Discusión y argumentación acerca de la definición y pertinencia del concepto de Estética Digital y sus implicaciones en la comunicación, arte y cultura.
Una de las formas de abordar la categoría estética que implica el arte digital es analizando los materiales o equipos que se usan en su realización: ordenadores, monitores, redes, impresoras y sofwares. Este último elemento es clave en la conformación de los estilos ciberestéticos. Algunos creadores incluso han desarrollado programas específicamente para hacer arte digital. Tal es el caso del programa Processing.
"Processing" o Procesamiento, es un programa introducido en 2001 por los ingenieros Ben Fry y Casey Reas, éste último también artísta gráfico. Fue desarrollado como un software libre, con una programación potente, versátil y ampliable. Su uso está enfocado en la realización de formas, colores e imágenes, y sirve como herramienta de liberación creativa. En esencia consiste en un entorno simple, accesible, en el que se pueden trabajar textos, formas, colores y texturas. En una superficie limpia un cursor permite en contrar códigos escondidos que guían la labor de producción de las imágenes. Es como una libreta para desarrollar ideas.
Casey Reas es probablemente quien más haya aprovechado este programa, que se puede descargar gratuitamente por internet, y permite a quienes se atrevan a manejar la programación lograr imágenes totalmente sugestivas.
Jürgen Habermas nacido en 1929 es un filósofo y sociólogo alemán, y es el miembro más eminente de la segunda generación de la Escuela de Frankfurt y uno de los exponentes de la Teoría crítica. Entre sus aportaciones está la construcción teórica de la democracia deliberativa y la acción comunicativa. Aquí una frase de sus pensamientos.
"La modernidad estética se caracteriza por actitudes que tienen su eje común en una nueva conciencia del tiempo, expresada en las metáforas de la vanguardia. La vanguardia se ve a sí misma invadiendo territorios desconocidos, exponiéndose al peligro de encuentros inesperados, conquistando un futuro, dejando huellas en un paisaje que todavía nadie ha pisado."
La artista surcoreana Soa Lee maneja extraordinariamente bien las herramientas de diseño digital y su imaginación. Ha logrado un estilo propio, donde las texturas son suaves y los colores etéreos. La temática de fantasía recurre a personajes mitológicos y fabulosos, ligados a cuentos y leyendas. Aquí una pequeña muestra de esta artista nacida en 1978 y con una amplia trayectoria en el ámbito de la ilustración digital.
El grupo musical británico Marillion, con una larga trayectoria en el rock progresivo (desde principios de los años 1980) y con 16 álbumes de estudio en su haber, editó en su disco "Afraid of Sunlight" ("Temeroso de la luz del sol") de 1995 una canción titulada "Beautiful", "Bello", cuya letra hace referencia a la belleza que nos rodea y a la cual no hacemos caso, y llama a ver lo hermoso en lo simple, en aceptar que bello puede ser todo aquello que simplemente nos acompaña.
Un tema musical muy logrado, bien cantado (es Hogarth, no Fish el cantante ;-) en este caso) y que transmite una carga emocional intensa con relación a nuestros valores occidentales y materialistas. Aquí la letra y su traducción, y el video de una presentación en vivo reciente y con la traducción de la letra.
BEAUTIFUL
Everybody knows we live in a world where they give bad names to beautiful things
Everybody knows we live in a world where we don’t give beautiful things a second glance
Heaven only knows we live in a world where what we call beautiful is just something on sale
People laughing behind their hands While the fragile and the sensitive are given no chance
And the leaves turn from red to brown
To be trodden down
To be trodden down
And the leaves turn from red to brown
Fall to the ground
Fall to the ground
We don’t have to live in a world where we give bad names to beautiful things
We should live in a beautiful world
We should give beautiful a second chance
And the leaves turn from red to brown
To be trodden down
To be trodden down
And the leaves turn green to red to brown
Fall to the ground
And get kicked around
You strong enough to be... Beautiful
Have you the faith to be...
Sane enough to be...
Honest enough to say...
Don’t have to be the same
Don’t have to be this way
C’mon and sign your name
You wild enough to remain beautiful?
Beautiful
Beautiful
And the leaves turn from red to brown
To be trodden down
Trodden down
And we all fall green to red to brown
Fall to the ground
But we can turn it around
You strong enough to be
Why don’t you stand up and say
Give yourself a break
They laugh at you anyway
So why don’t you stand up and be
Beautiful.
Black, white, red, gold, and brown
We're stuck in this world
Nowhere to go
Turnin' around
What are you so afraid of?
Show us what you're made of
Be yourself and be beautiful
Beautiful
MARILLION: "BELLO"
Todo el mundo sabe que vivimos en un mundo donde le dan malos nombres a cosas bellas
Todo el mundo sabe que vivimos en un mundo donde no le damos una segunda mirada a las cosas bellas
Solo el cielo sabe que vivimos en un mundo donde lo que llamamos bello es solo algo a la venta
Gente riéndose detras de sus manos
Mientras lo frágil y lo sensitivo no tienen oportunidad
Y las hojas pasan de rojo a marrón
Para ser pisoteadas
Para ser pisoteadas
Y las hojas pasan de rojo a marrón
Caen al suelo
Caen al suelo
No tenemos porqué vivir en un mundo donde le damos malos nombres a cosas bellas
Deberíamos vivir en un mundo bello
Deberíamos darle a lo bello una segunda oportunidad
Y las hojas pasan de rojo a marrón
Para ser pisoteadas
Para ser pisoteadas
Y las hojas pasan de verde a rojo a marrón
Caen al suelo
Y son pateadas
Eres lo suficientemente fuerte para ser... bello
Tienes la fe para ser...
Valor suficiente para ser...
Suficientemente honesto para decir...
No tiene que ser lo mismo
No tiene que ser de esta forma
Vamos firma con tu nombre
¿Eres lo suficientemente indómito para mantenerte bello?
Bello
Bello
Y las hojas pasan de rojo a marrón
Para ser pisoteadas
Pisoteadas
Y todos pasamos del verde al rojo y al marrón
Caemos al suelo
Pero podemos cambiar eso
Eres fuerte lo suficiente para ser
Porqué no te pones de pie y gritas
Tómate un descanso
Se ríen de ti de todos modos
Así que porque no te levantas y eres
Bello
Negro, blanco, rojo, dorado y marrón
Estamos pegados a este mundo
Sin más donde ir
Girando alrededor
¿A qué tanto le temes?
Muéstranos de qué estás hecho
Se tu mismo y se hermoso
Bello
Bello...
En su interesante y a veces polémico libro "¿Para qué sirve el arte?" de 2005, el escritor inglés John Carey plantea diferentes cuestiones sobre la definición, el valor, la real trascendencia de lo que llamamos arte y su relación con las sociedad y el hombre común. Dentro de esos tópicos, lo primero que hace es preguntarse justamente qué es una obra arte. Su respuesta define de alguna manera el perfil que va a delimitar el sentido de su libro:
"Una obra de arte es cualquier cosa que alguien la considere como tal, aunque solo sea para ese alguien".
No queda duda de que así, todas las cuestiones sobre belleza y estética quedan fuertemente cuestionadas. En otras publicaciones más adelante veremos qué dice Carey respecto a estos temas.
Después de la Gran Guerra, conocida luego como Primera Guerra Mundial (1914-1918) se van a producir en todo el mundo una gran cantidad de movimientios artísticos, que se consolidan y diversifican después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) hasta llegar al complejo y disperso panorama de hoy. Durante ese período entre ambas guerras se da la explosión de los "ismos", desde el cubismo, el futurismo, el fauvismo, el abstraccionismo y el dadaísmo, que se habían prefigurado en la década anterior, hasta el surrealismo, el suprematismo y el neoplasticismo, del que Mondrian va a ser el máximo exponente.
Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, Holanda, 1872 - Nueva York, EEUU, 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un uno de los pintores vanguardistas más importantes del siglo XX, miembro del grupo De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con el también holandésTheo van Doesburg (1883-1931). Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta el abstraccionismo, del cual es uno de los principales representantes. Junto a Kasmir Malevitch (1878-1935) es considerado el "padre" del abstraccionismo geométrico, diferente al "expresionismo abstracto", que luego tendría en Jackson Pollok (1912-1956) su mayor exponente.
Mondrian de joven fue maestro de escuela, pero fue practicando la pintura hasta que a principios de 1900 se decidió por hacer de ésta su modus vivendi. En estos primeros años pasa del naturalismo al impresionismo y de ahi al fauvismo, para finalmente recalar en la pintura abstracta. Ya residenciado en París, hacia 1919 define el que va a ser su estilo más reconocido: el suprematismo, en el que los colores y la geometría puros son los que construyen la obra. De esta época es su famosísima "Composición en amarillo, rojo, azul y negro".
Pintado en 1921, este óleo sobre lienzo de 59.5 cms. x 59.5 cm. está exhibido hoy en Gemeentemuseum, de La Haya. En un cuadrado de fondo, pequeños cuadrados y rectángulos de diversas medidas se convierten en masas blancas, negras o coloreadas con los colores primarios, separadas por gruesas líneas negras. En efecto es un lienzo reticulado, en el que cada "casilla" recibe su color, constituyendo una superficie que busca apelar a intelecto, más allá de la figuración. Es la culminación de una investigación que busca un nuevo lenguaje pictórico. El principio compositivo reside en la subdivisión calculada del plano a partir de líneas horizontales y verticales con base en el ángulo recto. La ausencia de una forma central en la que el espectador pueda fijar la vista, permite que cada elemento cobre protagonismo: visto por separado son puramente estáticos, pero al observarlos en conjunto, la composición se vuelve dinámica. Las líneas negras empleadas sirven para delimitar los colores, puesto que contacto entre ellos haría que se influenciaran, perturbando la percepción sensorial y confundiendo al espectador con matices de sentimientos.
Durante los siguientes años Mondrian llevó esta propuesta al máximo, tanto que se agotó en su contenido. Pero significó un aporte enorme al diseño, a la gráfica, al arte y a la arquitectura. Sus obras han servido de guía e inspiración a muchos movimientos artísticos en las últimas décadas, y aún hoy son vistas con admiración.
El ruso Vassily Kandinsky es todo un personaje en el mundo de las artes. Hombre teórico y páctico, ha aportado diferentes visiones a la comprensión del ámbito artístico durante el siglo pasado. Nacido en 1866 en el seno de una familia de la alta burguesía de la Rusia aún zarista, se inclinó por las artes desde muy joven. Su primer interés fue la música, y luego también aprendió dibujo. Más adelante estudió derecho y economía política. Viajó luego por su país y por Europa, donde visitando museos se convenció que su futuro estaba en la pintura, aunque sin abandonar la política, puesto que había comprendido los problemas sociales por los que pasaba su nación.
El estilo impresionista de final del siglo XIX le impactó y forjó su propia estética, que con el estudio, análisis y desarrollo fue derivando en otras expresiones cada vez menos figurativas. En la primera década de 1900 sigue estudiando, pero combina esa actividad con la enseñanza, y el contacto con los estudiantes le estimula a analizar y pensar más su pintura. En 1909 escribe el libro "De lo espiritual en el arte", donde desarrolla una teoría filosófica sobre los colores y las formas a los que confería valores psicológicos y morales, comparándolos con la música.
Es en este ambiente de innovación y pensamiento diferente que va a llevar su pintura al extremo del abstraccionismo, y comienza una serie de cuadros donde las formas libres y los colores son preponderantes, hasta que en 1912 pinta lo que después será conocida como la "Primera acuarela abstracta". Sobre esta fecha hay dudas, porque se piensa incluso que ha podido ser hecha en 1913, pero más extraño aún es que él la firma y fecha en 1910.
Parece sin embargo que esta acuarela, "Sin título" como fue presentada originalmente, fue pintada un par de años después. Es la culminación de algunas experimentaciones que había hecho Kandinsky desde que estaba viviendo en Munich. Siendo uno de los fundadores del movimiento "De Bleu Raiter", sustenta racionalmente su producción que se hace abstracta y colorida.
Es tan importante este cuadro (relativamente pequeño, de 50 cms. X 65 cms.), que otros pintores abstractos que se atribuian la "invención" del abstraccionismo, se encontraron con los argumentos de Kandinsky, en los que sustentaba que sus concepciones y obras no figurativas son precedentes a todas las demás del siglo XX. Ésta en particular está pensada desde la belleza psíquica interior. Lo que allí está plasmado no tiene relación alguna con ningún objeto real. Busca solo mostrar el dinamismo de las formas y los colores, provocando en el espectador (se puede ver hoy en el Museo Pompidou de París) una sensación centrífuga de alegría y espontaneidad.
Durante varios años el pintor fue desarrollando este estilo, y su obra comenzó a imponer fuertes influencias en la Europa de la primera post-guerra. Da clases en la academia Bauhaus de Walter Gropius, y escribe y enseña en tanto pinta y crea un universo abstracto como no se había visto. Sale de Alemania con el auge del nazismo, y hace sus últimos trabajos en Francia.
A su muerte en 1944, Vassily Kandinsky había aportado su talento y capacidad docente al mundo artístico del siglo XX. Las vanguardias abstraccionistas de las siguientes décadas le deben su inspiración, siendo esta "acuarela abstracta" una referencia obligada para el arte contemporáneo.
Esta es la gran pintura del siglo XX. La que en realidad cambia el panorama artístico de ese siglo. Pintada en 1907, Picasso estuvo trabajando en ella por un año, y sólo la expuso públicamente nueve años después de terminada. Pero en ese período la vieron sus amigos y algunos cuantos críticos, y todos coincidieron en señalar el impacto que les produjo. Ese mismo impacto que ha venido produciendo en los últimos 100 años.
El español Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es uno de los más importantes pintores de todos los tiempos. Un genio en toda la expresión de la palabra, realizó en su extensa vida centenares de cuadros, litografías, esculturas y objetos de arte que por su innovación, originalidad y atrevimiento son hitos en las artes contemporáneas. Hablar de Picasso es hablar del Rosa y del Azul, del Cubismo, del Collage, del Guernica, y de las Demoiselles d'Avignon.
Muchas cosas interesantes hay alrededor de este cuadro de 243,9 cm × 233,7 cm expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la primera de ellas el nombre, puesto que no son señoritas de Aviñon (ciudad francesa), sino de Avinyó, calle de Barcelona. Otra es que cuando Picasso la planteó tenía 7 personajes, las 5 mujeres y 2 hombres a los costados, que luego eliminó. Está llena de novedades: la incorporacion de la geometría al cuerpo, la distribución de las figuras dislocadas, las caras con sus referencias al arte africano, las telas apenas sugeridas, el espacio plano, la adición de una naturaleza muerta y el tema desafiante: cinco prostitutas de un burdel en Barcelona.
Todo descompuesto en planos angulosos, con colores muy intensos, y sin volumen. De un solo golpe, Picasso acabó aquí con el concepto de espacio pictórico desarrollado desde el Renacimiento. Incorpora la percecpión temporal a la imagen, puesto que pueden verse las figuras deformadas por la visión instantanea en momentos diferentes, lo cual coincide con las teorías físicas que se exponían en ese entonces, particularmente la Relatividad de Albert Einstein formulada en 1905. Es una obra revolucionaria, que costó algunos años en ser comprendida, pero que luego transformó la concepción del arte moderno, siendo hoy un punto de inflexión que aún nos afecta.
Van Gogh despierta sentimientos encontrados. Se sabe que llevó una vida atribulada, incluso algo insana, que su apasionamiento lo llevó al sufrimiento, que en un arranque (¿de locura, de rabia, de desesperación?) se cortó un trozo de su oreja, y que su actividad febril le permitió terminar decenas de cuadros, que nunca vendió. Y de esa figura surge una obra que definiría la transición del siglo XIX al XX en mucho de su estética, estilo y técnica, además de temática y expresión.
Vincent Willem van Gogh (1853-1890), nacido en Holanda y muerto en Francia, representa la transición del impresionismo hacia nuevas expresiones estilísticas, como el expresionismo y el fauvismo. Ciertamente la palabra genio se mal usa, pero seguramente en este caso, es aplicable sin atenuantes a Vincent. Entre la locura y la genialidad, sus 37 años discurrieron entre su casa y su familia y su soledad acompañada de artistas y pocos amigos que poco o nada comprendieron su obra. De hecho, sólo se valoró la grandeza de su aporte a su muerte, trágica y absurda: se disparó el mismo...
Empezó a dedicarse a la pintura ya tarde, y sus estudios fueron poco formales, pero su apasionamiento lo llevó a adquirir una técnica propia muy pronto, y partió hacia Francia en 1885. Allí conoce a los pintores del ya consolidado movimiento impresionista, y comparte especialmente con Paul Gaugain (1848-1903), con quien va a tener una turbulenta amistad. Es en estos cinco años que produce el grueso de su obra, y define su manera de presentar su mundo.
Pero es incomprendido, y sólo subsiste porque su hermano menor Theo Van Gogh, marchante de arte, lo mantiene y anima. Es de este período sus famosos retratos de amigos y gente común, las visiones de su cuarto en Arles, los girasoles, los campos de trigo y sus fantásticas noches iluminadas.
A trece meses de morir, en 1889, pinta esta formidable "Noche estrellada", epítome de la pintura de Van Gogh, y uno de los cuadros trascendentales de la historia de la pintura moderna. Lo realiza estando en el sanatorio de Saint-Remy-de-Provence, siendo tratado de sus desequilibrios emocionales. Se siente bien, es tratado con afecto, y ello lo impulsa a pintar con fuerza y dinamismo. Eso desborda en este lienzo al óleo, de 73 cms. por 92 cms, que hoy podemos admirar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. No es solo la descripción visual de un momento (la noche y sus estrellas como remolinos de luz) sino la expresión de un estado de ánimo. Allí están condensadas muchas cosas: el paisaje, la iglesia (Van Gogh era muy religioso), la luna, los árboles y esos arremolinados astros que son lo más notable de esta obra.
El uso de los trazos, las pinceladas gruesas, el color puro, son característicos de su obra, y van a demarcar el nacimiento del neo-impresionismo, influyendo en todo el arte occidental de principios del siglo XX. Sin duda Vincent Van Gogh hizo el aporte más apasionado al arte en los últimos 150 años.
Este cuadro es el que da su nombre al movimiento pictórico más importante del siglo XIX: el Impresionismo. Pintado a finales de 1872 o principios de 1873 por Claude-Oscar Monet (1840-1926) no fue sino hasta casi dos años después que se hizo conocido, cuando fue "descubierto" por la gente en una exposición colectiva de pintores rebeldes, no asociados con el academicismo en Francia. Es justamente el período cuando el grupo de artistas luego denominado impresionistas se da a conocer, generando polémicas y contradicciones, y que finalmente va a ser aceptado por el gran público y por la crítica apenas una generación después.
Monet, nacido en París pero criado y educado en el puerto de Le Havre, es uno de los más reconocidos creadores dentro de este grupo, entre los que también se incluye a Renoir, Cézanne, Degas, Pissarro, Sisley, Gauguin y Van Gogh (y muchos otros de varios países de Europa), que además fue de los más combativos y exaltados a la hora de defender y explicar sus propuestas visuales. Comenzó muy joven como caricaturista, y a los 20 años regresa a París para convertirse en artista a tiempo completo. Estudia en la Academia Suisse, y a finales de la década de1860 conoce a los que van a ser sus amigos en el movimiento impresionista. Queda impactado por la obra de Manet, y en 1865 y 1866 forma parte de importantes salones de exposiciones, aún sin estar totalmente apegado a los gustos clásicos de la época. Justamente esa rebeldía es la que en pocos años le va a apartar de las exposciones acedémicas, y entre 1867 y 1872 consolidará su estilo personal, en el que los colores, las luces y las pinceladas privan por sobre la línea y la geometría.
En 1874 se produce la primera manifestación "oficial" del impresionismo, que fue la exposición organizada en el estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón Oficial francés, por un grupo de pintores cuyas obras motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Ahí el cuadro Impresión, sol naciente motivó la denominación "impresionismo", acuñada con intención peyorativa por el crítico Leroy. Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince años antes por el grupo de artistas amigos de Monet (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Renoir, Sisley, Bazille) quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales y a partir de las innovaciones de algunos paisajistas revolucionarios (Turner en Inglaterra, Corot en Francia, la Escuela de Barbizon), se centraron en la pintura al aire libre y buscaron plasmar de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas en siluetas y colores.
Esta "Impression, soleil levant" (relativamente pequeña, de 48 cms. de alto por 63 cms. de base) terminará siendo el epítome de la pintura impresionista. La hizo el autor en una estadía en Le Havre, y se refiere justamente a una mañana en ese puerto francés. La bruma, la coloración de la atmósfera, los barcos y la línea del horizonte son el tema central, y se reflejan ahí las impresiones que esos elementos causan en el espectador. La figura humana está apenas esbozada en los remeros del bota en el primer plano, en tanto el sol rojo es el punto focal de la composición. Hay una síntesis, una forma de abstracción espacial que genera la atmósfera del amanecer, y casi se puede oir el mar y oler el salitre del puerto.
Indudablemente hay también otros cuadros del período impresionista (incluyendo otros de Monet) que han influído en la estética de los últimos 100 años, pero esta primera impresión la que marca un hito en la pintura occidental moderna, y se sigue viendo tan impactante hoy en el Museo Marmottan de París como cuando se expuso por primera vez.
Si hay una pintura que generó polémicas y asombro en su época es esta: "Le Déjeuner sur l'Herbe". Un almuerzo con 4 personajes que conforman una escena particularmente perturbadora. Pintada por Edouard Manet en 1863, se considera un hito en el cambio del mundo neoclásico y romanticista hacia la modernidad del siglo XX. No sólo por el tema sino también por la técnica.
La contraposición de una mujer desnuda contra un par caballeros completamente vestidos suscitó controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el "Salón de los Rechazados" después de ser rechazado por el Salón oficial parisino. Fue el lienzo más irritante y controvertido de esa exposición de obras rechazadas. Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera sin ropa junto a jóvenes elegantemente ataviados, numerosos críticos rechazaron la innovación del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo.
Manet (1832-1883), nacido en París hijo de una familia acomodada, comenzó su transitar por la pintura hacia 1850, influenciado por los renacentistas y barrocos, pero sus maestros opinan que nunca será un gran artista. Entre 1853 y 1856 recorre Europa y copia a los grandes de Italia, Holanda, Alemania y Austria. Regresa a París con una visión ecléctica, y así cambia de estilo.
Lo extraño es que asumiendo una posición revulsiva, buscando siempre una temática diferente, y con una técnica relativamente simple (muchos de sus críticos dicen que no sabe pintar), él mismo no se consideró un revolucionario, y al contrario, a pesar de que usualmente estuvo del lado de los "rechazados", su aspiración fue siempre a ser admitido como parte del estatus. Eso lo logró casi al final de su vida (incluso fue condecorado con la Legión de Honor francesa). Posterior a su muerte en París fue totalmente reconocido. Sobre todo por la inlfuencia que tuvo entre sus contemporáneos más jóvenes, propuslores del impresionismo.
También es curioso saber que él no se consideró parte del movimiento impresionista. Aunque conoció a varios de sus exponentes, y reconoció que había influido en sus pinturas, nunca realmente formó filas con sus postulados. Pero es visto como uno de sus iniciantes, por la manera como usó las pinceladas y los colores.
Es en este sentido que "El alumerzo en la hierba" es visto como predecesor de la estética que finalmente imperó al final del siglo XIX. No es un cuadro "realista" pero sí trata de mostrar una realidad propia del artista. Los personajes en la pintura son retratos de gente real (el hermano de Manet y su cuñado, y dos modelos femeninas conocidas), pero en una situación bastante inquietante. Es una provocación a la moral imperante, sobre todo porque la mujer mira directamente al espectador. Por su parte la estética de la obra rompe con las tradiciones académicas de la época. Manet usó una luz directa, de tipo "fotográfica" (no hay que olvidar que para 1863 ya la fotografía se estaba consolidando como técnica) que elimina los tonos suaves. Puede ser entendido como preimpresionista, por usar un motivo del entorno inmediato del artista. La hechura es sin embargo es bastante clásica, pero no intentó ocultar las pinceladas: de hecho, la pintura parece inacabada en algunas partes de la escena. Por ello es revolucionaria. El desnudo está muy lejos de las figuras suaves e impecables de los artistas importantes de su época. Otra cosa interesante es que a pesar de su tema trivial, Manet deliberadamente eligió un formato de lienzo grande(mide 208 cms. × 264,5 cms.)normalmente reservado para los grandes temas.
Los artistas jóvenes de la época, en contraposición a los del "establishment" vieron aquí un camino nuevo, y les inspiró para seguir cambiando el estilo que estaba latente en la Europa premodernista, que iba a cambiar la aproximación al arte de los siguientes 150 años.
Este es uno de los cuadros más dramáticos en la historia de la pintura. No sólo por su crudeza, por lo que trasmite y significa, sino también por el uso de las luces y los colores, que generan un intensidad pocas veces vista en el arte occidental hasta ese entonces. Pintado en 1814, representa las acciones del ejército francés en contra de los españoles durante la invasión encabezada por Napoelón Bonaparte contra el rey Carlos IV, entre 1807 y 1808.
El pintor aragonés Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) vivió los acontecimientos que pintó, y reflejó en esa (y en otras tantas obras más adelante, lienzos, grabados, murales) todo el horror de la guerra y sus masacres. Goya logra en esta pintura un efecto tan impactante que será luego modelo de cientos de pintores en las siguentes décadas, y será referencia para impresionistas, expresionistas, modernistas y hasta romanticistas.
Sin duda Goya es un artista brillante, que resume en su obra no sólo el espíritu de su época, sino que genera una nueva visión del mundo, influenciado además por su los cambios que su vida, carácter y mente fueron sufriendo en el transcurrir de los años. Empezó pintando joven y a los 17 años se fue a Madrid, donde comenzó una obra que en su juventud fue alegre y luminosa. De esta etapa son sus pinturas más "barrocas". Luego los acontecimientos lo van transformando, y apesar de que termina siendo un pintor cortesano, sus realizaciones se van alejando del convencionalismo y la temática ligera. De esta época, en la que vive las tragedias de la guerra, es "Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid", obra que por su expresividad va a marcar el resto de su carerra.
Esta también es otra pintura sobre la que se ha escrito y analizado en cantidad, y su peso en el mundo artístico es enorme. Como muchas otras de Goya, pero en esta en particular la atmósfera, la composición, el dramatismo, los colores... todo se suma para que haya sido referencia visual durante décadas. Lo escabroso del tema, tenebroso del ambiente, lo que refleja... Sobre todo porque históricamente es un episodio real, y aquí está bien patentizado.
El blanco de la camisa, el rojo de la sangre, el negro de la noche, el ocre del fondo, los grises delos soldados, todo se suma para crear esa tensión trágica del episodio dramático que significó la resistencia española ante el ejército napoléonico. La escala del cuadro, de 2,66 cms. x 3,45 cms. también contribuye a crear el impacto buscado. La anonimia de los soldados contrasta con las expresiones de los fusilados, un hecho que resalta la heroicidad de los protagonistas, el pueblo común. Todo es una suma de resoluciones geniales, que son el pico creativo del pintor.
Con los años Goya se fue quedando sordo, y su obra se fue haciendo más terrible, y aunque su situación social y económica era cada vez mejor. Finalmente terminó aislado, pero consciente de que el mundo estaba cada vez en mayor tensión. Al morir él algunos de sus cuadros fueron criticados fuertemente, pero al poco tiempo, con el cambio de las mentalidades, su creación fue reconocida y apreciada: muchos de sus lienzos están hoy en varios museos, y éste, en particular, ocupa un lugar preponderante en el Museo del Prado de Madrid, como corresponde a un hito del arte universal.
Esta no es una pintura. Es un juego de espejos. Es la concepción de la realidad dentro de la realidad. Pocas obras en la historia del arte han resultado tan significativas como estas "meninas" de Diego Velázquez. Terminada en 1656, su título original es "La familia de Felipe IV", pero desde el siglo XVIII es conocido ya como "Las Meninas", de la palabra portuguesa que se usaba en las cortes para denominar a las acompañantes, generalmente de familia noble, que servían como doncellas de honor a las infantas (hijas de los reyes), hasta su mayoría de edad.
Fue pintado en la corte del rey Felipe VI cuando Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), ya de 57 años, era un artista reconocido, trabaja para la corte, había tenido éxito y logrado un estilo personal inconfundible. Él, que nació en Sevilla, que para ese entonces era la ciudad más cosmopoltia de España, vivió desde los 24 años hasta su muerte en Madrid, habiendo estudiado con maestros muy connotados en su época.
Durante un tiempo trabajó por su cuenta, mejorando su técnica, ganando encargos, hasta que su capacidad lo abrió las puertas de la corte del rey. Recaló entonces en el palacio de El Escorial, pasando por varios cargos, siempre con el respaldo de Felipe IV. Su obra crece en calidad, y la temática se mantiene entre lo religioso, lo cortesano y lo mitólógico. Realiza decenas de pinturas, mientras también administra los bienes artísticos del rey.
Es en este contexto que pinta este formidable cuadro, de 318 cms. x 276 cms., en el que la escena nos muestra la hija de los reyes de España en una situación "normal", de juego, con las otras niñas de la corte, más una enana y un enano, un perro, y notablemente el mismo pintor, además de un personaje en el fondo y el reflejo de los mismos reyes en el espejo.
Pero no es tanto el tema lo relevante, sino la composición, la estructura de la obra y sus detalles lo que la hace trascendente. Es un cuadro lleno de guiños, de sorpresas, de originalidad. El pintor está pintando algo que está fuera del cuadro, que se supone son los personajes que están al fondo en el espejo, pero a la vez puede decirse que está pntando al espectador que está fuera de la escena, que entonces en realidad forma parte de la misma. Es algo tan bien logrado, que impactó desde su misma conclusión.
Pero hubo un lapso en que fue olvidado, hasta que a principios del siglo XIX se redescubrió, y a partir de ahi fue muy estudiado, convirtiéndose en una de las pinturas más importantes de todos los tiempos. No sólo es representativa del Barroco español, sino que su innovadora estructura la hace capital en la creación artística occidental. Se saben muchos detalles, quienes son los personajes, cómo están hechos los ropajes, qué hacían... pero además se ha analizado la espacialidad y la coloración, las luces y las sombras, para tratar de explicar su encanto.
Estudiosos, artistas, escritores, aficionados, han analizado durante años esta formidable pintura. Un cuadro en el que el 10% de su espacio está ocupado por la parte de atrás del bastidor que sustenta otro cuadro cuyo contenido no vemos pero suponemos, y del que formamos parte, es sin duda extraordinario. Ha sido copiada, parodiada, interpertada, replicada, reproducida, y no pierde su encanto. Hoy en día la internet ofrece muchos sitios donde se la trata y explica.
Vale la pena revisar el sitio web del Museo del Prado, donde está alojada desde hace casi 200 años:
