"El que no lleva la belleza dentro del alma no la encontrará en ninguna parte. Embellece tu vida con pensamientos y con palabras. Trata tú mismo de descubrir cuáles han de ser los pensamientos que te embellezcan la vista y que, al convertirse en palabras, ofrezcan esta belleza a otros".
Noel Clarasó i Serrat, (1899-1985), escritor español, guionista de cine y televisión.
Pongo aquí algunos GIFs (Graphic Interchange Format) animados, hallados en la Web, con temas de personajes de películas de animación 3D, que están realizados usando un truco visual (las líneas blancas o negras verticales) que ayudan a dar una sensación de relieve tridimensional a la imagen. Son de movimiento constante y además cargados de humor.
En un texto de 2013, el investigador argentino Federico Luis Abiuso, trabaja el tema de "ir al cine con Foucault", esto es, revisar al cine como memoria de la sociedad según una reflexión teórico-política de la subjetividad. Ya aquí en el blog he citado al notable filósofo francés Michel Foucault (1926-1984) sobre otros aspectos de la cultura, la sociología, la lingüística, le estética, la comunicación y la filosofía. Él también ha hecho algunas observaciones sobre el cine, desde su aspecto sociológico. Foucault afirma que el cine es una manera de recodificar la memoria popular. Esta constituye un fuerte factor de lucha. Si se tiene la memoria, se tiene la experiencia, el saber de las luchas anteriores; todo lo cual constituye un gran factor de enseñanza en el presente.
Federico Abiuso hace un análisis de los comentarios del Foucault sobre algunos filmes que tocan ciertos puntos específicos, como la guerra, la resistencia y el conflicto político y social en el siglo XX. Esto le plantea varios interrogantes a Foucault en relación con este tipo de películas y con respecto al cine en general. Uno de ellos es formulado de la siguiente manera: ¿es posible hacer un filme positivo sobre las luchas de la resistencia o de la guerra en general?. Foucault concluye que no; pero esto plantea a su vez el problema del héroe positivo, de un nuevo tipo de héroe. Frente a esto, el filosofo francés dice que no se trata del problema del héroe, sino que es el problema de la lucha. En este punto, y enfocándose en la relación entre las luchas y el cine, Foucault hace un interrogante fundamental: ¿Puede hacerse un filme de lucha sin que existan los procesos tradicionales de la glorificación de los personajes? Es una cuestión interesante.
Abiuso afirma que esa es una reflexión importante acerca de la forma de narrar luchas en las películas; una reflexión que invita o propone que la pensemos y que busquemos una alternativa a una historia contada en términos de héroes. Dice: "Pues ese tipo de historia, que casi siempre coincide con una historia contada en términos de grandes acontecimientos, deja muchas cosas -pero sobre todo, luchas- en el olvido. Es la tarea del genealogista hacer reemerger lo que la historia, con sus campos de luchas ha dejado en la oscuridad".
Luego en su texto, Federico Abiuso aborda el análisis de otras películas sobre las que Foucault ha comentado y analizado, siempre desde sus puntos de vista, expresados en sus libros (como el caso de Vigilar y castigar). Un ejemplo clave tiene que ver con el asilo mental y psiquiátrico y su manejo cinematográfico. Es esta realidad la que Foucault analiza desde el costado teórico-conceptual y la que puede profundizarse a partir de ver estos filmes, en la medida en que da de cuenta algunas de las principales características, y mecanismos, que tienen las instituciones asilares y de reclusión. Y en este sentido, arrojan luz sobre un tema que, a simple vista, parece ser bastante oscuro. Este es un aporte notable del cine a la comprensión de estas realidades.
Así como el cine nos invita a ver en algunas películas los modos a partir de los cuales los sujetos se constituyeron como tales, también nos invita a vivir una experiencia subjetiva con las películas. Hacia esa reflexión se dirige Foucault en una de las entrevistas recopiladas en Foucault va al cine, libro de Patrice Maniglier y Dork Zabunyan, de 2011, que sirven a Abiusio para sustentar sus interpretaciones: una relación entre la pantalla y uno mismo tomar como punto de partida la noción de inquietud de sí, el hecho de ocuparse de sí mismo, de preocuparse por sí mismo. Esta noción engloba las siguientes cuestiones. En primer lugar, el tema de una actitud general con respecto a sí mismo, con respecto a los otros, con respecto al mundo; en segundo lugar, es también una manera determinada de atención o de mirada sobre uno mismo; y en tercer lugar, designa una serie de acciones que uno ejerce sobre sí mismo: "acciones por las cuales se hace cargo de sí mismo, se modifica, se purifica y se transforma y transfigura", en palabras de Foucault. Y esta reflexión cierra con una pregunta: ¿no sería el cine un modo de realizar las transformaciones necesarias sobre uno mismo para acceder a la verdad?
Anita Kunz es una ilustradora y artista canadiense, residenciada ahora en Toronto, nacida en 1973, que ha sido galardonada con diversas medallas y premios a lo largo de su carrera. Además, su trabajo ha sido incluido en las revistas Time, Rolling Stone, Vanity Fair, The New Yorker, Sony Music, GQ, entre otras, y sus obras se exhiben en museos de Canadá, Roma y Washington. En 2007 dio una conferencia sobre las portadas que diseñó para The New Yorker para TED. Y ha sido nombrada como una de las 50 mujeres más influyentes en Canadá por el National Post. Fue designada como “Oficial de la Orden de Canadá”, el honor civil más alto del país. Desde las ciudades de Londres, Nueva York o Toronto, donde ha vivido, ha realizado trabajos muy variados, incluyendo agencias de publicidad de diversos países. Su técnica abarca distintos medios, tanto analógicos como digitales. Tiene una estética muy particular, de líneas suaves y texturas blandas, que da una impresión particular a toda su obra, que abraca desde retratos y caricaturas hasta imágenes de ficción y fantasía, con mucha ironía y crítica. En la Web hay muchos reportajes y reseñas de su trabajo. Aquí pongo una pequeña muestra y su página en Facebook: https://www.facebook.com/anita.kunz.73.
Esta es una versión fílmica de un famoso juego de video, Ratchet & Clank, que ha sido muy exitoso en los últimos años. La película aprovecha ese suceso y lleva a los personajes a una acción de ciencia ficción realizada en animación 3D digital. Fue producida por Rainmaker Entertainment y Blockade Entertainment. La desarrolladora de la serie del videojuego, Insomniac Games, tuvo un papel en la producción de la película, guion, desarrollo de personajes, y consultoría de animación y fue dirigida por Jericca Cleland y Kevin Munroe. Estuvo hecha en Vancouver, en el estudio de Rainmaker Entertainment en Canadá, y su productor ejecutivo fue Michael Hefferon, presidente de Rainmaker Entertainment. Es decir, todo un concepto transmedia. Se estrenó en 2016 y tuvo relativa repercusión en su ámbito objetivo.
En la trama del film, un mecánico amante de la acción y su compañero, un pequeño e inteligente robot, serán los protagonistas de esta futurista y colorida historia que tiene como fondo el valor de la amistad. Viajando por el universo a través de distintos planetas, su objetivo será ayudar a aquellos con problemas, coleccionando armas y objetos curiosos a su paso y conociendo a los más disparatados personajes. De alguna forma, esto se relaciona con el tema del videojuego. Pero la cosa se complicará para viajeros espaciales y un gran problema se pondrá en su camino. Deberán poner a prueba su fuerza y su mente para resolverlo y devolver la paz al lugar, y sobretodo mantenerse unidos en esta lucha para que reine el bien y la armonía. Muy característico de una película enfocada básicamente a niños. Lo interesante es cómo fue llevada la estética del videojuego a la pantalla. Aquí dejo dos videos con el trailer en español y el film completo.
"La modernidad tiene defectos: en democracia no vivimos obligatoriamente felices, pero descubrimos con las amargas experiencias totalitarias que el remedio de imponer por la fuerza estas soluciones es un remedio peor que el mal. La democracia no trae soluciones, pero el nazismo, el comunismo y las dictaduras son aún peores que el mal del que nos querían curar".
Tzvetan Todorov (1939-2017), lingüista, filósofo, historiador, crítico y teórico literario francés de origen búlgaro.
Como señalé en otras publicaciones, el modernismo como estética abarca desde finales del siglo XIX hasta el segundo tercio del siglo XX. Etimológicamente, el término se forma a partir de la palabra moderno, del latín modernus, que significa ‘reciente’, y el sufijo -ismo, que indica ‘movimiento’. Hablamos de modernismo, modernidad y moderno en general para referirnos a ese grupo de expresiones artísticas y culturales caracterizado por romper con las tendencias dominantes del momento, asociadas al pasado y al atraso, renovando y modernizando el pensamiento humano en todas sus manifestaciones.
Como ya señalé, hay un primer modernismo que va desde las dos última décadas del siglo XIX hasta las dos primeras del siglo XX, caracterizado por su inspiración en la naturaleza, el uso de la línea curva, la estilización de las formas, la sensualidad y el uso de motivos exóticos. Se consideró una de las primeras artes decorativas universales. Igual afectó tanto a la arquitectura como a la música y a la literatura en su aproximación a esa nueva realidad. El fin de la Primera Guerra Mundial en 1918 trajo un gran cambio en muchos aspectos en casi todo el mundo, afectando también a la estética modernista. Aquí surge entonces esa segunda modernidad, que abraca desde 1920 hasta 1940, cuando la Segunda Guerra Mundial vuelve e afectar la realidad planetaria.
Esta segunda modernidad incluye al surrealismo, al expresionismo abstracto, al suprematismo y a la modernidad arquitectónica de líneas y colores puros, vidrio y metal. Esta estética, como ya he señalado en otras publicaciones aquí en el blog, va a tener tal fuerza que sus ideas y formas van a perdurar, de una u otra manera, hasta hoy. De hecho, a partir de 1945 y hasta finales de la década de 1960, ese modernismo, ya en una tercera ola, va a ser dominante en todo el mundo, definiendo lo que se llamó el estilo internacional.
No es sino hasta el inicio de la década de 1970 que se define una nueva interpretación, ahora crítica, de esa modernidad: el posmodernismo. Esa posmodernidad va a tocar todas las áreas de la cultura, la estética y el pensamiento, con múltiples variantes que hacen casi indefinible su concepción. Esto lo veremos en la siguiente entrada.
Como ya señalé un publicaciones anteriores, el modernismo es aquel movimiento estético que, surgiendo de aquellas posiciones de transformación iniciadas en las artes en la segunda mitad del siglo XIX, va a cambiar las visiones del arte y la cultura de forma intensa y casi radical, cuyas estelas siguen viéndose hoy. El modernismo, que con todas las características estilísticas de su momento, se identifica con el Art Nouveau, que surge alrededor de 1890 y dura hasta 1915, aproximadamente, resulta del "premodernismo" que se da con el impresionismo en pintura y escultura, con la modernidad literaria y en el diseño, así como en la música y el teatro. Todos esos cambios de las dos últimas décadas del siglo XIX (con el post-impresionismo y el neo-impresionismo), van a definir esa primera modernidad, que llegará hasta el inicio de ls Gran Guerra, la Primera Guerra Mundial.
El "Art Nouveau", Arte Nuevo o Modernista, se caracteriza por la presencia de elementos de la naturaleza, enfatizando sus líneas complejas como una analogía a la libertad, frente a la rigidez de la máquina industrial. Es altamente decorativo, imaginativo y rompedor. Se separa de la estética Neoclásica y Romántica, típicas del Siglo XIX. Es en este período cuando en las artes visuales se generan los famosos "ismos: cubismo, expresionismo, futurismo, constructivismo, dadaísmo, fauvismo y hasta el ultraísmo en literatura. Si bien no hay ni coherencia ni unicidad en todos estos estilos, sí hay una idea de cambio dramático respecto a lo que se había hecho en el arte occidental.
Además, los medios de comunicación que se iban consolidando, el cine, la radio, la fotografía, el fonógrafo, el teléfono, hacían que se pensara de una nueva manera en el acceso a la información, por lo que la rapidez de la difusión de las nuevas ideas era también un elemento que condimentaba esos cambios. El inicio de la guerra va a trastocar muchas de las experimentaciones artísticas se en Europa se estaban dando, lo que termina produciendo, a inicios de la década de 1920, una transformación de aquellos conceptos, que da paso a una nueva modernidad, misma que ya he comentado antes en el blog, pero que en la siguiente publicación volveré a abordar.
Ya en publicaciones anteriores he hablado sobre el tema de la modernidad y del modernismo como estilo y estética. Pero es un tema al que me gusta volver, porque entender la modernidad es entendernos a nosotros hoy, porque somos, culturalmente hablando, resultado de esa realidad histórica. Histórica y estética. Me gusta aclarar que el término modernismo lo aplico a cierta estética propia de fines del siglo XIX hasta mediados del XX. No obstante, hay otra clasificación que viene de la llamada "Historia Universal", que subdivide los períodos históricos en cinco:
La Prehistoria, que comprende lo que se conoce como "Edad de Piedra", desde unos 2 millones de años a.C. hasta la aparición de los primeros centros poblados, unos diez mil años a.C. aproximadamente.
La Edad Antigua, que va desde el 10.000 a.C. hasta el año 476 d.C. en el que se produce la caída definitiva del Imperio Romano de Occidente.
La Edad Media, período que abarca desde el fin de Roma en el 476 d.C. hasta la caída de la ciudad de Constantinopla, en 1453 d.C. que se asume como el fin del Imperio Romano de Oriente.
La Edad Moderna, que empieza en ese 1453 d.C. y dura hasta la Revolución Francesa, en 1789 d.C.
La Edad Contemporánea que daría inicio en el 1789 d.C. y abarca hasta el día de hoy.
Como podemos ver, son subdivisiones a veces imprecisas, arbitrarias y nada más que occidentales, porque no toman ninguna referencia de las civilizaciones asiáticas, por ejemplo. Además las fechas son también borrosas y cuestionables; de hecho, hay autores que dividen la prehistoria en dos partes, otros que toman la llegada de Cristóbal Colón a las islas del Caribe como fin de la Edad Media y otros hacen más subdivisiones en los espacios temporales.
En todo caso, lo que me importa es destacar el período que se considera "moderno", que va desde mediados del siglo XV hasta fin del silgo XVIII, cosa muy extraña, porque la idea de lo moderno se asocia más a aquello perteneciente o relativo al tiempo de quien habla o a una época reciente, como dice el Diccionario de la Lengua Española. De hecho, la etimología hace referencia a lo reciente, así que hechos de hace más de 200 años, no lo son.
Para mí tiene mucho más sentido aplicar la palabra modernidad a lo que se considera el resultado estético y cultural de los cambios sucedidos en el mundo desde final del siglo XIX hasta hoy. Se puede hablar de un premodernismo que, desde el punto de vista occidental, comienza con la aparición de la fotografía, el telégrafo, el ferrocarril, la industrialización y otros acontecimientos que transformarán rápidamente la vida del común de la gente en esos años. En el campo de lo estético, hay otro fenómeno, que es el cambio de las percepción artística, hecho muy notable con la consolidación del Impresionismo como movimiento. Sobre esta base, se puede entonces considerar que hay una transformación de esas concepciones en los últimos 150 años, que son las que entenderemos como fases del Modernismo: premodernismo, modernismo, posmodernismo, hipermodernismo, cada una con sus variantes y subclasificaciones, que veremos en las siguientes publicaciones.
Hoy 21 de junio es el día del solsticio, que es el momento del año en que el Sol, en su movimiento aparente, pasa por uno de los puntos de la eclíptica más alejados del ecuador y en el que se da la máxima diferencia de duración entre el día y la noche, bien sea en el Hemisferio Norte o en el Sur. Técnicamente es el paso de La Tierra por Cada uno de los dos puntos de la eclíptica en los que el Sol está en el punto más alejado del ecuador celeste. Es un fenómeno natural que se conoce y sabe desde hace milenios y es realmente el auténtico momento referencial para el ciclo anual terrestre. Curiosamente la mayoría de lo calendarios lo fijan pero han dejado de tomarlo como hito para la medición de los años. Igual sucede con los signos del zodíaco, que aunque aproximadamente el cambio de signos sucede en los solsticios y equinoccios, no es totalmente coincidente siempre. En todo caso, suelo hacer una publicación el día de los solsticios o equinoccios, porque a pesar de que vivimos en una cultura digitalizada, esos acontecimientos astronómicos y naturales siguen teniendo relevancia y significación. Curiosamente, el mundo tecnológico ha adoptado esas tradiciones y a pesar de los avances planetarios, sigue habiendo una serie de rituales antiguos que se siguen celebrando. Un fenómeno muy particular que yo reflejo aquí.
"El poder para crear un futuro mejor está contenido en el momento presente: Creas un buen futuro creando un buen presente".
Eckhart Tolle, escritor alemán, nacido en 1948, autor de textos sobre reflexiones espirituales.
Este corto realizado en animación digital, titulado The Magic Pen, "El bolígrafo mágico", de 2018, fue producido por el joven artista gráfico canadiense Edward Habib, en el Sheridan College de Ontario, Canadá. Es un muy buen trabajo, breve, con un tema original y una trama de final abierto, divertido si uno ve bien los créditos y la escena de cierre. Esta es la dirección del autor en LinkedIn: https://www.linkedin.com/in/edwardhabib/.
En 2006, el filósofo y sociólogo francés, nacido en 1944, Gilles Lipovetsky, publicó Los tiempos hipermodernos, un libro en el que formula una nueva interpretación de la condición de la sociedad contemporánea desde los puntos de vista que propuso en sus obras anteriores, La era del vacío (1983) y El imperio de lo efímero (1987), ahora con la perspectiva del siglo XXI. Aquí desarrolla su idea de que estamos en un fenómeno posterior al de de la"segunda revolución moderna": lo "posmoderno" ha llegado a su fin y hemos pasado a la era "hipermoderna". Esta época se caracteriza por el hiperconsumo y el individuo hipermoderno.
Ahora el hiperconsumo es una forma de consumo que absorbe e integra cada vez más esferas de la vida social y empuja al individuo a consumir, más que para ascender en la escala social, para su satisfacción personal; la sociedad hipermoderna se caracteriza por el movimiento, la fluidez y la flexibilidad, y se distancia más que nunca de los grandes principios estructurales de la modernidad. Esto recuerda las ideas de Vida Líquida de Zigmut Bauman en la que las fronteras de los actos se diluyen y las tensiones y normas se trasvasan.
Pero el individuo hipermoderno, aunque orientado hacia el placer y el hedonismo, siente esa especie de tensión e inquietud que surge de vivir en un mundo que se ha disociado de la tradición y afronta un futuro incierto. Los individuos, según Lipovetsky, están corroídos por la angustia, el miedo se ha superpuesto a sus placeres y la ansiedad a su liberación. Todo les preocupa y les alarma, y ya no disponen de sistemas de creencias en los que encontrar seguridad. Así son los tiempos hipermodernos.
Esta concepción de hipermodernidad se puede aplicar a otros campos y hablar de hipercapitalismo o hiperterrorismo, por ejemplo, así como antes se hablaba de hipermercado o hipertexto. Esta hipermodernidad también tiene una estética propia, que va más allá de la posmodernidad y que se relaciona con la estética digital, el ciberarte y otras formas expresivas y comunicacionales, como la hipermedia. Es también interesante repasar las transformaciones de la modernidad bajo esta mirada, cosa que haremos más adelante en este blog.
Aquí publico una imagen de una colorida flor fractal de fantasía realizada con recursos informáticos, como otra muestra de arte digital en la Web y de libre reproducción.
