La IA gráfica como transformadora en la comunicación visual

La estética digital impulsada por la inteligencia artificial debe ser vista como fuerza transformadora en la comunicación y en las artes. Las dinámicas actuales del mundo digital han transformado no solo la forma en que interactuamos con la información, sino también cómo percibimos y construimos significados a través de la estética visual. La integración de la inteligencia artificial gráfica emerge como un fenómeno crucial que redefine los cánones estéticos contemporáneos, actuando como un puente entre la creatividad humana y las capacidades tecnológicas avanzadas. Este nuevo paradigma visual no solo es representativo de una era marcada por la digitalización sino que se consolida como una forma de expresión que habitúa la experiencia social contemporánea en la sociedad del conocimiento.

La proliferación de la inteligencia artificial (IA) generadora de imágenes marca un punto de inflexión en la estética visual del mundo digital. Más que una simple herramienta, la IA es una fuerza creativa que democratiza la producción de imágenes, permitiendo a individuos sin formación artística generar visuales complejas y personalizadas. Esta democratización, sin embargo, no está exenta de desafíos, ya que difumina las líneas entre la autoría humana y la artificial, y plantea preguntas sobre la originalidad y el valor del arte tradicional. La estética emergente de la IA se caracteriza por su capacidad para combinar estilos, texturas y conceptos de maneras inesperadas, creando un nuevo lenguaje visual que es a la vez familiar y extrañamente novedoso. Esta estética es un reflejo de nuestra sociedad del conocimiento, donde la información y las bases de datos masivas son el sustrato para la creación.

La inteligencia artificial gráfica, al intervenir en la producción y difusión de contenidos visuales, contribuye a la creación de narrativas visuales en la comunicación digital. La representación visual, mediada por algoritmos inteligentes, tiene el poder de facilitar o limitar el acceso a la información, influir en la opinión pública y generar nuevos canales de participación colectiva.

La estética visual de la IA es un componente esencial de los procesos de interacción social contemporáneos. Desde el arte generado por IA que se comparte en redes sociales hasta los avatares personalizados en entornos virtuales, estas imágenes no son solo decorativas, sino que actúan como vehículos de identidad, expresión y comunicación. Su capacidad para ser producidas y consumidas a una escala masiva las convierte en un nuevo medio para construir comunidades, expresar ideas y narrar historias. En este contexto, la tecnología de la información y la comunicación (TIC) se convierte en el lienzo sobre el que se despliega esta nueva estética, facilitando su difusión y permitiendo la creación de nuevas formas de cultura visual que reflejan los valores y las tensiones de nuestra era digital.

El "Estado Eléctrico" y su realización digital

Estado eléctrico (título original en inglés, "The Electric State") es una película de comedia dramática, aventuras y ciencia ficción estadounidense de 2025 dirigida por Anthony y Joe Russo a partir de un guion de Christopher Markus y Stephen McFeely, basada vagamente en la novela gráfica de 2018 del mismo nombre de Simon Stålenhag y lanzada por la plataforma Netflix. 

La trama sigue la historia de Michelle, una adolescente huérfana, mientras emprende un viaje con su compañero robot, Skip, para encontrar a su hermano perdido desde hace mucho tiempo. La acción está ambientada en un futuro distópico donde la mayoría de la población utiliza interfaces cerebro-computadora llamadas Neurocasters para escapar del trauma de una segunda guerra civil. La historia se desarrolla a través de una serie de párrafos vinculados a grandes ilustraciones, revelando el pasado de Michelle y las razones de su separación. El escenario de la novela, Pacifica, se retrata como una sociedad hipoconsumista en decadencia, con la gran mayoría de la población utilizando Neurocasters para escapar del trauma de una segunda guerra civil. La adicción tecnológica se ha convertido en un problema generalizado, lo que lleva a un colapso de la ley y el orden.

El trabajo de complementación de las imágenes reales con la animación digital es muy bueno, realizado por la empresa noruega Storm Studios con la tecnología VFX, que recrea, sobre la base de locaciones naturales, el ambiente fantástico de la serie, además de los seres y robots fantásticos del programa. Aquí pongo el video donde se muestra la producción de estos excelente efectos y el trailer de Netflix.

Extraño mundo surrealista con técnica 3D

Esta imagen nos muestra un extraño mundo de construcción surrealista, hecho con programas digitales de ilustración 3D, con técnicas informáticas. Tiene una estética claramente digital, con una dinámica y sensibilización volumétrica muy propias del arte cibernético. Fue encontrada en la internet y es de uso abierto.  

Buda y el uso de las palabras

"Sean cuales sean las palabras que usamos, deberían ser usadas con cuidado porque la gente que las escucha serán influenciadas para bien o para mal". 

Siddartha Gautama, el "Buda" Iluminado (S V a.C), filósofo y sabio hindú.

Inteligencia emocional según Goleman

Daniel Goleman es un psicólogo, periodista y escritor estadounidense, nacido en 1946, reconocido por su exitoso libro de 1995, "Emotional Intelligence" (en español Inteligencia emocional) en el que postula alguna ideas sobre la relación que establecemos con nosotros mismos y con las que tenemos con los demás, desde la perspectiva de las competencias emocionales. 

Según Goleman, la inteligencia emocional (IE) es la capacidad de reconocer, comprender y gestionar tanto las emociones propias como las de los demás. Va más allá de la inteligencia puramente cognitiva (CI) y, según él, es un factor crucial para el éxito en la vida personal y profesional. Así, divide la inteligencia emocional en cinco componentes principales:

1. Autoconocimiento

Es la capacidad de reconocer y entender las propias emociones, fortalezas, debilidades y valores, así como el efecto que tienen en los demás. Implica ser consciente de tus sentimientos en el momento en que ocurren.

2. Autorregulación

Consiste en la capacidad de controlar o redirigir los impulsos y estados de ánimo perturbadores. No se trata de suprimir las emociones, sino de manejarlas de forma adecuada para evitar reacciones impulsivas o negativas. Las personas con alta autorregulación piensan antes de actuar.

3. Motivación

Es la pasión por trabajar por razones que van más allá del dinero o el estatus, como una necesidad interna de alcanzar metas. Las personas motivadas buscan desafíos, tienen un fuerte optimismo y perseveran a pesar de los obstáculos.

4. Empatía

Es la capacidad de comprender las emociones de otras personas y ponerse en su lugar. Implica estar atento a las señales no verbales y entender las perspectivas de los demás, lo que es fundamental para la comunicación efectiva y las relaciones interpersonales.

5. Habilidades Sociales

Se refiere a la capacidad de gestionar las relaciones y construir redes de apoyo. Las personas con buenas habilidades sociales son eficaces en la persuasión, el liderazgo, la comunicación y la resolución de conflictos. Es la aplicación de las otras cuatro habilidades para interactuar exitosamente con los demás.

Goleman argumenta que estas cinco áreas, cuando se desarrollan, permiten a las personas ser más efectivas en sus interacciones, mejorar su bienestar y alcanzar sus objetivos. Algunas de estas  nociones han sido cuestionadas por algunos expertos en comunicación y psicólogos, por considerarlas muy esquemáticas y simples, pero sin duda han tenido repercusión en el mundo contemporáneo y dan una visión particular de lo que puede ser el manejo de las emociones en distintos campos del desempeño social. 

Comunicación efectiva

En el campo del estudio de la comunicación, además de la comunicación humana, la comunicación social, la mediática y la masiva, se incluye lo que se llama "comunicación efectiva", que está muy relacionada con la comunicación interpersonal y la organizacional. La comunicación efectiva es el proceso que permite a las personas intercambiar ideas, información, opiniones y sentimientos de una manera que el mensaje se transmita y se reciba con claridad y precisión. El objetivo principal es que el receptor entienda el mensaje exactamente como el emisor lo quiere dar, sin malentendidos.

Para que la comunicación sea efectiva, es importante que se cumplan varios elementos fundamentales:

• Claridad: el mensaje debe ser claro y fácil de entender. Se deben evitar los tecnicismos, la jerga o las palabras complicadas si el receptor no está familiarizado con ellas.

• Escucha activa: la persona que recibe el mensaje debe prestar atención no solo a lo que se dice, sino también a la forma en que se dice. Esto incluye el tono de voz y el lenguaje corporal.

• Empatía: ponerse en el lugar de la otra persona ayuda a entender su perspectiva y a ajustar el mensaje para que sea más receptivo.

• Retroalimentación (feedback): es el proceso por el cual el receptor confirma que ha entendido el mensaje. Puede ser verbal (por ejemplo, "entendí") o no verbal (asentir con la cabeza). Es la respuesta que cierra el circuito de la comunicación.

¿Por qué falla la comunicación?

Suponer que el otro "adivina" lo que pensamos.

No escuchar: solo esperar nuestro turno para hablar.

Ruidos externos (interrupciones) o internos (prejuicios).

De cierta forma esta es la base del funcionamiento de muchas formas de comunicación. Queda evidente que es un mecanismo mediante el cual un emisor transmite un mensaje de manera clara, concisa y oportuna a un receptor, logrando que este lo interprete correctamente y generando la respuesta o acción deseada. No se trata solo de hablar bien, sino de garantizar que el mensaje se comprenda y cumpla su objetivo. 

De Sócrates y la estética

Sabemos que el famoso filósofo griego, Sócrates (469-399 a.C.), no dejo nada escrito por él, sino que sabemos de sus ideas y filosofía por sus discípulos, en particular, Platón ( 427-347 a.C.). Entre los muchos aspectos que Sócrates abordó, está el de la belleza y la bondad, elementos que de alguna forma podemos relacionar con la estética, en su concepción relativa a lo bello y lo trascendente. Podemos relacionar los postulados de Sócrates en relación con la estética a través de su énfasis en la belleza como una manifestación del bien y la verdad. Para él, la belleza no era solo una cualidad superficial, sino algo intrínseco y moralmente valioso.

Sócrates argumentaba que la belleza de un objeto reside en su utilidad y función. Un objeto es bello si cumple bien su propósito. Por ejemplo, un escudo es bello si protege eficazmente, y una herramienta es bella si sirve para lo que fue diseñada. Esta idea contrasta con la noción de que la belleza es una cualidad inherente e independiente de la función del objeto.

Por otro lado, la belleza física estaba ligada a la belleza moral. Sostenía que la belleza exterior es un reflejo de la belleza interior o del alma. Una persona virtuosa, que actúa con justicia y sabiduría, es intrínsecamente bella. Esta conexión entre la ética (el bien) y la estética (la belleza) es fundamental en su pensamiento. 

Aunque Sócrates no desarrolló una teoría completa de las formas como Platón, su búsqueda del bien y la verdad se extiende a la belleza. Consideraba que la belleza de las cosas individuales es una aproximación a un ideal de belleza universal. Este ideal no es tangible, pero se puede vislumbrar a través de la reflexión y la búsqueda de la virtud. Así, la estética socrática se centra en la belleza del alma y el intelecto más que en la simple apariencia.

Por supuesto, esta es una aproximación breve y sintética, pero ayuda a comprender cómo se formó una línea de pensamiento en la antigua Grecia, que sirvió de base para discusiones posteriores y propuestas distintas, notablemente las del mismo Platón y las de Aristóteles. Muchas de esas nociones siguen siendo válidas hoy en día.  

El arte pixelado de pixeljeff

Este artista residenciado en Taiwán, de nombre Jeff y de nickname "pixeljeff", trabaja las imágenes con la técnica del arte pixelado, lo que da a sus creaciones una estética muy especial y con un estilo que de alguna manera se puede llamar "retro". Usa programas informáticos para la realización y coloración de sus representaciones imaginativas de escenas urbanas, hogareñas y fantásticas. El sitio Web https://www.behance.net/pixeljeff. 

El Movimiento Desinfluencer

Sabemos hoy lo que son los influenciadores o "influencers" y su importancia en el cibercultura contemporánea. Así mismo, sabemos de las polémicas que sus publicaciones generan y han sido objeto tanto de alabanzas como de cuestionamientos por todo tipo de corriente de pensamiento. Pues bien, ahora a surgido otra línea de visión crítica: la del movimiento "Desinfluencer". Este movimiento desinfluenciador es una tendencia en las redes sociales donde los creadores de contenido promueven un consumo más consciente y reflexivo. En lugar de animar a sus seguidores a comprar productos constantemente, los desinfluencers los aconsejan a no gastar dinero en cosas que no necesitan, a evitar compras impulsivas o a buscar alternativas más económicas y sostenibles.

Este movimiento surgió como una reacción al consumismo excesivo que a menudo se asocia con el marketing de influencers tradicional. Los desinfluencers se enfocan en la autenticidad y la transparencia, compartiendo sus propias experiencias negativas con productos o destacando el valor de la durabilidad y la funcionalidad sobre las tendencias del momento. Se trata de un giro hacia el consumo responsable, animando a la gente a ser más crítica con lo que ve en internet y a tomar decisiones de compra más inteligentes.

Esta nueva tendencia se opone al llamado estilo "Haul", que se refiere a un tipo de video o publicación donde un creador de contenido muestra y a menudo reseña, una gran cantidad de productos que ha comprado recientemente, para incitar al consumo. El propósito principal de un "Haul" es compartir la emoción y la experiencia de las compras con la audiencia, ofreciendo una especie de "desempaquetado" o reseña de múltiples productos a la vez.

Mientras que el movimiento desinfluencer busca promover la moderación y la reflexión antes de comprar, el haul tradicionalmente celebra el consumismo y anima a la audiencia a ver qué es lo que está de moda o qué productos son interesantes en un momento dado. Como vemos, el mundo de las comunicaciones digitales y las redes sociales está siempre en acción y genera polémicas cada vez más intensas y a la vez, estimulantes. 

Frase de Kant sobre la inteligencia

"Se mide la inteligencia de un individuo por la cantidad de incertidumbres que es capaz de soportar".

 Immanuel Kant (1724-1808),  filósofo prusiano de la Ilustración.

Otro paisaje ficticio con técnica digital

Aquí hay otra imagen encontrada por internet, realizada con técnicas y programas informáticos, con el tema de un paisaje ficticio. Es una fantasía como ejemplo de arte digital en la Web. 

Artes autográficas y artes alográficas (2/2)

En la publicación anterior vimos una interesante forma de distinción que permite clasificar las obras de arte según su forma de reproducción y percepción. Nelson Goodman, filósofo estadounidense, llama la atención sobre un problema peculiar en la filosofía del arte: ¿por qué es que una pintura puede ser falsificada mientras que una pieza musical no se puede? Después de verificar que efectivamente hay una importante diferencia estética entre un original y una falsificación y de clarificar su naturaleza, Goodman sugiere una respuesta a la pregunta. Esta es que las obras en una forma de arte pueden ser falsificadas si y solo si no hay una notación posible para especificar cuáles son y cuáles no son obras auténticas. En otras palabras, una pieza musical se puede escribir como una partitura, por lo que cualquier interpretación que corresponda adecuadamente a la partitura se considera auténtica; no hay tal notación para definir qué es y qué no es una instancia auténtica de una pintura, por lo que una pintura puede ser falsificada.

Esta diferenciación es la que determina cuándo hablamos de autográficas o alográficas. Las artes autográficas dependen de la materialidad única y la historia de producción de cada obra, lo que impide la existencia de copias idénticas, mientras que las artes alográficas permiten copias exactas, centrando la identidad de la obra en un sistema de notación o instrucciones reproducibles.

En las artes autográficas, la historia de la producción de la obra es fundamental para su identidad y autenticidad. Esto significa que el objeto físico en sí mismo es el original y cualquier copia, por muy exacta que sea, no se considera la misma obra de arte. La distinción entre una obra original y una falsificación es crucial. Un duplicado exacto no tiene el mismo valor que el original, incluso si se ve idéntico. Por ejemplo, una réplica perfecta de la Mona Lisa no es la Mona Lisa. La pintura, la escultura tradicional y el grabado son artes autográficas. Aunque un grabado pueda producir múltiples impresiones (ejemplares), la plancha original de la que se obtuvieron es única, y cada impresión individual se considera un original en sí misma, con su propia historia de producción.

En las artes alográficas, la obra de arte se define a través de un sistema de notación (como una partitura, un guion o un plano). La identidad de la obra está ligada a esta notación, no al objeto físico o a la ejecución específica. La noción de falsificación no aplica de la misma manera. Si una obra se ejecuta según su notación, es una instancia auténtica de la obra, sin importar quién la ejecute o cuándo. Por ejemplo, una interpretación de la Quinta Sinfonía de Beethoven es tan auténtica como cualquier otra, siempre que se base en la partitura original. La música, la literatura, el teatro y la arquitectura son artes alográficas. El texto de una novela es la obra en sí, y cualquier copia del libro es una instancia auténtica de esa obra. De igual forma, una casa construida siguiendo los planos de un arquitecto es una instancia auténtica de esa obra arquitectónica.

En definitiva, según esta idea de Goodman, la diferencia radica en si la obra puede ser identificada y duplicada sin perder su autenticidad. Si el objeto único y su historia son lo que importan, es autográfico. Si la notación que la define es lo que importa, es alográfico. Esto es válido para toda creación artística, incluyendo las digitales y las que hoy se realizan con inteligencia artificial.

Artes autográficas y artes alográficas (1/2)

Un concepto diferenciador de las formas de arte muy interesante es el que define las autográficas y las alográficas. Las artes autográficas y las artes alográficas son una distinción usada para clasificar diferentes tipos de artes en función de la relación que existe entre la obra original y sus copias. Esta teoría fue propuesta por el filósofo estadounidense Nelson Goodman (1906-1998), en su libro de 1968, Los lenguajes del arte. La diferencia clave se centra en el concepto de la autenticidad y la identidad de la obra.

La artes autográficas son aquellas en las que la obra original no admite copia indistinguible o perfecta. La obra original exhibe las huellas y rastros propios del trabajo material realizado por el artista directamente sobre los materiales. En estas artes, la copia nunca puede ser idéntica al original porque la identidad de la obra depende de la historia particular de su producción. Ejemplos clásicos son la pintura y la escultura, donde cada obra es única y las copias son reconocibles como tales. Además, son obras en las que todas las propiedades fenomenológicas (como las texturas y detalles) son importantes para la identidad de la obra.

Artes alográficas son aquellas en las que las copias pueden ser indistinguibles del original, ya que las operaciones que producen la obra y las que reproducen copias son las mismas o muy similares. En esta categoría entran artes como la música escrita (partituras), la literatura (textos escritos), el diseño digital, la ilustración digital, videojuegos y la música electrónica. En el caso de estas obras, la identidad de la obra no depende de quién, cuándo o cómo se produjo la instancia específica, sino de la fidelidad literal al "texto" o "código" que compone la obra.

En la siguiente publicación veremos cómo surge este concepto distintivo y las consecuencias que tiene en la percepción y valoración de la obra artística, sobre todo en este momento de expresiones audiovisuales con inteligencia artificial.

Academia Supernatural, serie en animación CGI

"Supernatural Academy" (Academia Supernatural) es una serie de televisión animada de fantasía para adolescentes, de producción estadounidense-canadiense, que se estrenó en 2022 y está basada en la línea de libros creada por Jaymin Eve. Está realizada en CGI, Computer Generated Imagery, con referencias a otras animaciones de corte animé digital. En la trama de la primera temporada, conocemos a Mischa Jackson/Lebron, una chica de 16 años que vive en el mundo humano con su madre Lienda. Su hermana gemela Jessa es una chica popular y cambiaformas que vive en la Academia Sobrenatural con su padre, el líder del consejo Jonathan. Habiéndose separado al nacer, las gemelas no tienen idea de la existencia la una de la otra. Mischa, en particular, no tiene idea del mundo sobrenatural—poblado por cambiaformas, usuarios de magia, hadas, trolls, arpías, vampiros y sirenas—y vive como una adolescente normal en la ciudad de Nueva York en la actualidad.

Pero resulta que Mischa tiene visiones de lobos, dragones y puertas extrañas, que dibuja en su cuaderno. Sus poderes reprimidos están despertando poco a poco. Decidiendo que ya no puede esconderse y proteger a su hija en el mundo humano, Lienda reúne a Mischa con su hermana y su padre, y la inscribe en la Academia Supernatural. Aunque tienen un comienzo difícil, las gemelas rápidamente llegan a amarse y forjan un vínculo inquebrantable. A medida que su hermandad es puesta a prueba una y otra vez, Jessa y Mischa necesitarán el apoyo mutuo y de sus amigos si quieren tener una oportunidad contra las fuerzas oscuras que buscan resucitar al Rey Dragón.

La serie está dirigida por Steve Ball. El piloto fue escrito por Gillian Horvath, quien también es la guionista principal de los otros episodios. Jody Prouse se encarga de la dirección de animación. 41 Entertainment está involucrada en la producción de la serie y la animación fue proporcionada por ICON Creative Studio. Es un trabajo interesante, con una estética digital muy definida y característica de este tipo de series de animación. Sin mayores pretensiones, muestra una calidad técnica adecuada y una ambientación bien lograda, con una trama que suele enredarse a veces excesivamente. Esa primera temporada tiene 16 episodios y se está planificando ya la siguiente.

Un pensamiento de Molière

"La belleza del rostro es frágil, es una flor pasajera, pero la belleza del alma es firme y segura".

Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), llamado Molière, dramaturgo, actor y poeta francés.