la gramática generativa propuesto por el estadounidense, quien curiosamente cuestionó algunas de las definiciones que posteriormente resultaron de sus ideas. La noción de semántica generativa surge a principios de los años 1960 como desarrollo de las estructuras sintácticas propuestas por Chomsky.

La semántica generativa desarrolla la hipótesis de que toda la información necesaria para interpretar semánticamente un signo, está en la estructura sintáctica del texto. Estudia entonces los problemas de significación, estableciendo reglas que permiten generar un análisis de cada componente, dentro del contexto comunicacional. Si bien el enfoque original está inclinado hacia la lengua, se ha extrapolado para aplicarse también a otras formas de lenguaje. 

Con este concepto se intenta delimitar la derivación de las lenguas particulares partiendo de una semántica lógica universal, entendiendo como semántica como todo lo relativo al sentido y significado sígnico. Determina los contextos (esto es clave) y suposiciones que implica un mensaje, distingue entre las expresiones bien y mal formadas (por eso se llama generativa). También han escrito sobre esto los teóricos franceses F. Dubuois-Charlier y M. Galmiche. Por su parte, Chomsky relaciona esta gramática generativa con otros dos conceptos especiales: el de gramática relacional y el de estructura profunda, que veremos en próximas publicaciones.

Los límites de la poesía y la pintura según Lessing

En 1766, el escritor alemán Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) publicó un libro muy particular, que supuso una posición muy original sobre la estética de dos de las artes consideradas mayores en su época -la poseía y la pintura-, y que aún hoy puede ser válida: su texto Laocoonte o sobre los límites de la pintura y la poesía. 

Lessing fue contemporáneo de Inmanuel Kant y de Alexander Baumgarten, quienes hicieron una aproximación a la idea de estética en ese período, por lo que estaba inmerso en la discusión conceptual sobre las ideas de lo bello y lo lógico, propia de ese momento. Baumgarten introdujo por primera vez el término estética, con el que designó la ciencia que trata del conocimiento sensorial que llega a la aprehensión de lo bello y se expresa en las imágenes del arte, en contraposición a la lógica como ciencia del saber intelectivo. Por su parte, Kant analiza las relaciones entre lo bello, el gusto y el juicio estético, que responde a las cualidades y satisfacciones que produce un hecho artístico. Lessing, en cambio, hace una análisis comparativo entre la poesía y la pintura, para establecer qué parámetros permiten comprender ambas expresiones como hechos artísticos y estéticos.

Para esto, toma una obra de arte clásica, el grupo escultórico del Laocoonte, famosa escultura griega clásica perdida de la que se conoce una copia romana en mármol del siglo I d.C., y una obra poética, el episodio de Laocoonte y sus hijos durante la guerra de Troya, contado primero por Homero en la Ilíada y luego por Virgilio en la Eneida. Partiendo de que ambas obras (la escultórica y la poética) narran el mismo hecho, Lessing compara las formas expresivas y la manera como cada medio afecta nuestras percepciones, asumiendo que la escultura vale por la pintura también. 

Sus observaciones le permiten mostrar por qué poesía y pintura se alejan una de otra al imitar, en razón de su propia naturaleza -una más apta para lo temporal y otra para lo espacial-, que impone límites a cada una de las artes. Y es justamente esa naturaleza temporal, subjetiva y simbólica la que le lleva a concluir que la poesía es un arte más completo que la escultura, atada a un momento y a un espacio. Naturalmente que reconoce que son campos estéticos diferentes y modelan bellezas distintas, pero no complementarios. Así entonces desarrolla toda una tesis para explicar su posición y establecer lo bello como orden múltiple y diferenciado. 

En esta época de multimedia y comunicación multimodal, es más difícil separar textos de imágenes, por lo que tal vez no se pueda hacer esa comparación, porque vivimos una sensorialidad combinada. Sin embargo, sus ideas aún tienen valor, puesto que nos ayudan a comprender lo que cada forma expresiva puede aportar, y ver al arte como un todo unitario con sus diferentes manifestaciones sumadas.  

El arte vectorial de Cristiano Siqueira

Ya en otras ocasiones he mostrado imágenes en arte vectorial, que es una forma de expresión del arte digital, en el que la clave es el uso de programas y formas básicas para luego desarrollar las figuras, de forma diferente  al arte pixelado o al de mapa de bits (ver aquí y acá). Uno de los artistas exponentes de este método es el brasileño de Sao Paulo, Cristiano Siqueira, quien se ha dedicado a la ilustración publicitaria, al diseño gráfico, la creación de logotipos y papelería y la creación de portadas de libros y revistas. Tiene un estilo propio variado e interesante, y pongo aquí algunas de sus imágenes. Su sitio web es   http://www.crisvector.com/   

Semántica según Chomsky (1): semántica interpretativa

El tema de la semántica, es decir, el estudio del significado de los signos y sus combinaciones, es importante para la comprensión de la comunicación, y de manera indirecta para entender la estética en sus distintas aproximaciones socioculturales. Uno de los autores más notables en este campo es el filósofo y  lingüista estadounidense nacido en 1928, Noam Chomsky, para quien la semántica (los sentidos y significados) está ligada al conocimiento del mundo y sus expresiones. De hecho, uno de sus aportes más notables (y polémicos) es el de la "semántica generativa". Para entender este concepto, parte de la "semántica interpretativa". 

Esta tiene que ver con los elementos de interacción entre la pragmática, la sintaxis y la gramática, todas en relación con el sentido. Esta gramática es llamada cognoscitiva por Chomsky. Así mismo, la interpretación de los elementos estructurales permiten definir dos formas: una superficial y una profunda. La semántica interpretativa relaciona categorías semánticas (lingüística, lógica, modélica) con la interacción del conocimiento e interpretación de la realidad.

De esta visión es que propone una semántica generativa, una gramática relacional, una estructura profunda y una gramática universal. Desde el punto de vista semiótico, estas formulaciones están ligadas más a la lingüística y a la lengua que a los lenguajes, pero de alguna manera se puede hacer una extrapolación que se aplique a otras formas comunicativas. En próximas publicaciones haré las respectivas explicaciones sobre estas ideas de Noam Chomsky.

Imagen cinematográfica: lengua y lenguaje

El estudio de las imágenes visuales y su imagrafía, es complejo y a veces contradictorio, sobre todo en el campo de la semiótica. Pero esa complejidad y dificultad hace de su investigación, justamente, un hecho muy apasionante interesante, sobre todo por la relevancia que tiene la imagen en nuestros días. En particular la imagen dinámica o en movimiento propia del cine y la T.V., que tanta repercusión implican.  

El análisis semiótico del film ha sido siempre tema clave en la comunicación audiovisual, porque es el medio que combina dos de nuestros más importantes sentidos: vista y oído. Uno de los autores que ha estudiado ampliamente el discurso cinematográfico es el sociólogo y semiólogo francés Christian Metz (1931-1993), que se basó en las ideas de Ferdinand de Saussure sobre el lenguaje para analizar el cine y sus conformaciones. Una de las discusiones que generó su aproximación es la que tiene que ver con la idea de "lenguaje cinematográfico", y la extrapolación de los métodos lingüísticos a una "lengua del cine". 

La imagen cinematográfica (y en paralelo la televisiva) tiene condiciones que la hacen única: no es fija, depende de un espacio-tiempo para ser percibida, puede no ser continua y puede prescindir del sonido. No obstante, el cine como medio contemporáneo está ligado al audio y todas sus variantes, lo que le convierte además en una imagen auditiva. Este aspecto requiere un estudio aparte. Pero con relación a la imagen en movimiento, Metz señala que el cine debe ser visto como un lenguaje, porque tiene todas sus condiciones: una estructura narrativa y fílmica, una construcción de contenidos y mensajes, una relación significante-significado, y una codificación visual (y también auditiva, que no siempre se puede aplicar, como el caso del cine mudo). En el entendido de que un lenguaje es un sistema estructurado de signos, el cine puede ser aceptado como tal. 

Según Metz, en el lenguaje fílmico se dan unas condiciones diferentes: no hay un intercambio emisor-receptor directo (es una comunicación perceptiva), es analógico en el sentido de su relación con la realidad, está cargado de sugestividad y subjetividad, y en su creación y difusión el contexto y la situación son claves. Ahora bien, por todas estas cosas, la imagen cinematográfica no puede ser considerada una lengua. en primer término, no posee la doble articulación característica del lenguaje hablado y escrito (el texto es una imagen, la lectura es un sonido). En ese sentido, entonces, no se puede hablar de "lengua cinematográfica", pero si de "lenguaje cinematográfico". 

Pero este es diferente al "lenguaje visual", que se define semióticamente como aquel relacionado con las imágenes fijas (o imagramas). En el cine se asume que hay una sintaxis propia. Esto lleva a otro análisis: la imagen es siempre habla, pero no es una lengua. Consecuentemente debe haber esa sintaxis propia del cine, diferente a la de la lingüística, pero aún no ha sido elaborada, y no podrá serlo más que sobre bases sintácticas y no morfológicas. Saussure señalaba que la sintaxis no era sino un aspecto de la dimensión sintagmática del lenguaje, pero que toda sintaxis era sintagmática. El “plano” sería, según Metz, la menor unidad sintagmática de la película, es lo que Louis Hjemslev llama el “taxema”, pero entonces habría que remitirse también al montaje de la película, que es un gran conjunto sintagmático.

Según algunos teóricos, la palabra “montaje”, tomada en sentido amplio, engloba a menudo el corte, pero la operación inversa nunca tiene lugar. En el cine, el momento del ordenamiento (montaje) es, en cierta medida, más esencial, porque esta selección es demasiado abierta, no es una sintaxis. Por este motivo, en el plano artístico, el contenido de cada “plano” aislado es de gran importancia, aun cuando la preparación también sea un arte. A nivel del “plano” hay arte. A nivel de la secuencia hay arte y lenguaje, pero queda por definir qué tipo de lenguaje es.
          

Hoy no se hace pastel de chucho

Ese es el título de un cortometraje realizado en Venezuela, en el año 2011, cuyo tema de fondo tiene que ver con la contaminación y la conciencia ecológica. En cinco minutos, "Hoy no se hace pastel de chucho" nos muestra las peripecias de Félix, un pescador del oriente venezolano, que trata de cazar una mantarraya (Aerobatis Nari Nari) y se encuentra con dificultades inesperadas. Fue dirigido por Braulio Rodríguez, y requirió un año de producción; participó en el Festival de cine de Cannes en la sección Short Films Corner, es un a muestra de lo que se puede hacer con pocos recursos y mucha motivación. Le llevó un año realizarlo, y contó con la colaboración de Guillermo Paz en el guión y Henry Villarroel en la producción general. Un polo margariteño, compuesto por Alonso Toro, acompaña las acciones de la mantarraya y de Félix, y el tema principal, Salvemos al mar azul, es de Cheo González. El film tiene su estética propia, simple pero efectiva, y un mensaje que nos hace reflexionar.

Pictoline: noticias multimedia

El proyecto Pictoline fue desarrollado por el comunicador, publicista, ilustrador, diseñador gráfico y escritor mexicano, nacido en 1987, Eduardo Salles. Este sitio Web, www.pictoline.com, es un medio de noticias infográfico animado y divertido, que surgió a finales de 2015, y que tiene un enfoque crítico, cínico y humorístico. No importa el tema, allí lo abordan y explican bien, por supuesto desde un punto de vista retador. 

Este diseñador comenzó con un sitio de tónica similar, Cinismo Ilustrado, y un tiempo después se asoció con el también mexicano Gustavo Guzmán, y se decidió que este nuevo portal tuviese un fuerte enfoque audiovisual. Hoy el equipo de trabajo está formado por cuatro diseñadores, un redactor, cuatro programadores y el mismo Salles. El enfoque del contenido, si bien es amplio, tiene un objetivo claro: los llamados jóvenes millenials. En principio, es un medio centrado en el diseño de la información. Dice Eduardo Salles: "Lo que hacemos es un cruce de datos de diferentes fuentes, que tienen que ver desde trends, analytics, y otros contenidos; el punto es entender qué datos se están repitiendo y qué es lo que a la gente le está preocupando". Se asume como un medio informativo digital multimedia.

Hay siete razones que se esgrimen para hacerlo diferente: 1, manejo de humor cínico; 2, actualidad con un enfoque novedoso y amigable; 3, pensado para Millenials; 4, combina adecuadamente información y diversión; 5, contenidos en español; 6 es un sitio que funciona en tiempo real; y 7, conexión con sus usuarios. Además se vale de distintos recursos interactivos, se conecta viralmente y atare por su innovador concepto. Señala Salles: "El formato de la infografía y los gifs ya existían, pero la premisa de hacer de esas herramientas la fuente de información aún no se veía. Pictoline es un hecho que se volvió útil para las personas y les dio algo en un formato poco explorado".   

Gracias a Karen Fajardo por los datos sobre Pictoline

La segunda del 2017, siguiendo la tradición

Como ya es costumbre, los primeros de enero hago dos entradas. Hasta ahora es el único día en el que hago dos publicaciones. Aquí una imagen hecha en programas informáticos, como otra muestra de estética digital. 

Aquí también está el enlace a la segunda publicación en la plataforma WordPress

  https://ciberestetica.wordpress.com/2017/01/01/una-imagen-digital/

Un nuevo comienzo

¡Feliz 2017! Este primer día del año tiene, como lo dice el título, un nuevo comienzo. Empiezo desde hoy a publicar este mismo contenido en un nuevo espacio: en WordPress. Ciertamente parece una redundancia, porque la idea es que sea un sitio gemelo de este. Pero la plantilla, el diseño y el acceso son distintos, por lo que pretendo tener más visitas y además tener otro lugar de experimentación con un formato diferente. 

Además es otro reto, tratar de mantener el ritmo ahora con dos plataformas, aunque el trabajo de recopilación y redacción sea el mismo. Nada que con gusto e interés no se pueda lograr. Hace justo un año expuse en Wikipedia el concepto de Ciberestetica, pero no fue considerado como contenido válido, por lo que al mes se retiró. Esta vez yo mismo controlo este nuevo website, así que tengo más cancha para difundir mis aportes. Tal vez más adelante otros interesados hagan de esta propuesta un tema a difundir, y contribuyan al reconocimiento de este tema contemporáneo: la estética de lo digital en la comunicación multimediática.

Por lo pronto, aquí está el nuevo enlace y la nueva publicación. Aún hay mucho por trabajar visualmente pero es sólo el principio. ¡Gracias por leer!

https://ciberestetica.wordpress.com/2017/01/01/una-nueva-publicacion/